Sua composição mais conhecida é o poema sinfônico O aprendiz de feiticeiro, de 1897, baseada no conto Der Zauberlehrling, de Goethe. Quando seu mestre se ausenta, o aprendiz decide que realizará sozinho um truque que o feiticeiro nunca quis revelar a ele: transformar uma vassoura em um serviçal capaz de realizar todas as tarefas de casa. O aprendiz pronuncia a fórmula mágica e ordena à vassoura que vá ao rio buscar água e lave a casa. Porém ele esquece as palavras para fazer cessar o encantamento e a água ameaça inundar o local. Com a volta do Mestre Feiticeiro, ao final, tudo termina bem. 

A obra de Dukas se mantém firmemente estruturada por uma lógica puramente musical, de surpreendente inventividade melódica e deslumbrante orquestração. As misteriosas harmonias da introdução evocam o clima de magia. Os contrafagotes sugerem a grotesca figura saltitante da vassoura. Na confusão criada pelo aprendiz, a orquestra irrompe em um barulho ensurdecedor, quando os instrumentos de percussão anunciam, com notas estridentes, a volta do feiticeiro. Ao final, os temas do início retornam suavemente.

O aprendiz de feiticeiro ficou famoso ao ser incluído no filme de animação Fantasia (1940), de Walt Disney, com Mickey Mouse no papel do aprendiz.

Assista a seguir duas versões da peça, a primeira para dois pianos e a segunda, orquestral:

Dukas – O aprendiz de feiticeiro | Lucas & Arthur Jussen (pianos)

Dukas – O aprendiz de feiticeiro | Frankfurt Radio Symphony sob a regência de Marie Jacquot

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A fama de Till Eulenspiegel se tornou internacional em boa parte devido ao retrato musical do personagem criado por Richard Strauss (1864-1949) em seu poema sinfônico. Completado em 1895, a obra se diferencia de outras do compositor por sua brevidade, humor e falta de um programa detalhado.

Sobre este último item, o Strauss escreveu: “É impossível para mim fornecer um programa para Till Eulenspiegel; se eu fosse pôr em palavras os pensamentos que os diversos incidentes me sugerem, isto seria insuficiente para o ouvinte e poderiam até ofendê-lo”. Ele disse apenas que a última “cena” da obra representa a captura de Till, seu julgamento e enforcamento.

Till Eulenspiegel começa com cinco suaves compassos introdutórios. Imediatamente, uma trompa se intromete e apresenta o primeiro de dois temas relativos ao personagem. O segundo, um tema matreiro anunciado pela clarineta solo, surge logo em seguida.

Estes dois temas aparecem repetidamente em uma variedade de disfarces durante os episódios que se seguem, sugerindo aventuras de Till.

Subitamente, soa um sinistro rufar de tímpanos. Acordes ameaçadores anunciam acusações a Till. Ele as responde com um motivo insolente na clarineta. Till é enforcado.

Em seguida, a música suave do prólogo retorna, como que para assegurar-nos de que tudo isto não passou de uma história.

Mas Till pode ainda ter uma última vitória: os momentos finais sugerem que seu espírito está livre, leve e solto no universo.

Strauss – Till Eulenspiegel | Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks regida por Maris Jansons

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Mas não foi Liszt que inventou o conceito musical, que já aparecia nas aberturas dramáticas de Beethoven, como Egmont e Coriolano. A rigor, pode-se dizer que a ideia é ainda mais antiga: As Quatro Estações de Vivaldi seriam um exemplo. Vivaldi escreveu um soneto para cada uma delas.

O título da peça refere-se a um texto do poeta francês Alphonse de Lamartine: “O que é a vida senão uma série de prelúdios àquele hino desconhecido, cuja solene primeira nota é entoada pela morte?”

O sentido destas palavras levou gerações de críticos a traçar paralelos errôneos entre o poema e trechos da música de Liszt: isto porque a inspiração da peça não veio do texto de Lamartine. A obra tinha sido escrita anos atrás e estreada como a Abertura de Quatro Elementos, que é baseada em outra fonte. Liszt retrabalhou esta abertura e selecionou as palavras de Lamartine como mais adequadas para seu programa – seu sentido extramusical.

Os Prelúdios é o terceiro e mais conhecido dos 13 poemas sinfônicos de Liszt, ora majestoso, ora reflexivo ou marcial.

A obra se divide nas seguintes partes:

• Pergunta (Introdução e Andante Maestoso)
• Amor
• Tempestade
• Calma bucólica
• Batalha e Vitória (inclui recapitulação de “Pergunta”)

Liszt – Les Préludes (Os Prelúdios) | Orquestra Filarmônica e Ópera do Estado de Berlim, Daniel Barenboim (regente)

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Ivan Mazeppa, nascido na Lituânia em 1639, era de origem nobre. Segundo a lenda, ele teve um caso de amor com uma princesa polonesa que era casada com um homem muito mais velho do que ela. Quando o marido descobriu o caso, puniu Mazeppa – nu, ele foi amarrado a um cavalo que foi solto em uma floresta. O cavalo foi parar na Ucrânia e Mazeppa, que tinha sobrevivido, foi encontrado pelos cossacos, que fizeram dele seu Hetman, o cargo da mais alta hierarquia militar do país.

Embora seja apenas uma lenda, essa narrativa inspirou muitos escritores, pintores e músicos da era romântica. Byron, Pushkin e Victor Hugo escreveram poemas sobre ela; Tchaikovsky e Liszt compuseram música inspirada na lenda. A história deu origem também a muitas pinturas.

Liszt escreveu primeiro uma peça para piano, o quarto de seus Estudos de Execução Transcendental – uma das mais difíceis do repertório para o piano.

A versão orquestral difere do estudo: é mais longa e expande algumas de suas ideias musicais. O poema sinfônico ilustra a cavalgada na floresta, o bater das patas do cavalo, o terror de Mazeppa e, depois que ele é encontrado pelos cossacos, uma triunfante marcha militar.

Liszt – Poema Sinfônico: Mazeppa, S.100 | Staatkapelle Weimar sob a direção de Kirill Karabits

Liszt – Estudo Transcedental nº 4: Mazeppa | Daniil Trifonov (piano)

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O poema descreve uma lenda medieval segundo a qual, na noite de 31 de outubro (dia das bruxas), a Morte ou o Diabo tem o poder de tirar os defuntos de seus túmulos e fazê-los dançar até o amanhecer. É uma história de terror, mas Saint-Saëns lhe dá um tom leve, quase cômico.

A história começa com o relógio que bate à meia noite – a harpa repete 12 vezes a mesma nota. O diabo afina então seu violino e começa a tocar uma valsa. Um segundo tema, no xilofone, evoca a trupe de esqueletos e fantasmas que dança (é possível ouvir os ossos batendo uns contra os outros). A festa fica cada vez mais animada até que, com o cantar do galo, todos se dispersam e desaparecem. O diabo se despede com uma melodia triste e volta para o inferno até o ano seguinte.

Tempos depois, Saint-Saëns adaptou parte da música da Dança Macabra para o movimento Fósseis de sua suíte humorística O Carnaval dos Animais. O xilofone e o violino são novamente os instrumentos mais proeminentes, alternando-se com a clarineta e os pianos.

Saint-Saëns – Dança Macabra | Orquestra Sinfônica de Montreal sob a regência de Kent Nagano; Adrew Wan (violino).

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O conceito da obra é astrológico, não astronômico. Conforme o próprio Holst, na ocasião da estreia da obra:

“Estas peças foram sugeridas pela significação astrológica dos planetas; não há música programática; elas não têm nenhuma relação com as divindades da mitologia clássica que têm estes nomes. Se algum guia para a música for necessário, o subtítulo de cada peça será suficiente… Por exemplo, Júpiter traz alegria (ou júbilo, jolllity), no sentido comum da palavra, e também no tipo mais cerimonial de regozijo (rejoicing) associado a religiões ou festividades nacionais.”

A Suíte começa com o movimento Marte, o que traz a Guerra, dominado por uma figura rítmica forte que persiste em toda sua duração. É um som de ameaça, de uma marcha inexorável, que sugere a terrível destruição que a guerra traz.

Holst – Os Planetas : I. Marte | BBC Symphony Orchestra and the Elysian Singers (Women’s Voices), Susanna Mälkki (regente)

A obra foi utilizada também como trilha sonora para uma animação patrocinada pelo NASA Jet Propulsion Laboratory (JPL) e pela Universidade de Cornell.

Holst – Os Planetas : I. Marte | Lorin Maazel & L’Orchestre National de France

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(Henrik Ibsen, dramaturgo norueguês, 1873).

O compositor norueguês Edvard Grieg (1843-1907) tinha 30 anos quando recebeu essa mensagem de Ibsen. Ele aceitou o convite do dramaturgo e a peça estreou em 1876 na cidade de Christiania (hoje Oslo), com enorme sucesso.

Peer Gynt é o “Pedro Malasartes norueguês” e, assim como o personagem da cultura popular brasileira, é astucioso, cínico, inesgotável de expedientes e de enganos, sem escrúpulos e sem remorsos.

As duas suítes de concerto que Grieg extraiu da música de cena da peça teatral – a Suíte nº 1, Op.46, e a Suíte nº 2, Op. 55 – se tornariam suas obras mais executadas, juntamente com seu concerto para piano.

Suíte Peer Gynt nº 1, Op. 46 (excertos)

1- Grieg afirmou a propósito do primeiro movimento, Atmosfera Matinal: “Penso no sol saindo das nuvens no ponto em que acontece o primeiro Forte na partitura”.

Filarmônica de Berlim, Sakari Oramo (regente)

2- A Dança de Anitra é uma mazurca para cordas em surdina e triângulo, executada pela filha de um chefe beduíno que Peer conhece em suas aventuras na África.

Anitra’s Dance: New York Philharmonic regida por Kurt Masur

3- Na Mansão do Rei das Montanhas descreve o encontro de Peer com o povo maligno dos Trolls, das terras altas da Noruega.

Filarmônica de Berlim, Paavo Järvi (regente)

Suíte Peer Gynt nº 2, Op. 55

1- A Dança Árabe é colorida e exótica como a Dança de Anitra da Suíte nº 1.

Herzliya Chamber Orchestra (Israel), Harvey Bordowitz (regente)

2 – A Canção de Ninar de Solveig é o epílogo, o final das incríveis aventuras de Peer. Ele volta para casa, já velho e sem um tostão, depois de um naufrágio. Encontra, então, Solveig, o amor de sua juventude, que permaneceu fiel a ele durante todo esse tempo. Ela o recebe com uma canção de ninar. Peer finalmente encontrará repouso e paz em seus braços.

Orquestra Filarmônica da Rádio França, Mikko Franck (regente)

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Em 1899, o compositor finlandês Jean Sibelius (1865-1957) aceitou uma encomenda de compor uma obra para uma demonstração patriótica em Helsinque. Escreveu então um poema sinfônico breve e simples: A Finlândia Desperta.

No ano seguinte, Sibelius revisou a peça e mudou seu nome para Finlândia. A peça, brilhante, vibrante, que termina com uma das grandes melodias da história da música, obteve enorme sucesso.

Tal como no caso do Bolero de Ravel, a fama de Finlândia perseguiu Sibelius pelo resto de sua vida.

Vamos ouvi-la com a Orquestra de Liverpool, sob a regência do maestro russo Vasily Petrenko.

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