Ao longo do tempo, elas se tornaram obras de concerto independentes, e algumas delas são verdadeiras obras-primas. Apresentamos aqui uma seleção destas composições.

As primeiras óperas começavam com um prólogo cantado ou uma breve fanfarra instrumental, como na “Toccata” que abre Orfeo, de Monteverdi. A obra captura imediatamente nossa atenção pelas passagens virtuosísticas, e ganhou diferentes formações instrumentais:

Monteverdi – Orfeo: Toccata | Le Concert des Nations sob a direção de Jordi Savall

Já na ópera As Bodas de Figaro, de Mozart, a abertura é autossuficiente: não cita temas da ópera propriamente dita, nem seu final se funde aos compassos iniciais. No entanto, ela oferece uma amostra deliciosa do espírito da obra: ágil, espirituoso e, muitas vezes, de humor mordaz.

Mozart – As Bodas de Figaro: Abertura | Orquestra da Royal Opera House regida por Antonio Pappano

Algumas aberturas de óperas se tornaram tão famosas que quase assumiram o papel de uma abertura de concerto. Uma das mais conhecidas é a seção em ritmo de galope do final da abertura da ópera Guilherme Tell, de Rossini, com seus célebres toques de trompete:

Rossini – Guilherme Tell: Abertura (final) | Milwaukee Symphony Orchestra regida por Edo de Waart

Beethoven teve dificuldades em conseguir uma abertura adequada para sua única ópera, Fidelio, tendo escrito quatro versões! A terceira, conhecida como Abertura Leonore nº. 3, foi incorporada ao repertório sinfônico como uma peça independente, sendo frequentemente executada:

Beethoven – Abertura Leonore nº 3, Op.72a

Baseada no estilo das aberturas de óperas românticas, a abertura de concerto consolidou-se no século XIX como uma obra independente de movimento único que adotava a forma-sonata clássica ou a forma livre do poema sinfônico. Exemplos pioneiros desse tipo incluem a abertura de Sonho de uma Noite de Verão, de Mendelssohn:

Podcast | Mendelssohn, Abertura para Sonho de uma Noite de Verão

Brahms compôs duas aberturas em suas férias de verão de 1880: a Abertura do Festival Acadêmico, de caráter comemorativo, e a Abertura Trágica, de natureza melancólica, mas que atravessa um turbilhão de emoções:

Brahms – Abertura Trágica, Op. 81

Mais próximo ao final do século XIX, a abertura das óperas foi frequentemente substituída por um prelúdio de forma livre que preparava a cena inicial, como em Tristão e Isolda, de Wagner, que ouvimos aqui como trilha sonora do filme Melancolia, de Lars von Trier:

Música no Cinema: Melancolia – Lars Von Trier | Wagner – Prelúdio de “Tristão e Isolda”

Já o célebre Prelúdio de Carmen, de Georges Bizet, é uma peça orquestral empolgante que funciona como um resumo musical de toda a ópera, contrastando o caráter vibrante de sua protagonista com seu destino trágico:

Bizet – Carmen: Prelúdio | Orquestra da Ópera de Viena regida por Carlos Kleiber

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Nessa verdadeira batalha de gigantes, as seleções da França, Espanha, Inglaterra e Argentina colocam em campo alguns dos maiores “craques” que a história da música já produziu.

França

Com sua música refinada, a seleção francesa vem liderada por Claude Debussy, um dos compositores mais influentes do final do século XIX e início do século XX. Complementam o time, Maurice Ravel, autor do hipnotizante Bolero, e o excêntrico Erik Satie, gênio da vanguarda parisiense do começo do século XX.

Debussy – Suíte Bergamasque (Atenção: substituir o segundo vídeo na página, no site)

Debussy – Suite Bergamasque

Ravel – Bolero 

Ravel – Bolero

Satie – Três Gymnopédies

Erik Satie – Três Gymnopédies

Espanha

Com uma musicalidade cheia de paixão, ritmo e raízes ciganas, a seleção espanhola é encabeçada por Manuel de Falla e conta ainda com os compositores Isaac Albéniz e Enrique Granados – três mestres que exploraram toda a riqueza da música tradicional da Espanha em suas criações.

De Falla – El amor brujo

Manuel de Falla – El Amor Brujo: Dança Ritual do Fogo

Albéniz – Iberia 

Albéniz – Iberia

Granados – Danças espanholas e goyescas

Granados – Danças Espanholas e Goyescas

Inglaterra

A seleção inglesa entra em campo com Benjamin Britten, uma das figuras centrais da música de concerto do século XX, juntamente com o mestre barroco Henry Purcell e o compositor renascentista Thomas Tallis, todos célebres representantes da grandiosidade musical britânica.

Benjamin Britten – Guia da Orquestra para os Jovens

Em terras britânicas

Purcell – A Rainha das Fadas

Henry Purcell – A Rainha das Fadas

Tallis – Spem in Alium

Tallis – Spem in alium nunquam habui

Argentina

A equipe argentina tem como seu “camisa 10” Astor Piazzolla, o criador do tango moderno. Cheio de sentimento latino, improviso e modernidade, o time inclui ainda os compositores Aberto Ginastera, com sua influência nacionalista, e Osvaldo Golijov, um expoente da música contemporânea.

Astor Piazzolla

Astor Piazzolla | Centenário de Nascimento

Ginastera – Estancia 

Golijov – Nazareno 

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Originalmente criado como um evento trienal, desde 1937, o Festival passou a ser realizado anualmente no mês de maio em homenagem ao antigo festival florentino das flores, o Calendimaggio. Atualmente, o evento acontece todos os anos entre abril e junho com apresentações no Teatro del Maggio Musicale Fiorentino e em outros espaços na cidade, como o Teatro della Pergola.

Um centro de difusão da grande cultura musical europeia, o Maggio Musicale Fiorentino tem recebido grandes nomes da cena musical internacional, sempre com a proposta de unir o repertório clássico e o contemporâneo e envolver as artes cênicas de forma interdisciplinar.

Na abertura de sua 88ª. edição, que aconteceu no dia 19 de abril de 2026, a grande atração foi a ópera A Morte de Klinghoffer, de John Adams, com direção de Luca Guadagnino e regência de Lawrence Renes. Outros destaques operísticos são as montagens de Um Baile de Máscaras, de Verdi, e Giulio Cesare in Egitto, de Händel. 

Na programação sinfônica, o destaque é a integral das nove sinfonias de Beethoven sob a regência de Daniele Gatti, que assumiu este ano a direção musical do Teatro del Maggio, além de uma apresentação especial da Nona Sinfonia regida pelo maestro Zubin Mehta, Diretor Honorário Vitalício do Festival, em celebração ao seu aniversário de 90 anos.

O Maggio Musicale Fiorentino traz ainda diversos recitais solo e concertos de música de câmara. Veja a programação completa no link abaixo:

https://www.maggiofiorentino.com/en/event_season/88-festival-del-maggio-musicale-fiorentino

Conheça o Teatro del Maggio Musicale e assista a cenas do Festival:

Assista ao trailer da ópera A Morte de Klinghoffer, de John Adams:

Daniele Gatti rege um trecho de Parsifal de Wagner com a Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino

Zubin Mehta rege a Sinfonia nº. 7 de Beethoven com a Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino

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Nascido no dia 23 de abril de 1891, Prokofiev viveu durante um período marcado por acontecimentos extremamente turbulentos, como a revolução russa, em 1917, e as duas guerras mundiais – a Primeira, de 1914 a 1918, e a Segunda, de 1939 a 1945. Deixando a Rússia em 1918, Prokofiev viveu em diferentes países da Europa e nos Estados Unidos até 1935, quando voltou definitivamente para seu país natal.

Em sua produção, destacam-se oito óperas, sete sinfonias, oito balés, cinco concertos para piano, nove sonatas para piano, além de uma peça infantil e trilhas sonoras para o cinema. Ao falecer, em 1953, deixou ainda algumas obras inacabadas, como os esboços de um concerto para dois pianos, as Sonatas nº. 10 e nº. 11 e uma sonata para violoncelo solo.

Apresentamos aqui algumas de suas composições mais representativas em diferentes gêneros:

Sonatas da Guerra

Compostas na Rússia entre 1939 e 1944, durante a Segunda Guerra Mundial, estas três sonatas estão entre as mais significativas peças para piano do século XX. A Sonata nº. 6 reflete a antecipação nervosa da guerra, enquanto a Sonata nº. 7 projeta a angústia e a luta dos anos de guerra. Já na Sonata nº. 8, rememora os terríveis acontecimentos do período.

Prokofiev – Sonatas da Guerra

Concerto nº. 3 para piano e orquestra, Op. 26

Este é o concerto de Prokofiev mais executado. Conhecido pela dificuldade e energia que requer do intérprete, está no topo da lista dos concertos ultra virtuosísticos e é uma obra de expressão apaixonada e de rompantes de espontaneidade.

Prokofiev – Concerto nº 3 para Piano e Orquestra, Op. 26

Sinfonia nº. 5

Prokofiev afirmou ser esta “uma sinfonia da grandeza do espírito humano, uma canção de louvor da humanidade livre e feliz”.  

Prokofiev – Sinfonia nº 5

Romeu e Julieta 

Escrito por Prokofiev em 1935, por encomenda do teatro Kirov (hoje Mariinsky), este balé se tornou um dos mais apreciados do repertório clássico e deu origem a várias suítes. 

Prokofiev – Romeu e Julieta

Pedro e o lobo 

Neste conto sinfônico, Prokofiev apresenta às crianças as sonoridades dos instrumentos da orquestra. Baseado em uma lenda russa, possui um narrador que ao contar a história, mostra, no início, qual instrumento representa cada um dos seus personagens. Executada por inúmeras orquestras ao redor do mundo, a obra ganhou ainda versões para cinema, teatro e televisão.

Prokofiev – Pedro e o lobo

Alexander Nevsky 

Considerada uma obra-prima do visionário diretor russo Sergei Eisenstein (1898-1948), Alexander Nevsky (1938) é um filme épico que tem como tema a invasão da Rússia, então República de Novgorod, pelos exércitos teutônicos, em 1242. Sua trilha original foi escrita especialmente por Prokofiev, em íntima colaboração com Eisenstein – ora Prokofiev acompanhava a ação do filme, ora Eisenstein seguia sua música.

Alexander Nevsky – O filme

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Historicamente, esta é uma prática muito comum. Bach, por exemplo, costumava transcrever suas composições vocais para instrumentos de tecla, como no caso dos Corais Schübler, que consistem em transcrições de suas cantatas para o órgão. Já no Romantismo, as composições foram frequentemente transpostas ao piano, como as notáveis transcrições de Liszt de canções de Schubert, ou de cenas de óperas de Wagner.

Embora as transcrições para piano sejam muito comuns, outros instrumentos também são utilizados para reinterpretar obras consagradas. Essas adaptações permitem a experimentação e trazem novas sonoridades e texturas às peças.

Conheça a seguir algumas transcrições de obras conhecidas para diferentes instrumentos:

Bach – Corais Schübler

Bach – Corais Schübler

Bach – Transcrições de Busoni

Bach – Transcrições de Busoni

Bach – Suítes para Alaúde transcritas para o violão

Bach – Suítes nº 1 e nº 2 para Alaúde

Schubert – Canções transcritas para piano por Liszt:

Schubert – Transcrições de Canções por Liszt

Wagner – “Liebestod”, de Tristão e Isolda, transcrita para piano por Liszt | Nikolai Lugansky (piano)

Saint-Saëns – O Carnaval dos Animais em transcrições e arranjos para percussão

Saint-Saëns – A percussão em O Carnaval dos Animais

Mozart – Andante do Concerto nº. 21 em transcrição para Teremin:

Teremin: Mozart – Concerto nº 21, K. 467, Andante

Mahler – Trecho do 5º. Movimento da Sinfonia nº. 2 para Martenot

Martenot: Mahler – Sinfonia nº 2, trecho do 5º Movimento

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Como compositora, porém, não recebeu o mesmo reconhecimento, embora suas peças tenham agradado não somente ao público, mas também a grandes mestres de seu tempo, entre eles, Robert Schumann (seu marido), Félix Mendelssohn, Frederick Chopin, Franz Liszt e Johannes Brahms.

Suas composições trazem aspectos inovadores em relação à música ligeira e virtuosística que fazia sucesso na primeira metade do século XIX – são repletas de cromatismos, ritmos elaborados e acordes sem resoluções imediatas. “Compor me dá grande prazer”, escreveu. “Não há nada que supere a alegria da criação, mesmo que seja apenas porque, por meio dela, conquistamos horas de esquecimento de nós mesmos, quando vivemos em um mundo de sons”.

Clara, no entanto, parou de compor aos 36 anos devido às pressões familiares e dificuldades que enfrentou durante a vida. Na primeira metade do século XIX, aliás, composições feitas por mulheres não eram incentivadas. Insegura em relação à qualidade de sua obra, ela afirmou certa vez: “acreditei que possuía talento criativo, mas abandonei essa ideia; uma mulher não deve desejar compor – nunca houve uma capaz de fazê-lo. Devo esperar ser essa mulher?”.

A artista, porém, deixou obras significativas para orquestra, música de câmara, piano solo e Lieder. Destacamos aqui algumas delas:

Concerto para Piano em Lá Menor, Op. 7 | Alice Burla (piano) e Schweizer Jugend-Sinfonie-Orchester regida por Mario Venzago 

Trio para Piano em Sol Menor, Op. 17 | Atos Trio

Três Romances para violino e Piano, Op. 22 | Janine Jansen (violino) e Denis Kozhukhin (piano)

Scherzo nº. em Dó Menor | Isata Kanneh-Mason (piano)

Seis Canções, Op. 13 | Sophie Klußmann (soprano) e Alfredo Perl (piano)

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Bach – Paixão segundo São João

A Paixão Segundo São João de Bach foi estreada em Leipzig, em 7 de abril de 1724. Escrita para um pequeno grupo de solistas, coro a quatro vozes, cordas e baixo contínuo, flauta, oboé e oboé da caccia, em sua orquestração, Bach utilizou ainda alaúde, viola d’amore e viola da gamba. 

Uma representação dramática do texto do Evangelho de João – que enfatiza a origem divina de Jesus Cristo –, a Paixão se desenrola em muitos planos: na narrativa comovente do evangelista, com intervenção de alguns personagens (como Pilatos, Pedro e Judas) e do coro representando a multidão ou os apóstolos, na meditação lírica individual, interpretada pelos solistas vocais nos ariosos e árias, e na prece, interpretada pelo coro.

De rebuscada técnica artística, mas ao mesmo tempo íntima e com profundo sentido espiritual, a obra possui uma beleza quase austera. O coro de abertura, “Herr unser Hershcer” (Senhor, Senhor nosso), é música monumental, cósmica, e dá o tom da obra. Dissonâncias nos oboés e nas flautas flutuam sobre as cordas ondulantes, criando uma sonoridade característica.

“Senhor, nosso governante, cuja glória é magnífica em toda parte!
Mostra-nos, por meio da tua paixão, que tu, o verdadeiro Filho de Deus,
foste glorificado em todos os momentos, mesmo na mais humilde das coisas!”

Bach – Paixão segundo São João: Coro de abertura | Netherlands Bach Society regida por Jos van Veldhoven

Penderecki – Paixão segundo São Lucas

A Paixão e Morte de Nosso Senhor Jesus Cristo segundo São Lucas (Passio et mors Domini nostri Jesu Christi secundum Lucam), escrita em 1966 pelo compositor polonês Krzysztof Penderecki, possui texto do Evangelho de Lucas e de outras fontes, como o Stabat Mater. Quase inteiramente atonal, a obra é composta para uma grande formação: um narrador (que atua como o Evangelista); vozes solistas de soprano, barítono (no papel de Cristo), baixo, três coros mistos, um coro de meninos, e grande orquestra. 

Tendo como inspiração as Paixões de Bach, remodeladas por Penderecki para uma linguagem modernista do século XX, sua simplicidade e franqueza causam um impacto emocional imediato. Técnicas contemporâneas de composição reforçam seu poder dramático. A escrita coral ousada inclui efeitos vocais surpreendentes, como o canto dos monges tibetanos, que permeia toda a obra, além dos efeitos orquestrais viscerais, que transmitem com força a grandeza e a tragédia da história da Crucificação, como ouvimos no coro de abertura:

“Ó Cruz, salve, nossa única esperança
Neste momento de sofrimento, sua graça aumenta e apaga as acusações.
Fonte de salvação, deixe todas as almas te louvarem.”

Penderecki – Paixão segundo São Lucas: Abertura | Coro de Meninos de Varsóvia, Coro e Orchestra Filarmônica de Varsóvia regidos por Antoni Wit (coro de abertura)

Arvo Pärt – Passio 

O estoniano Arvo Pärt é, sem dúvida, um dos compositores vivos mais populares da atualidade. Ele é conhecido por sua técnica “tintinnabuli” (do latim, “sininhos”), caracterizada por um minimalismo sagrado, sua harmonia simples e pela atmosfera meditativa de suas obras. 

Uma de suas composições mais importantes nesse estilo e é Passio Domini Nostri Jesu Christi Secundum Joannem, ou A Paixão de Nosso Senhor Jesus Cristo Segundo João – ou simplesmente Passio, escrita em 1982. Considerada uma das maiores obras corais do final do século XX, essa é uma obra-prima moderna e uma experiência comovente para o ouvinte, independentemente de sua fé.

Pärt utiliza o coro (com e sem órgão) para representar a multidão, ou “turba”, juntamente com Pedro e outros personagens secundários. Um baixo canta as palavras de Jesus, e um tenor, as de Pilatos. De forma incomum, o compositor atribui as palavras do Evangelista, ou narrador, a um quarteto duplo de solistas (soprano, contralto, tenor e baixo) e instrumentos (violino, oboé, violoncelo e fagote).

Passio começa com uma breve e marcante introdução coral, ou Exórdio, que anuncia o Evangelho da Paixão e estabelece a tonalidade de Lá menor sobre a qual toda a peça se baseia. Segue-se uma composição direta da narrativa latina da Paixão, do Evangelho de João, sem acréscimos ou omissões. A obra termina imediatamente após a morte de Cristo. A Conclusão, na tonalidade de Ré maior, confere um tom resplandecente às palavras finais e ao Amém, que causa um impacto poderosamente direto:

“Vós que sofrestes por nós, tende piedade de nós.
Amém.”

Arvo Pärt – Passio: Final | Solistas do Coro de St James’ de Sydney e Schola Cantorum de Singapura regidos por Michael Leighton Jones

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Aos 81 anos, a pianista portuguesa Maria João Pires anunciou o fim de sua trajetória como intérprete. O comunicado foi feito durante a entrega do Prêmio Helena Vaz da Silva, da Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa.

Ao receber o prêmio, ela declarou: “Encontro-me num processo de mudança radical, numa procura de verdade – verdades –, num caminho de aceitação, talvez de compreensão daquilo que nunca aceitei antes.” Em junho deste ano, a pianista sofreu um problema de saúde, o que a levou a cancelar concertose refletir sobre o encerramento de sua carreira.

Confira o discurso na íntegra;

Seis décadas de música

Maria João Pires iniciou-se no piano ainda criança, realizando seu primeiro recital aos cinco anos de idade. Em 1970, venceu o Concurso do Bicentenário de Ludwig van Beethoven, em Bruxelas, o que impulsionou a sua projeção internacional.

Reconhecida pela delicadeza e pela profundidade de suas interpretações, gravou obras de Mozart, Schubert, Beethoven e Chopin para selos como Deutsche Grammophon e Erato, consolidando-se como uma das pianistas mais respeitadas de sua geração.

Paralelamente à carreira de concertista, dedicou-se a projetos de educação e colaboração artística. Entre eles, o Projeto Partitura, criado para incentivar o diálogo entre músicos de diferentes gerações e promover uma escuta mais consciente no ambiente musical.

Com mais de seis décadas de atuação, a pianista deixa uma obra marcada pelo rigor, pela sensibilidade e integridade artística. Em entrevista ao jornal Público, em 2014, resumiu sua relação com a arte: “A música não é uma profissão. É uma forma de existir.”

O encerramento de sua carreira representa o fim de um ciclo — e a permanência de uma das vozes mais singulares do piano atual.

Assista ao depoimento da artista sobre sua carreira esua relação com a música:

Saiba mais aqui:

Maria João Pires

Confira no site algumas obras interpretadas por Maria João Pires:

Schubert – Sonata para Piano em Lá Menor, D. 784

Mozart – Concerto nº 21 para Piano e Orquestra, K. 467

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Beethoven só voltaria a produzir plenamente em 1820 após a solução da disputa sobre a guarda de seu sobrinho Karl, em um processo que tinha se arrastado por cinco anos e havia consumido muito a energia do compositor, abalando seu equilíbrio.

Sua terceira fase artística começa em 1815 e segue até ele parar de compor em 1826. Beethoven produz obras revolucionárias nesse período, admiradas por sua complexidade, transcendência e profunda expressão pessoal.

As duas sonatas para piano e violoncelo, Op. 102, foram a porta de entrada para esse notável período de renovação e descoberta. Inicialmente não compreendidas e chamadas de “excêntricas, esquisitas, estranhas” pela crítica, elas marcam um ponto de mutação na carreira de Beethoven, do qual resultariam as incomparáveis obras-primas escritas na última década de sua vida. 

Beethoven – Sonata para Violoncelo e Piano nº 5, Op.102 nº 2

Suas últimas sonatas para piano, Op. 109, 110 e 111, também são obras importantes da terceira fase. A Sonata nº. 32 Op. 111 está entre as principias obras da literatura pianística da história da música. Ela representa uma jornada das trevas para a luz, do conflito para a transcendência, tema que faz a obra de Beethoven tão relevante.

Beethoven – Sonata para Piano nº 32 em Dó Menor, Op. 111

Em junho de 1822, Beethoven voltou a se interessar por quartetos de cordas. Ele nada havia feito neste formato nos últimos doze anos. Destacam-se nesse período os quartetos tardios, Op. 127, 130, 131, 132, 133 e 135. Seu Quarteto em Dó Sustenido Menor, Op. 131, de profunda sutileza e beleza, pode ser considerado como o ponto culminante de seu esforço como compositor. 

Beethoven: Os Últimos Quartetos – Quarteto Op. 131

Na terceira fase, destacam-se também as magníficas Variações Diabelli, que estão entre as maiores obras pianísticas do compositor. Beethoven tomou uma valsa banal e a transformou em uma obra-prima de incrível criatividade e porte. Para o regente e pianista Hans von Büllow, elas “são um microcosmo da arte de Beethoven”.

Beethoven – Variações Diabelli, Op. 120

Vários aspectos do estilo final de Beethoven criam um apelo emocional incrivelmente direto, uma determinação de tocar a humanidade da maneira mais íntima possível. Um grande exemplo é a Nona Sinfonia. O compositor Richard Wagner dizia: “a Nona traz para a orquestra as palavras, a poesia e a voz humana”.

Podcast | Beethoven – Nona Sinfonia

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No entanto, só conhecemos quatro suítes orquestrais do compositor. Não se sabe por que foram compostas e para qual ocasião. Elas não se inserem em um ciclo, como os Concertos de Brandenburgo, e não se relacionam entre si. Alguns especialistas, como o musicólogo Joshua Rifkin, aventam que foram orquestradas a partir de peças de outros gêneros.

É provável que Bach tenha escrito as suítes como música festiva para as cortes de Weimar e Cöthen. Posteriormente elas fizeram parte do repertório do Collegium Musicum de Leipzig, prestigiado grupo de músicos do qual Bach foi nomeado diretor em 1729, e que se reunia regularmente num café para tocar.

As Suítes Orquestrais de Bach são bons exemplos de um estilo mais leve do compositor e uma amostra inquestionável de sua maestria. As peças seguem o modelo francês, começando por uma abertura mais lenta e solene seguida de uma parte central mais enérgica e por variadas danças curtas.

Suíte Orquestral nº. 1 em Dó Maior, BWV 1066

Bach – Suíte Orquestral nº. 1 em Dó Maior, BWV 1066

 Suíte Orquestral nº. 2 em Si Menor, BWV 1067

Podcast | Bach – Suíte Orquestral nº 2 em Si Menor, BWV 1067

Suíte Orquestral nº. 3 em Ré Maior, BWV 1068

Podcast | Bach – Suíte Orquestral nº. 3 em Ré Maior, BWV 1068

 Suíte Orquestral nº. 4 em Ré Maior, BWV 1069

Bach – Suíte Orquestral nº 4 em Ré Maior, BWV 1069

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O pintor francês Claude Monet (1840–1926) é considerado o fundador do Impressionismo, termo que se originou de seu quadro Impression, soleil levant  (Impressão, o sol nascente), exibido no Salão dos Recusados. O salão paralelo foi iniciado por Monet e seus amigos em 1863 como alternativa ao Salon de Paris, exibição oficial dos pintores convencionais, membros da Real Academia Francesa de Pintura e Escultura. 

Durante sua longa carreira, Monet foi o principal praticante da filosofia do impressionismo, que pretendia retratar as percepções da natureza especialmente em plein air (ao ar livre).

Nos próximos vídeos, vamos mostrar pinturas de Monet com trilha sonora de diferentes compositores. Na comparação entre esses compositores, gostaríamos de perguntar a vocês: qual deles teria maior afinidade com Monet? 

– Monet | Debussy – Suite Bergamasque: Clair de Lune 

O mais célebre movimento da Suíte Bergamasque, Clair de Lune, tem seu título retirado de um poema de Paul Verlaine. Debussy cria aqui uma atmosfera estática e impressionista com simples recursos harmônicos.

– Monet | Mozart – Concerto para Clarineta em Lá Maior, K. 622: Adagio 

O Concerto para Clarineta, de Mozart, tem um clima outonal, agridoce. Seu movimento lento, Adagio – o coração da obra –, tem o caráter de uma canção. Sua tristeza e sua melancolia são suavizadas por uma serenidade distante.

– Monet | Chopin – Noturno, Op. 9 nº. 2

Chopin compôs 21 Noturnos para piano. O Op. 9 nº 2 foi escrito quando ele tinha cerca de 20 anos de idade e se tornou um dos mais conhecidos. O tema aparece em ondas sutis no decorrer da peça, desenvolvendo-se em variações e ornamentos etéreos. 

– Monet | Fauré – Suíte Dolly: Berceuse

A Suíte Dolly, de Fauré, é uma coleção de pequenas peças para piano a quatro mãos dedicadas a Dolly, filha de uma amiga do compositor. A Berceuse (Allegretto moderato) inicial foi escrita para o primeiro aniversário de Dolly. Sua suave melodia sobre um acompanhamento ritmado sugere uma canção de ninar.

Para terminar, incluímos um “vídeo-bônus”, que traz as pinturas das paisagens aquáticas de Monet com seus nenúfares. A trilha é Time Forgotten, de Brian Crain, interpretada por ele ao piano e Rita Chepurchenko ao violino:

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Algumas, como o Carnaval dos Animais, de Saint-Saëns, e o Carnaval, Op. 9, de Schumann, usam o termo para designar um conjunto de peças variadas. 

Outras, como Petrushka, de Stravinsky, e Parade, de Satie, têm como pano de fundo as festas de rua, mais próximas de como entendemos o nosso Carnaval.

Já Momoprecoce, de Villa-Lobos, é uma fantasia para piano e orquestra que evoca a festa sob uma perspectiva infantil. 

Convidamos você a festejar o Carnaval com muita música clássica!

Saint-Saëns – O Carnaval dos Animais 

Saint-Saëns – O Carnaval dos Animais (Le Carnaval des Animaux)

Schumann – Carnaval, Op. 9

Schumann – Carnaval, Op. 9

Villa-Lobos – Momoprecoce

Villa-Lobos – Momoprecoce

Stravinsky – Petrushka 

Stravinsky – Petrushka

Satie – Parade

Erik Satie – Parade (1917) | Obra Sur-realista

Berlioz – Carnaval Romano, Op. 9

Berlioz – Carnaval Romano

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Indicamos também os links para os textos já publicados sobre as peças aqui no site, ou suas interpretações em vídeo, quando não houver textos.

Sonatas

– Sonata para Piano e Violino em Mi Menor, K. 304

Mozart – Sonata para Piano e Violino em Mi Menor, K.304

– Sonata para Piano em Lá Menor, K. 310 | Daniel Barenboim (piano)

Quintetos

– Quinteto de Cordas em Sol Menor, K. 516

Mozart – Quinteto de Cordas em Sol Menor

– Quinteto para Clarineta e Cordas em Lá Maior, K. 581 

Mozart – Quinteto para Clarineta e Cordas em Lá Maior

Concertos

– Concerto para Piano e Orquestra em Dó Maior, K. 467

Mozart – Concerto nº 21 para Piano e Orquestra, K. 467

– Concerto para piano e orquestra em Lá Maior, K. 488

Mozart – Concerto nº 23 para Piano e Orquestra em Lá Maior, K. 488

– Concerto para Clarineta e Orquestra em Lá Maior, K. 622

Mozart – Concerto para Clarineta e Orquestra

Sinfonias

– Sinfonia nº 25 em Sol Menor, K.183

Mozart – Sinfonia nº 25 em Sol Menor, K.183

– Sinfonia nº 40 em Sol Menor, K. 550

Mozart – Sinfonia nº 40 em Sol Menor, K. 550

– Sinfonia nº 41 em Dó Maior, K. 551 – “Júpiter”

Mozart – Sinfonia nº 41 em Dó Maior “Júpiter”, K. 551

– Sinfonia Concertante para Violino, Viola e Orquestra em Mi Bemol Maior, K. 364

Mozart – Sinfonia Concertante para Violino, Viola e Orquestra, K.364

Serenatas

– Serenata para 12 Instrumentos de Sopro em Si Bemol Maior, K. 361 – “Gran Partita”

Mozart – Serenata para 12 Instrumentos de Sopro em Si Bemol Maior, K. 361, “Gran Partita”

– Serenata para Cordas K. 525, “Eine Kleine Nachtmusik”

Mozart – Serenata para Cordas, K.525 – “Eine Kleine Nachtmusik”

Gêneros diversos

– Rondó em Lá Menor, K. 511 | András Schiff (piano)

– Adagio em Si Menor, K. 540 | András Schiff (piano)

– Fantasia em Dó Menor, K. 475

Mozart – Fantasia em Dó Menor, K. 475

– Fantasia em Fá Menor, K. 608

Mozart – Fantasia em Fá Menor, K. 608

Música Sacra

– Grande Missa em Dó Menor, K. 427

Mozart – Grande Missa em Dó Menor

– Ave Verum Corpus, K. 618

Mozart – Ave Verum Corpus, K. 618

– Réquiem em Ré Menor, K. 626

Mozart – Requiem

Nota: Não incluímos nesta lista as óperas de Mozart, que oportunamente também serão abordadas em uma antologia.

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Lully chamou a atenção do rei Luís XIV ao dançar com ele no Ballet Royal de la Nuit. Pouco depois, foi nomeado compositor real de música instrumental, passando a maior parte de sua vida compondo na corte.

O compositor morreu de gangrena, resultante de bater um bastão no pé (ele regia suas obras marcando o ritmo no chão com um longo bastão). Lully se recusou a ter sua perna amputada pois queria continuar a dançar.

Vamos ouvir duas obras do compositor tocadas no piano:

– Suite de Pièces: é um conjunto de danças compiladas de óperas e balés de Lully transcritas posteriormente para teclado.

Lully – Suite de Pièces | Shura Cherkassky (piano)

– Marche pour la cérémonie des Turcs: do balé-comédia Le Bourgeois gentilhomme  (O burguês gentil), de Molière. Uma das muitas colaborações de Lully com o dramaturgo francês, a marcha tem a função de consagrar o protagonista Monsieur Jourdain como “Mamamouchi” (um título ficcional turco inventado por Molière).

Lully – Marche pour la cérémonie des Turcs | Alexandre Tharaud (piano)

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No século VIII, o papa Gregório III designou o dia 1º de novembro como a data para celebrar todos os santos. O dia de Todos os Santos incorporava algumas das tradições do Samhain. A véspera tornou-se conhecida como All Hallows’ Eve, que significa “Véspera de Todos os Santos”, depois Hallows Eve ou Halloween.             

Com o passar do tempo, o Halloween se tornou um dia festivo, com fantasias, lanternas feitas de abóbora e acepipes.

Na música clássica, vários compositores se inspiraram no tema do sobrenatural para produzir obras instigantes, em que criaturas fantásticas da tradição popular e religiosa são os protagonistas. As bruxas, por exemplo, foram representadas em muitas canções, óperas e peças sinfônicas.

Berlioz – Sinfonia Fantástica: V. Sonho de uma noite de Sabá | Orchestre Révolutionnaire et Romantique regida por Sir John Eliot Gardiner

Dvorák – A Feiticeira do Meio Dia | hr-Sinfonieorchester regida por Andrés Orozco-Estrada

O Dia de Finados, ou Dia dos Mortos, é celebrado anualmente em 2 de novembro em muitos países cristãos. Um tipo de missa especial, celebrada pelas igrejas católicas para homenagear os mortos, é o Réquiem. 

Na música clássica, Réquiem é também o nome dado ao gênero de composições criadas para as cerimônias fúnebres. Entre os mais célebres estão o Réquiem de Mozart e o Réquiem de Verdi. Uma das partes da missa é o Dies Irae (Dia da Ira), que retrata o dia do Juízo Final.

Verdi – Requiem: Dies Irae | Filarmônica de Berlim regida por Claudio Abbado

Mozart – Requiem: Dies Irae | Filarmônica de Berlim regida por Claudio Abbado

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Carlos comentou sobre o sucesso da página nas mídias sociais, hoje com mais de 31 mil seguidores, e sua significativa abrangência entre o público mais jovem.

Também falou sobre a importância de se utilizar os meios digitais como uma ferramenta de divulgação dos conteúdos sobre a música clássica, permitindo o alcance de uma audiência cada vez maior.

Leia a matéria completa e ouça a entrevista na íntegra no site da Rádio Cultura FM ou no link para o podcast:

https://cultura.uol.com.br/radio/programas/estacao-cultura/2022/09/14/1011_site-brasileiro-de-musica-erudita-atrai-publico-jovem.html

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Na década de 1960, após conhecer o guitarrista George Harrison dos Beatles, Shankar ficou mais conhecido no Ocidente. Em 1967, gravou seu primeiro dueto com o violinista Yehudi Menuhin, com o qual colaboraria em outras ocasiões. Colaborou ainda com artistas como Philipp Glass e Zubin Mehta, entre outros, aproximando a música oriental da ocidental.

Em 1969, viajou para os Estados Unidos para conhecer mais sobre a música ocidental. Ministrou aulas nas universidades de Nova York e Los Angeles, foi diretor do Departamento de Música Indiana no California Institute of the Arts, compôs trilhas sonoras para diversos filmes e foi indicado para o Grammy Awards de 2013 com o disco The Living Room Sessions Part 1, na categoria “Melhor Álbum de World Music”.

É pai da sitarista e compositora Anoushka Shankar e da cantora e compositora Norah Jones.

No vídeo a seguir, Shankar toca com sua filha Anoushka no The Symphony Hall, em Birmingham:

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É um pouco maior que o oboé e produz seu som a partir de palhetas duplas, como o oboé, porém encaixadas em um tudel. Sua campana é um pouco mais fechada e abaulada que a do oboé.

Conheça mais sobre o instrumento com a oboísta Maria Fernanda Garcia (falando também sobre o oboé d’amore), da Filarmônica de Minas Gerais:

Obras especialmente escritas ou transcritas para o corne inglês:

Mozart – Adagio para Corne Inglês e Cordas, K. 580a | Nicholas Daniel (corne inglês) e Camerata Pacifica

Mozart – Ave Verum Corpus, K. 618 (arranjo para corne inglês, cordas e órgão) | Albrecht Mayer (corne inglês)

Saiba mais sobre a obra:

Mozart – Ave Verum Corpus, K. 618

Händel: Arranjo para corne inglês e flauta (Parte 1):

1. “Qui l’augel da pianta in pianta” da Cantata Aci, Galatea e Polifemo, HWV 72
2. Adagio e Staccato do Concerto para Órgão, Op. 4, 2, HWV 209

Albrecht Mayer (corne inglês), Mathieu Gauci-Ancelin (flauta) e Sinfonia Varsovia

Händel: Arranjo para corne inglês e flauta (Parte 2):

1. Largo (“Softly Sweet in Lydian Measures”, do oratório Alexander’s Feast, HWV 75)
2. Allegro ma non troppo (“Più amabile beltà”, da ópera Giulio Cesare, HWV 17)

Albrecht Mayer (corne inglês), Mathieu Gauci-Ancelin (flauta) e Sinfonia Varsovia

Dvořák – Sinfonia nº 9: II – Largo (clarineta, oboé e corne inglês) | Orquestra All-Star regida por Gerard Schwarz

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Tocado com um sistema de chaves, o oboé exige do instrumentista uma técnica apurada de respiração, com o sopro constante e de alta pressão.

A família do oboé é muito extensa. Do mais grave para o mais agudo temos o heckelfone, o oboé baixo, o corne inglês, o oboé d’amore, o oboé e o oboé piccolo. Os tipos mais usados são o oboé (o soprano da família), o oboé d’amore (o contralto) e o corne inglês (o tenor).

Devido ao seu som penetrante e por ser o único instrumento de sopro que não depende de regulagem para afinação, o oboé toca a nota Lá antes do início de um concerto, para que os outros instrumentos da orquestra sejam afinados a partir dele.

O oboísta Arcádio Minczuk, da Osesp, explica mais sobre o instrumento:

Obras escritas ou transcritas para o oboé:

– Händel:

1. Largo para Oboé, Violino e Baixo Contínuo (Transcrição da Trio Sonata, HWV 393)
2. “Torname a Vagheggiar”, da ópera Alcina, HWV 34 (Transcrição para oboé)
3. “Country Dance” de Watermusic, HWV 350

Albrecht Mayer (oboé, oboe d´amore e corne inglês), Jakub Haufa (violino solo) e Sinfonia Varsovia

Händel – “A Chegada da Rainha de Sabá”, do oratório Solomon, HWV 67 | Albrecht Mayer e Arkadiusz Krupa (oboés) e Sinfonia Varsovia

Beethoven – Trio para Oboés e Corne Inglês (Variações sobre a ária La ci darem la Mano, da ópera Don Giovanni de Mozart) | Royal Danish Oboes

Schumann – Peças de Fantasia para Oboé d’amore e Piano, Op. 73 | Kalin Panajotov (oboe d’amore) e Rostislav Jovcev (piano)

Já falamos sobre a família do oboé aqui:

A FAMÍLIA DO OBOÉ

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Os oito Impromptus compostos por Schubert em 1827 são exemplos do gênero e são as primeiras peças com este nome a se estabelecerem no repertório clássico. Os quatro primeiros (Op. 90) foram publicados ainda em vida pelo compositor, enquanto os quatro últimos (Op. 142), postumamente.

Duas visões originais dos Impromptus: 

Robert Schumann foi um dos primeiros defensores de Schubert e promotor da primeira execução de sua Grande Sinfonia em Dó Maior, regida por Mendelssohn. Schumann conhecia os Impromptus por cópias manuscritas e escreveu a respeito de seu caráter instrumental: 

“Como compositor para o piano, Schubert está sozinho (em alguns aspectos, acima mesmo de Beethoven) porque sua escrita é mais pianística, isto é, todos os recursos do piano são utilizados, enquanto que em Beethoven a abordagem é mais orquestral”.

Talvez a qualidade mais notável dos Impromptus seja o modo como Schubert temperou seu inerente pianismo com seu incomparável senso de melodia, uma situação para qual a musicóloga Kathleen Dale propôs a seguinte explicação: 

“Schubert, que tinha uma experiência contínua de escrever canções nesta época (1827, um ano antes de sua morte), desenvolveu fortemente seu maravilhoso dom natural de captar o espírito de um poema e recriá-lo em música. Este dom se estende ao piano, para o qual suas obras, embora instrumentais, são tão verdadeiramente líricas em essência que cada uma é um poema sonoro – música fluida e evocativa, que reflete os ritmos do coração, da alma e da própria vida. Esta foi a dádiva que Schubert deixou para o mundo”.

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– François Couperin, com Les Barricades Mystérieuses (do Segundo Livro de Peças para Cravo, Ordem VI, n°5), composição em forma de rondó, de efeito hipnótico.

Couperin – Les Barricades Mystérieuses | Éva Szalai (piano)

– Reynaldo Hahn, compositor francês de origem venezuelana com quem Proust teve uma relação muito próxima (os dois chegaram a ser amantes).

Foram apresentadas transcrições para piano das canções À Chloris, baseada na linha de baixo da Área da Quarta Corda, de Bach, e L’Heure Exquise (das Chansons grises), escrita a partir de um poema de Verlaine que descreve o encontro de dois amantes em uma noite enluarada.

Hahn – À Chloris | Joyce di Donato (voz e piano)

Hahn – L’Heure Exquise | Renée Fleming (soprano) e Yannick Nézet-Séguin (piano)

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Charles Swann, um diletante, é apaixonado por Odette de Crécy. Swann associa uma pequena frase da Sonata com seu amor por Odette.

Proust era interessado pelo poder que a música tem de despertar estas lembranças involuntárias, um termo que ele inventou.

Mas quem seria o verdadeiro autor da Sonata de Vinteuil?

Várias hipóteses foram aventadas: Saint-Saëns, Pierné, Lekeu, e até Brahms, entre outros. O compositor mais lembrado, porém, é César Franck, cuja sonata, aliás, é citada por Proust mais adiante, no volume Sodoma e Gomorra.

César Franck – Sonata para Violino e Piano | Maxim Vengerov (violino) e Khatia Buniatishvili (piano)

Já falamos sobre a peça aqui:

Cesar Franck – Sonata para Violino e Piano

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Na música sacra, destacam-se as obras de dois dos maiores compositores:

– de Bach, o Oratório de Natal, o Magnificat e cerca de 40 cantatas;

– de Händel, o oratório O Messias e muitas peças corais e orquestrais, que fazem parte de vários de seus 25 oratórios e cantatas sacras.

Na música profana, é tradicional o balé Quebra-Nozes, de Tchaikovsky.

Outra tradição é a dos Concertos de Ano Novo de várias orquestras. O mais conhecido é o da Filarmônica de Viena, com obras dos Strauss (Johann I e II e Josef).

Na nossa programação deste ano, procuramos incluir peças de outros compositores além Bach e Händel para dar maior variedade ao repertório: Haydn, Mozart, Tchaikovsky (As Estações), Grieg e Johann Strauss II.

Em nossa terceira temporada de comemorações natalinas, apresentaremos 17 peças ao longo de 20 dias a partir da semana que antecede o Natal até a primeira semana de janeiro.

Clássicos dos Clássicos deseja que essa música traga mais beleza e bons auspícios para o Natal e o Ano Novo de todos os nossos seguidores!

Feliz 2022!

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Inspiradas na dança tradicional polonesa, o compositor as transformou em um novo gênero, utilizando técnicas da música clássica para desenvolver o cromatismo e a harmonia, além de explorar o contraponto e fugas.

Cada uma das mazurcas de Chopin possui características próprias e distintas.

Vamos ouvir a bela interpretação de Nelson Freire da Mazurca, Op. 17 nº 4:

Chopin – Mazurca Op. 17 nº 4 | Nelson Freire (piano)

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