Em 78 anos de carreira, Picasso pintou mais de 13 mil quadros, realizou mais de 100 mil desenhos e mais de 300 esculturas. Um de seus mais conhecidos trabalhos é Guernica, do final da década de 1930, considerada uma das maiores obras de protesto social já criadas e uma resposta direta aos horrores da Guerra Civil Espanhola.

Picasso teve várias fases em sua trajetória artística. Entre as mais conhecidas estão:

– Fase azul (1901 a 1904) – mostra introspecção, solidão e tristeza;

– Fase rosa (1905 a 1907) – caracterizada pelo uso dos tons de rosa e vermelho, com obras que retratam alegria e movimento;

– Período africano (1907 a 1909) – figuras inspiradas na África, que levaram Picasso ao cubismo;

– Cubismo (1909 a 1919) – formas distorcidas, imagens e objetos fragmentados, composições com recortes e colagens;

– Classicismo e Surrealismo (de 1920 em diante).

No vídeo a seguir podemos apreciar uma seleção de obras criadas por Picasso ao som do primeiro movimento da Sinfonia nº. 9, de Philip Glass:

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Inicialmente, seu estilo foi naturalista, recorrendo à técnica do chiaroscuro. Depois, influenciado por pintores italianos como Tiziano, seus trabalhos se tornaram mais luminosos. Em seu último período, sua pintura tornou-se mais esquemática, com o uso de pinceladas rápidas.

A obra de Velázquez influenciou pintores realistas e impressionistas, além de pintores mais modernos como Picasso e Salvador Dalí. Manet chegou a afirmar que o artista era o “pintor dos pintores”.

Sua célebre pintura As Meninas é considerada uma obra-prima. Picasso fez uma série interpretativa de 58 pinturas relativas a esse quadro.

Obras de Bach e Albéniz serão a trilha sonora para os dois vídeos com montagens de trabalhos de Velázquez.

Primeiramente, com a versão instrumental da ária Seht, was der Liebe tut, da Cantata BWV 85, de Bach:

E depois com a Suíte Espanhola, Op. 47, Granada, de Albéniz:

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Um mestre inovador e prolífico, Rembrandt é geralmente considerado um dos maiores artistas visuais da história da arte e o mais importante pintor holandês. Explorou em sua obra temas bíblicos, mitológicos e históricos, além realizar muitos autorretratos, produzindo mais de 300 trabalhos entre pinturas, gravuras e desenhos.

Suas pinturas são caracterizadas pelo jogo de luz, influenciado pelo chiaroscuro de Caravaggio e pelo uso da paleta de cor em tons de marrom contrastando com poucos tons mais brilhantes, que davam dramaticidade à cena.

Vamos apreciar alguns de seus trabalhos em dois vídeos com trilha sonora de obras de dois mestres da música barroca.

O primeiro, com o Prelúdio e Fuga nº. 12 d’O Cravo Bem Temperado de Bach:

E, o segundo, com a versão instrumental da ária Ombra mai fu, mais conhecida como o Largo da ópera Xerxes, de Händel:

Saiba mais sobre O Cravo Bem Temperado:

PODCAST | Bach – O Cravo Bem Temperado, Livro 1 – Parte 1

Saiba mais sobre Ombra mai fu:

Händel – Ombra mai fu

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Matisse é geralmente considerado, junto com Picasso, como um dos artistas que melhor ajudaram a definir os desenvolvimentos revolucionários das artes visuais nas primeiras décadas do século 20.

O intenso colorismo das obras que pintou entre 1900 e 1905 tornaram-no conhecido como um integrante dos fauves (feras), grupo de artistas que se caracterizava pela simplificação de traços e volumes e pelo uso das cores puras.

Muitos de seus melhores trabalhos datam dos dez anos a partir de 1906, quando ele desenvolveu um estilo rigoroso que enfatizava formas planas e padrões decorativos.

Em 1917, Matisse se mudou para Nice, na Riviera Francesa. O estilo mais relaxado de seu trabalho na década de 1920 lhe trouxe aplausos da crítica como um defensor da tradição clássica da pintura francesa. Depois de 1930, adotou uma simplificação de forma ainda mais ousada.

Quando a saúde precária de seus últimos anos o impediu que pintasse, Matisse criou uma obra importante usando a técnica de colagem de papel recortado.

Seu domínio da linguagem expressiva de cor e desenho, exibida em sua obra de mais de meio século, lhe trouxe reconhecimento como uma das principais figuras da arte moderna.

A vivacidade das cores de Matisse ganha trilha sonora da bela Arabesque nº 1 de Debussy, no vídeo a seguir:

Debussy – Arabesque nº 1

(Ref.: Matisse – Tate Modern)

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Foi pintor da corte espanhola e também, mais tarde, o pintor dos horrores da guerra, das assombrações do mundo e da vida interior dos homens.

Em muitas de suas telas é comum perceber fisionomias de traços exagerados e contorcidos, pois Goya buscava exacerbar expressões de aflição e agonia em seus personagens, de maneira a transmitir tanto os sentimentos do povo espanhol, traumatizado pelas guerras, quanto os seus próprios.

Eclético, fez desde retratos, nus-artísticos e paisagens até cenas de guerras, acontecimentos históricos e episódios da mitologia.

A Dança Macabra de Saint-Saëns combina com a atmosfera sombria de alguns dos trabalhos de Goya.

Saint-Saëns – Dança Macabra

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Dalí frequentemente descrevia seu trabalho como “fotografias de sonho pintadas à mão”. O Surrealismo penetrava a fundo nas atividades não racionais da mente – sonhos e o subconsciente – para gerar as formas irreais, como as que aparecem no quadro Persistência da Memória.

Considerado excêntrico e de personalidade exibicionista, criou em torno de si uma aura mítica de ousadia e loucura, definindo seu processo criativo como “crítico-paranoico”.

Citações de Dalí:

“Quando eu tinha seis anos, queria ser cozinheiro. Com sete, queria ser Napoleão. E minha ambição tem crescido desde então.”

“Todo dia quando eu acordo, experimento novamente um supremo prazer – o de ser Salvador Dalí.”

As variações de Max Bruch sobre o “Kol Nidrei”, melodia de origem judaica cantada no Yom Kippur, embala a atmosfera onírica dos quadros de Dalí, no vídeo a seguir:

Max Bruch – “Kol Nidrei” per violoncello e orchestra

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Seu traço marcante e suas imagens brutais marcaram a arte do período e revolucionaram a arte no século 17. Em vez de adotar belas figuras etéreas para representar seus personagens, preferia escolher modelos do povo, como crianças de rua, prostitutas e mendigos.

Outra característica importante de suas obras é o uso de luz e sombra: seu estilo originou o tenebrismo – radicalização do chiaroscuro –, em que o fundo escuro dos quadros contrastava com fortes pontos de luz, resultando em um realismo dramático.

De temperamento difícil e violento, ganhou a reputação de rebelde da história da arte por suas rixas polêmicas. Em 1606, matou um jovem durante uma briga e fugiu de Roma, com a cabeça a prêmio.

O pintor holandês Floris Claes van Dijk, contemporâneo de Caravaggio, descreveu-o da seguinte maneira:

“Após anos de trabalho, Caravaggio andou de cidade em cidade servindo vários senhores importantes. É um trabalhador incansável, porém orgulhoso, teimoso e sempre disposto a participar em discussões e a envolver-se em brigas, o que torna difícil conviver com ele. Passou a fazer ameaças e insultos em comércios, quebrando pratos em restaurantes e ferindo seus adversários com faca ou espada.”

No vídeo a seguir, o monumental coro de abertura da Paixão Segundo São João de Bach, Herr unser Hershcer (Senhor, Senhor nosso) traduz toda a dramaticidade das telas do pintor:

Bach – Paixão Segundo São João: “Herr unser Herscher”

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Figura emblemática da arte moderna, o pintor Vincent van Gogh (1853-1890) é hoje um dos mais conhecidos pintores pós-impressionistas. É considerado, depois de Rembrandt, o maior pintor holandês. Não foi, porém, apreciado durante sua vida.

Nascido em Zundert, Van Gogh era filho de um pastor. Em 1869, consegue seu primeiro emprego na agência de uma galeria de arte internacional. Porém ele não se interessou pelo trabalho e foi demitido em 1876.

Tornou-se professor em Londres, mas por pouco tempo. Depois, profundamente interessado pela religião cristã, foi pastor em uma cidade mineira no sul da Bélgica.

Em 1880, resolveu ser artista. Depois de perambular por várias cidades, em 1886 juntou-se a seu irmão Theo em Paris. Conheceu vários artistas de quem se tornou amigo, incluindo Degas, Toulouse-Lautrec, Pissarro e Gauguin.

Seu estilo mudou bastante e, influenciado pelo impressionismo, tornou-se mais leve e mais vivo. Nesta época, pintou uma série de autorretratos.

De personalidade difícil, teve uma existência trágica e intensa, com relacionamentos amorosos malsucedidos e episódios de depressão.

Em 1888, mudou-se para Provença, sul da França, onde pintou sua famosa série de girassóis. Convidou Gauguin para juntar-se a ele, mas eles logo começaram a brigar. Van Gogh ameaçou Gauguin com uma navalha. Arrependido, cortou parte de uma orelha sua.

Este foi o primeiro sinal sério dos problemas mentais que iriam atormentá-lo pelo resto de sua vida. Passou períodos em hospitais psiquiátricos e oscilava entre fases de depressão e de concentrada atividade artística, refletindo as cores intensas e a luz forte dos campos a sua volta.

Em julho de 1890, sofrendo novamente de depressão, suicidou-se com um tiro.

Produziu mais de duas mil obras em seus 37 anos de vida. Por meio da cor, Van Gogh procurou captar a essência dos seres e das coisas e traduzir emoções e intuições sem o compromisso com a verossimilhança que dominava a arte acadêmica de seu tempo. Seus temas preferidos foram as paisagens, os elementos da natureza, retratos, autorretratos e flores – como o girassol, que adorava.

Foi considerado o maior expoente do pós-impressionismo, embora algumas de suas pinturas já mostrassem os primeiros sinais do expressionismo.

Em sua extensa obra, não reconhecida em vida, destacam-se mais de 800 pinturas a óleo produzidas nos dois últimos anos antes de sua morte.

Vamos apreciar, a seguir, seu trabalho ao som de obras de diferentes compositores.

Van Gogh & Debussy – Clair de Lune 

Neste vídeo podemos ver os detalhes da tela A Noite Estrelada (1889), de Van Gogh, embalados por Clair de Lune, terceiro movimento da Suíte Bergamasque, de Debussy

Van Gogh & Beethoven – Sonata ao Luar, Op. 27 nº 2: Adagio 

O sombrio e introspectivo Adagio inicial em tom menor da Sonata ao Luar, de Beethoven, nos convida a admirar as pinturas de natureza e paisagens de Van Gogh.

Van Gogh & Saraste – Capricho Basco, Op. 24

A série de telas com pinturas de girassóis são uma marca registrada de Van Gogh, aqui mostradas em detalhes com trilha sonora do vibrante Capricho Basco, de Saraste.

Van Gogh & Kurosawa – Sonhos | Chopin – Prelúdio, Op. 28 nº 15

O cineasta japonês Akira Kurosawa, em seu filme Sonhos, deu vida às telas de Van Gogh, incluindo Campo de Trigo e Corvos, último quadro pintado pelo artista, pouco antes de sua morte. A escolha do Prelúdio, Op. 28 nº 15, de Chopin, reforça a associação com a ideia de morte.

Sonhos – Corvos | Chopin – Prelúdio

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O francês Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) teve um papel central no movimento impressionista. Seu estilo misturava as tradicionais cenas parisienses ao ar livre com pinturas de nu feminino, além de paisagens, cenas familiares e retratos. O artista é reconhecido pelo uso vibrante das cores e pela representação espetacular da luz.

Vamos assistir a um vídeo com vários retratos pintados por Renoir, ao som do Trio em Sol Menor de Debussy:

Debussy – Trio em Sol Menor: I. Andantino con moto allegro

Turner & Tchaikovsky

Um dos maiores artistas da Grã-Bretanha, Joseph Mallord William Turner (1775-1851) pintou de paisagens pitorescas a edifícios históricos. Ilustrou livros e colaborou com poetas e escritores, como Byron. Embora sua pintura seja principalmente romântica, Turner preocupava-se com os efeitos da luz sobre a paisagem, sendo considerado um precursor do impressionismo. Em sua fase final, diluiu os contornos das figuras, dando-lhes uma aparência quase abstrata e onírica.

No vídeo a seguir, as telas de Turner ganham trilha sonora de Tchaikovsky:

Tchaikovsky – Valsa das Flores

Cézanne & Satie

“Paul Cézanne é o pai de todos nós”. Esta frase atribuída a Pablo Picasso evidencia o papel central do pintor francês na arte moderna. Paul Cézanne (1839-1906) tinha uma rotina obsessiva dedicada ao exercício da pintura. Em suas pinceladas coloridas, obtinha volume e distância pelo jogo de cores, explorando também formas simplificadas pela geometria (cubo, cilindro e cones). Sua obra inovadora e seu rigor geométrico serviram de ponte entre o impressionismo e o cubismo.

A Gymnopédie nº. 1, de Erik Satie, é o pano de fundo para os trabalhos de Cézanne:

Satie – Gymnopédie nº. 1

Manet & Saint-Saëns

O pintor francês Édouard Manet (1832-1883) fez a ponte entre dois dos movimentos artísticos mais importantes do século XIX, o realismo e o impressionismo. Rejeitou a Academia de Belas Artes, trocando temas religiosos ou alegóricos pelas representações da vida burguesa, fora dos padrões artísticos vigentes. Suas inovações radicais na composição e na narrativa de cores culminaram na origem da pintura moderna.

Vamos apreciar sua arte embalados pela Sonata para Oboé e Piano de Saint-Saëns:

Saint-Saëns – Sonata para Oboé e Piano, Op 166

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O pintor francês Claude Monet (1840–1926) é considerado o fundador do Impressionismo, termo que se originou de seu quadro Impression, soleil levant  (Impressão, o sol nascente), exibido no Salão dos Recusados. O salão paralelo foi iniciado por Monet e seus amigos em 1863 como alternativa ao Salon de Paris, exibição oficial dos pintores convencionais, membros da Real Academia Francesa de Pintura e Escultura. 

Durante sua longa carreira, Monet foi o principal praticante da filosofia do impressionismo, que pretendia retratar as percepções da natureza especialmente em plein air (ao ar livre).

Nos próximos vídeos, vamos mostrar pinturas de Monet com trilha sonora de diferentes compositores. Na comparação entre esses compositores, gostaríamos de perguntar a vocês: qual deles teria maior afinidade com Monet? 

– Monet | Debussy – Suite Bergamasque: Clair de Lune 

O mais célebre movimento da Suíte Bergamasque, Clair de Lune, tem seu título retirado de um poema de Paul Verlaine. Debussy cria aqui uma atmosfera estática e impressionista com simples recursos harmônicos.

– Monet | Mozart – Concerto para Clarineta em Lá Maior, K. 622: Adagio 

O Concerto para Clarineta, de Mozart, tem um clima outonal, agridoce. Seu movimento lento, Adagio – o coração da obra –, tem o caráter de uma canção. Sua tristeza e sua melancolia são suavizadas por uma serenidade distante.

– Monet | Chopin – Noturno, Op. 9 nº. 2

Chopin compôs 21 Noturnos para piano. O Op. 9 nº 2 foi escrito quando ele tinha cerca de 20 anos de idade e se tornou um dos mais conhecidos. O tema aparece em ondas sutis no decorrer da peça, desenvolvendo-se em variações e ornamentos etéreos. 

– Monet | Fauré – Suíte Dolly: Berceuse

A Suíte Dolly, de Fauré, é uma coleção de pequenas peças para piano a quatro mãos dedicadas a Dolly, filha de uma amiga do compositor. A Berceuse (Allegretto moderato) inicial foi escrita para o primeiro aniversário de Dolly. Sua suave melodia sobre um acompanhamento ritmado sugere uma canção de ninar.

Para terminar, incluímos um “vídeo-bônus”, que traz as pinturas das paisagens aquáticas de Monet com seus nenúfares. A trilha é Time Forgotten, de Brian Crain, interpretada por ele ao piano e Rita Chepurchenko ao violino:

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