Schumann se encantou pela poesia de Heine, considerando-a um reflexo do desespero existencial – o amor entremeado pelo encanto do medo e da solidão. 

Os poemas selecionados por Schumann para o ciclo retratam um amor idealizado que se transforma em desilusão. O poeta experimenta a felicidade e a dor da rejeição, e reflete sobre seu sofrimento.

Na primeira parte da série, abordamos as canções de 1 a 6, que falam do nascimento do amor até a separação. Seguiremos aqui com as canções de 7 a 16, incluindo comentários e trechos das letras.

Ouça o ciclo integral com o barítono Dietrich Fischer-Dieskau e o pianista Höll Hartmut:

Comentários às canções:

Nas canções de número 7 a 12, o poeta se sente traído – sua amada se casa com outro. A felicidade se esvai, dando lugar às lembranças, lamentações e ao desespero. Nas canções de 13 a 15, o refúgio no mundo dos sonhos é a sua única chance de reencontro e a única via de acesso a um país encantado (Zauberland) e um mundo de felicidade (Land der Wonne). Na última canção, o poeta finalmente sepulta seus poemas e mágoas.

Nº. 7 – Ich grolle nicht (Não guardo rancor)

As palavras falam de perdão, talvez até de reconciliação, mas a música conta uma história diferente – de ameaça e de vingança.

“Não guardo rancor, mesmo que meu coração se parta (…) 

Vi a serpente que rói o teu coração. Eu vi, meu amor, quão miserável tu és.”

Nº. 8 – Und wüßten’s die Blumen, die kleinen (E se as florzinhas soubessem)

O vasto espaço sonoro da canção anterior se desfaz aqui, reduzido a um halo luminoso. Música sem graves, como que sem raízes, em que a voz murmurante é o único contorno perceptível.

“E se as florzinhas soubessem quão profundamente ferido está meu coração,

Elas chorariam comigo, para curar minha dor.”

Nº. 9 – Das ist ein Flöten und Geigen (Ao toque da flauta e do violino)

Através do ritmo marcado da dança do casamento, perpassam o amargor e o ciúme do pretendente preterido.

“Ao toque da flauta e do violino, ao som de trombetas retumbantes, dança, na roda nupcial, a adorada do meu coração.”

Nº. 10 – Hör ich das Liedchen klingen (Quando ouço aquela canção ressoando)

“Quando ouço aquela canção ressoando, meu peito parece prestes a explodir de uma saudade selvagem e dolorosa.”

Nº. 11 – Ein Jüngling liebt ein Mädchen (Um jovem ama uma moça)

Schumann transmite a ironia agridoce deste que é um dos mais famosos poemas de Heine. O piano zomba da emoção da voz e a contradiz com acentos nos contratempos.

“Um jovem ama uma moça que, porém, escolhe outro. 

Este outro ama uma outra e com esta enfim se casa. 

Esta é uma velha história, mas se acontece com você, corta seu coração.”

Nº. 12 – Am leuchtenden Sommermorgen (Numa luminosa manhã de verão)

Para Schumann, a imagem é a mensagem. Aqui, as flores realmente sussurram e falam – daí vem a etérea magia da canção.

Nº. 13 – Ich hab’ im Traum geweinet (Chorei em meu sonho)

O clima de pesadelo, o cortejo fúnebre, sugerido pelos tambores abafados, mostram a profunda compreensão, a identificação do músico com o poeta.

“Sonhei que você jazia em seu túmulo.

Acordei, e a lágrima ainda corria pela minha face.”

Nº. 14 – Allnächtlich im Traume seh’ ich dich (Todas as noites, em meus sonhos, te vejo)

A brevidade das frases e as bruscas mudanças de ritmo reproduzem o ambiente confuso e difuso do sonho.

Nº. 15 – Aus alten Märchen winkt es (Dos antigos contos de fadas, ela acena)

Esta é música de felicidade ilusória. Só no último verso isto se explicita – o mundo de sonho se desfaz como uma bolha de sabão. 

“Ah, se eu pudesse ir para lá e alegrar meu coração, 

E ser libertado de todo tormento, e ser livre e abençoado!”

Nº. 16 – Die alten, bösen Lieder (As velhas e perversas canções)

O último Lied é o do enterro em um grande caixão, onde são colocadas as antigas canções, os sonhos maus e a tristeza do poeta. Assim termina o ciclo. Mas Schumann, em um extenso poslúdio, retoma o tema da canção número 12, sugerindo assim que, neste fim, esteja um novo começo.

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Em 1827, Heine publicou o Buch der Lieder (Livro de Canções), que deu origem à sua fama como poeta. A seção Lyrisches Intermezzo (Intermezzo Lírico) é a que possui a maior intensidade de sentimento. Heine relata nesses poemas a história do amor infeliz por sua prima Amalie.

O tema lembrou a Schumann o período da separação de sua amada Clara, entre 1835-36, imposto pelo pai dela, e o grande sofrimento pelo qual passou. É do Lyrisches Intermezzo que ele extrai a maioria dos poemas que musicou treze anos depois, em 1840. 

Para o ciclo Dichterliebe (Amores de poeta), Op. 48, Schumann selecionou 16 poemas e os reordenou de modo a criar uma narrativa evocando um vasto espectro de emoções, do otimismo sonhador ao desespero e à melancolia:

– o nascimento do amor, no maravilhoso mês de maio: Lieder de 1 a 4;

– a separação de sua amada: Lieder 5 e 6;

– a traição – ela se casa com outro homem: Lieder de 7 a 12;

– o refúgio no mundo dos sonhos, única chance de reencontro e única via de acesso a um país encantado (Zauberland) e a um mundo de felicidade (Land der Wonne): Lieder de 13 a 15; 

– o último Lied é o do enterro em um grande caixão, onde são colocadas as antigas canções malignas e os sonhos maus.

Ouça as seis primeiras canções do ciclo na interpretação de Hermann Prey (tenor) e Leonard Hokanson (piano):

Leia a seguir breves comentários sobre as canções e trechos dos poemas:

Nº. 1 – Im wunderschönen Monat Mai (No maravilhoso mês de maio)

A canção se inicia e termina com um discord em tom menor. Schumann fala de um tempo que passou:

No maravilhoso mês de maio,

Quando todos os botões desabrocharam,

Foi então que em meu coração

O amor começou a florescer.

Nº. 2 – Aus meinen Tränen sprießen (Das minhas lágrimas brotam)

Das minhas lágrimas brotam

Muitas flores desabrochando,

E meus suspiros se tornam

Um coro de rouxinóis.

Nº. 3 – Die Rose, die Lilie, die Taube, die Sonne (Rosa, lírio, pomba, sol)

Breve, fugidia, cantada a meia voz, apenas nos envolvemos em seu jogo melódico, e a canção desaparece.

Rosa, lírio, pomba, sol,

Eu os amei a todos um dia, na felicidade do amor.

Nº. 4 – Wenn ich in deine Augen seh’ (Quando olho nos seus olhos)

Schumann ignora o veneno do último verso, em que Heine nos revela sua descrença no amor de Amalie.

Quando repouso a minha cabeça no teu peito,

Uma felicidade celestial me invade;

Mas quando dizes: Eu te amo!

Sou obrigado a chorar lágrimas amargas.

Nº. 5 – Ich will meine Seele tauchen (Quero mergulhar minha alma)

Mais uma vez, a felicidade do passado é vista através das lágrimas do presente. O poslúdio é todo lamento.

Quero mergulhar minha alma

No cálice do lírio;

O lírio ressoará

Com uma canção da minha amada.

Nº. 6 – Im Rhein, im heiligen Strome (No Reno, o rio sagrado)

O começo é uma maravilhosa evocação do Reno e da catedral de Colônia nele refletida. Depois, a música entra na igreja – sonoridades de órgão e a dolorosa contemplação da pintura de Nossa Senhora. Volta então a imagem da catedral refletida no rio que desaparece ao longe, nas notas do poslúdio.

Flores e querubins pairam

Ao redor de Nossa Senhora Amada;

Seus olhos, seus lábios, suas faces

São a imagem do meu amor.

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A canção Frühlingsnacht (Noite de primavera) foi a mais popular das doze peças do ciclo e é uma das mais populares do século XIX. 

Um paroxismo de emoção, a obra evoca a natureza e o êxtase romântico no amor, típicos de Eichendorff e muito caros a Schumann.

“Sobre o jardim, atravessando o céu,

Ouvi bandos de pássaros voando.

É um sinal de que a primavera está no ar,

As flores já começam a desabrochar.

Quero gritar de alegria, quero chorar,

Mas parece-me impossível!

Todas as antigas maravilhas retornam,

Brilhando ao luar.

E a lua e as estrelas dizem isso,

E a floresta sonhadora sussurra,

E os rouxinóis cantam:

‘Ela é sua, é sua!’”

Schumann – Liederkreis, Op. 39: Frülingsnacht | Hermann Prey (barítono) e Leonard Hokanson (piano)

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A obra tem três momentos: no primeiro, o poeta caminha por entre as árvores carregando a lembrança dolorosa do amor perdido. Ele pergunta aos passarinhos: “quem lhes ensinou esta palavrinha (amor)?” 

Vem aí o segundo momento, que é mágico: os passarinhos respondem ao poeta com sublime doçura e simplicidade. A música tem um caráter de perplexidade ante a resposta.

No poslúdio, o tema do amor infeliz é retomado.

Leia aqui o poema completo:

Eu caminhava por entre as árvores,
Sozinho com a minha mágoa;
Retornaram então os sonhos de outrora
E insinuaram-se no meu coração.

Quem lhes ensinou esta palavra,
Ó avezinhas que voam pela brisa?
Calem-se! Se o meu coração a escutar
Minha dor voltará uma vez mais!

“Uma donzela caminhava,
E vinha cantando sem parar,
Então nós, avezinhas, apanhamos
A linda palavra dourada.”

Não deviam contar-me isto,
Ó avezinhas astutas;
Vocês querem roubar o meu desgosto,
Porém eu não o confio a ninguém.

Vamos ouvir a canção na interpretação de dois barítonos, Christian Gerhaher e Matthias Goerne.

Schumann – Ich wandelte unter den Bäumen | Christian Gerhaher (barítono) e Gerold Huber (piano)

Schumann – Ich wandelte unter den Bäumen | Matthias Goerne (barítono) e Vladimir Ashkenazy (piano)

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Considerado por todos os comentaristas como um dos maiores Lieder de todos os tempos, é uma canção de êxtase nupcial, simbolizado pela união entre o Céu e a Terra. 

Sua magia encantatória só se revela plenamente quando ela é cantada com uma espécie de impassividade, de imobilidade, sem nuances. Somente ao final da canção há uma mudança de clima, quando a magia cede a vez ao sentimento humano.

Vamos ouvir três interpretações:

Andrew Goodwin (tenor) e Daniel de Borah (piano)

Julian Prégardien (tenor) e Michael Gees (piano)

Christoph Prégardien (tenor) e Michael Gees (piano)

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Formada por composições não publicadas – por terem sido recusadas em coleções anteriores ou simplesmente porque Schumann não tinha a intenção de divulgá-las –, as peças tinham suas capas em diferentes cores, daí o nome Folhas coloridas.

O musicólogo Ernst Herttrich, em seu prefácio para a edição da coleção, comenta que o critério para seleção das peças é desconhecido. Organizadas das mais fáceis às mais difíceis, a coleção está dividida em três seções:

I- Drei Stücklein (Três peças)
1. Nicht schnell, mit Innigkeit (Não rápido, com sensibilidade)
2. Sehr rasch (Muito rápido)
3. Frisch (Fresco)

II- Fünf Albumblätter (Cinco folhas de álbum)
1. Ziemlich langsam (Bem devagar)
2. Schnell (Rápido)
3. Ziemlich langsam, sehr gesangvoll (Bem devagar, muito cantábile)
4. Sehr langsam (Muito devagar)
5. Langsam (Devagar)

III-
Novellette
Präludium (Prelúdio)
Marsch (Marcha)
Abendmusik (Música noturna)
Scherzo
Geschwindmarsch (Marcha veloz)

Schumann – Bunte Blätter, Op. 99 | Grigory Sokolov (piano)

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A “Liga de Davi” é uma sociedade imaginária criada por Schumann, que reúne os compositores modernos em luta contra os filisteus, os compositores antiquados e medíocres. O título faz alusão a personagens da Bíblia.

Atribuídas a Florestan e Eusebius, os alter egos fictícios de Schumann, as peças seguem uma ordem que alterna a autoria entre os dois, representando a personalidade musical dividida do compositor e seus traços contrastantes – Florestan, impetuoso; Eusebius, lírico: 

1. Lebhaft (Vivaz) 
2. Innig (Íntimo) 
3. Mit Humor (Etwas hahnbüchen) (Com humor, um pouco arrogante) 
4. Ungeduldig (Impaciente) 
5. Einfach (Simplesmente) 
6. Sehr rasch (und in sich hinein) (Muito rápido e internamente) 
7. Nicht schnell (Mit äußerst starker Empfindung) (Não rápido, com muito sentimento) 
8. Frisch (Fresco) 
9. Lebhaft (Vivaz) 
10. Balladenmäßig. Sehr rasch (Como uma balada. Muito rapidamente) 
11. Einfach (Simplesmente) 
12. Mit Humor (Com humor) 
13. Wild und lustig (Selvagem e engraçado) 
14. Zart und singend (Delicado e cantante) 
15. Frisch (Fresco) 
16. Mit gutem Humor (Com bom humor) 
17. Wie aus der Ferne (Como à distância) 
18. Nicht schnell (Não rápido)

O pianista e escritor Charles Rosen faz a seguinte observação sobre a obra:

“O significado de Davidsbündlertänze não pode ser posto em palavras, naturalmente, mas chega mais perto de palavras do que qualquer obra musical que eu conheça. Com sua combinação de lembrança e nostalgia, humor e obstinação, parece aludir a algo escondido dentro da obra que cabe a nós adivinhar… e não encontrar. Seja como for, cabe ao reticente Eusebius a última palavra.”

Schumann – Davidsbündlertänze, Op. 6 | András Schiff (piano)

Ouça também a interpretação histórica da obra pelo pianista Geza Anda (1966):

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Vamos ouvi-la com Sviatoslav Richter ao piano, em gravação histórica de 1956.

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Na Venetianisches Lied nº1 (Canção veneziana), Schumann musica um texto de Thomas More sobre uma jornada que envolve, além da gôndola, uma escalada ao balcão da namorada.

“Leis’, leis’, sacht, sacht” – de mansinho, devagar, de leve –, diz o namorado ao gondoleiro.

Schumann – Venetianisches Lied | Äneas Humm (barítono) e Chris Reynolds (piano)

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Schumann se referia à Tocatta como “a peça mais difícil jamais escrita” – e até hoje é “uma das peças mais ferozmente difíceis do repertório do piano” [nível de dificuldade 9, o mais difícil, na Escala Henle (*)].

A Tocatta tornou-se uma peça importante do repertório de Clara Schumann e impressionou Mendelssohn quando este visitou sua família em 1834.

Uma comparação de pianistas (Henle) destaca a interpretação de György Cziffra, músico húngaro naturalizado francês.

 Schumann – Toccata em Dó Maior, Op. 7 | György Cziffra (piano)

(*) Nota: Em 2010, a editora de partituras G. Henle Verlag encomendou ao músico Rolf Koenen uma escala de avaliação de peças clássicas que vai de um a nove, de acordo com a dificuldade de sua execução.

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Duas influências pairam sobre a obra. A primeira é a música para piano de Schubert, em particular suas peças de dança e variações, que intrigavam Schumann por sua “conexão de ideias psicologicamente inusitada”. A segunda é uma obra do romancista alemão Jean Paul Richter, cujos escritos fantasiosos e humorísticos fascinavam o jovem Schumann.

É de fato a cena final – um baile de máscaras – de seu romance Flegeljahre (Adolescência travessa) que serve de cenário para Papillons. Dois irmãos apaixonados pela mesma mulher disputam o coração dela, no ambiente alegre de um baile.

Suas breves peças, a maioria valsas, são, apesar de sua brevidade, incrivelmente contrastantes. Este é o reflexo das personalidades dos dois irmãos rivais no romance de Jean Paul – um sonhador e introspectivo; o outro apaixonado e impetuoso –, um paralelo da personalidade musical dividida de Schumann, seus alter egos Eusebius e Florestan.

Na peça final de Papillons, Schumann cita a Grossvatertanz (Dança do Avô), tradicionalmente usada no fim de um baile, e a combina com a valsa, que é primeira peça de Papillons, como que para ilustrar em música a visão que tinha de que o término do romance de Jean Paul parece ser um novo começo.

Ouviremos a peça na interpretação de dois pianistas, Alfred Cortot e Wilhelm Kempff:

Schumann – Papillons, Op. 2 | Alfred Cortot (piano)

Schumann – Papillons, Op. 2 | Wilhelm Kempff (piano)

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“A Kreisleriana – Fantasias para o Pianoforte, tem oito movimentos contrastantes, tocados sem interrupção, com exceção do último. Foi escrita em apenas quatro dias, em abril de 1838; uma versão revisada foi publicada em 1850. Pouco depois de publicá-la, em 1839, Schumann disse que esta era sua obra favorita. O título da obra foi inspirado pelo personagem Johannes Kreisler, das obras de E. T. A. Hoffmann. Kreisler era um violinista excêntrico, maníaco depressivo, relembrando assim os alter egos de Schumann – Florestan e Eusebius –, que indicavam os traços contrastantes de sua personalidade: Florestan, impulsivo; Eusebius, sonhador.”

Os movimentos da Kreisleriana de Schumann são:

1. Äußerst bewegt(extremamente animado);
2. Sehr innig und nicht zu rasch(muito íntimo e não muito depressa). Este movimento é em forma de rondó – A-B-A-C-A, com um tema principal lírico e dois intermezzos contrastantes;
3. Sehr aufgeregt(muito agitado);
4. Sehr langsam (muito lento);
5. Sehr lebhaft (muito vivo);
6. Sehr langsam (muito lento)
7. Sehr rasch (muito rápido)
8. Schnell und spielend(rápido e jocoso)

Schumann – Kreisleriana, Op.16 | Daniil Trifonov (piano)

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Schumann era um grande admirador de Bach. “O Cravo Bem Temperado”, dizia ele, “é o pão nosso de cada dia”. Em 1845, ele fez um “curso intensivo” de contraponto com sua mulher Clara, uma grande pianista – mais que isto, uma grande musicista.

Em uma tentativa de dominar o estilo polifônico, Schumann compôs algumas peças à maneira de Bach. As primeiras destas composições são os Seis Estudos em Forma de Cânon, Op. 56, escritos para o piano com pedaleira, hoje extinto. Schumann achava que esse instrumento tornar-se-ia popular, o que nunca aconteceu.

Os Estudos, Op. 56, são muito pouco conhecidos em sua versão original, mas Debussy teve a grande ideia de transcrevê-los para dois pianos.

O primeiro, Não muito depressa, um cânon a oitava, lembra o primeiro prelúdio de O Cravo Bem Temperado, de Bach.

O segundo, Com ternura, em Lá menor, torna-se muito animado no meio da peça e termina em Lá maior.

Já o terceiro, Andantino, uma bela inspiração de Schumann, é um cânon a quinta, o que cria relações complexas e uma textura etérea.

Vamos ouvir a seguir várias versões da obra, incluindo a original para piano com pedaleira.

Schumann – Estudos em Forma de Cânon, Op. 56: nº. 1 e 4 | Roberto Prosseda toca um Piano com pedaleira Doppio Borgato 

Schumann – Estudos em Forma de Cânon, Op. 56: nº. 5 [arranjo para piano a quatro mãos de Bizet] | Nicolas Callot e Lucas Blondeel (piano com pedaleira)

Schumann – Estudos em Forma de Cânon, Op. 56: nºs. 1, 2 e 3 [arranjo para quarteto de piano e cordas] | Schubert Ensemble

Schumann – Estudos em Forma de Cânon, Op. 56: nºs. 1 a 6 [transcrição para dois pianos de Debussy] | Martha Argerich e Lilya Zilberstein (pianos)

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Mas não veio de mãos abanando: Schumann tinha composto várias obras para piano, entre as quais o Arabesque, Op. 18, e o Humoresque, Op. 20.

Schumann não deu, a princípio, grande importância ao Arabesque, uma peça escrita para ganhar dinheiro e não para satisfação artística. A composição provou-se, no entanto, um marco em sua obra, introduzindo uma sutileza e uma graça em sua linguagem e resistindo ao estilo de salão, em voga na época.

O Arabesque tem o formato de um rondó em três partes, A, B e C, na sequência A-B-A-C-A. A seção A é gentil e lírica. Os episódios B e C são mais intensos. Segue-se um belo e inesperado postlúdio.

Schumann – Arabesque, Op. 18 |Emil Gilels (piano)

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“Todos foram repousar, coração.

Todos dormem, todos menos tu,

Porque a mágoa sem esperança

Afugenta de tua cama o sono

E teus pensamentos vagueiam,

Em silenciosa dor, para teu amor”.

Os poemas do ciclo Spannisches Liederspiel (Canções Espanholas), de Schumann, são espanhóis, traduzidos por Emanuel Geibel. A canção In der Nacht data do ano de 1849.

Aqui cabe uma nota: o annus mirabilis (“ano miraculoso”, em tradução livre) da canção de Schumann foi 1840. Os lieder de 1849 são considerados inferiores, produtos já da decadência do compositor, pois seu estado mental já se ia deteriorando; todavia, há ainda lampejos de lucidez e inspiração.

In der Nacht, um dueto para soprano e tenor, é certamente um dos mais fulgurantes. Os críticos são unânimes: “Uma das mais lindamente elaboradas e encantadoras peças da Era Romântica”, afirma um deles. A intensidade do sentimento é comovente – a entrada “tardia” do tenor marca aqui o clímax da emoção.

Mas há uma outra dimensão que convive com a romântica. Graham Johnson e outros críticos veem nesta maravilhosa canção uma influência da música barroca: “Schumann entendia o sentido de drama que está no coração da música barroca. O cromatismo da música mostra aqui a influência de Bach. As linhas vocais ascendentes da canção lembram os arcos e contrafortes de uma catedral”.

Schumann teria então procurado, diz Johnson, recriar o clima imponente e sombrio da arte espanhola, como se vê na pintura Vista de Toledo, de El Greco.

Schumann – Spannisches Liederspiel (Canções Espanholas): In der Nacht, Op. 74 nº 4 | Marlis Petersen (soprano), Werner Güra (tenor), Christoph Berner (piano)

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Vamos falar agora sobre suas canções de amor, algumas das mais belas e inspiradas de Schumann. São peças simples e extremamente românticas. As interpretações são de Dorothea Röschmann (soprano), Ian Bostridge (tenor), Graham Johnson (piano).

Der Nussbaum (A Nogueira)

Uma nogueira em flor. A jovem a contempla. O vento suave acaricia as flores e as faz roçar umas com as outras. Elas sussurram uma canção de noivado a acontecer no ano que vem. A jovem adormece sorrindo e sonha.

Der Nussbaum, simples e bela, tornou-se uma canção folclórica.

Die Lotosblume (A Flor de Lotus)

A flor de lotus teme o esplendor do Sol. Cabisbaixa, espera a noite. A Lua (substantivo masculino em alemão) é seu amante. Ela se abre e brilha e, silenciosa, olha para o céu, tremendo de amor e da dor desse sentimento.

O poema de Heine gera uma canção de êxtase, exótica como a flor que dá nome à canção.

Du bist wie eine Blume (Tu és como uma Flor)

Tu és como uma flor, doce, pura e bela. Eu a olho e a tristeza toma meu coração. Sinto como se devesse por minhas mãos sobre tua fonte e pedir a Deus que te conserve tão pura, bela e doce.

A beleza do poema de Heine resiste mesmo a uma tradução pobre e abreviada como essa. Diz Eric Sams, talvez o melhor de seus críticos:

“O poema foi posto em música muitas vezes, mas a versão de Schumann é certamente suprema. Seu gênio se equipara ao de Heine, em sua intimidade e fervor. Sua força se concentra toda em seu amor por (sua noiva) Clara Wieck, tornando sua música tão sensual e cerimonial que a imposição das mãos se torna um gesto ritual de consagração”.

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Pasárgada

Venha, vamos logo
Para Pasárgada!
Lá a vida é alegre,
A tristeza é desconhecida.
Há rios de leite e mel,
Das rochas jorra vinho.
As árvores estão carregadas
De bolos e tortas.
Ninguém precisa trabalhar.
Oh, quem não gostaria de estar lá!
É, deve ser uma vida ótima,
Uma terra maravilhosa.
Muitos foram para lá,
Mas ninguém conseguiu entrar.
É, … a menos que você tenha asas,
Não vai chegar nem ao portão,
Porque, bem na frente dele,
Há uma montanha de geleia de ameixa.

Schumann – Liederalbum für die Jugend, Op. 79,  nº 5: Vom Schlaraffenland | Anne Sofie von Otter (mezzo soprano) e Bengt Forsberg (piano)

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Vamos ouvir mais uma canção da série Liederalbum für die Jugend (Álbum de Canções para os Jovens), Op. 79, de Schumann:

Schneeglöckchen (Sininhos de Neve)

A neve que ainda ontem

Caía do céu em flocos,

Hoje pende de hastes frágeis,

Como pequenos sinos.

Tocam os sininhos de neve,

No silêncio dos bosques,

Anunciando a primavera.

Oh, venham folhas, botões, flores,

Que ainda estão sonhando,

Venham todos ao santuário da primavera,

Venham sem tardar!

Schumann – Liederalbum für die Jugend, Op. 79: Schneeglöckchen | Anne Sofie von Otter (mezzo soprano) e Bengt Forsberg (piano)

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Um pouco mais tarde, escreveu o Liederalbum für die Jugend (Álbum de Canções para os Jovens), Op. 79. Schumann escolheu “poemas adequados para crianças e, claro, somente dos melhores poetas”.

Vamos mostrar algumas dessas canções em uma pequena série, começando com:

Marienwürmchen (A Joaninha): 

Joaninha, vem pousar na minha mão.

Não vou te maltratar.

Nada vai te acontecer,

Só quero ver tuas belas asas

Que me dão tanta alegria!

Schumann – Liederalbum für die Jugend, Op. 79: Marienwürmchen | Thomas Hampson (barítono) e Geoffrey Parsons (piano)

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Ele, aliás, foi o primeiro compositor a dar esse título a uma obra, adotado de um de seus autores preferidos, E.T.A. Hoffmann, e escrevendo ainda três outras peças com o mesmo título, duas para piano solo e uma para piano trio.

Schumann compôs as Fantasiestücke em apenas dois dias, em um surto de inspiração, uma revêrie traduzida em música. Aliás, a palavra fantasia sugere aqui, além de revêries (sonhos), mudanças súbitas de humor, traços típicos da personalidade do compositor.

Originalmente escritas para clarineta e piano, Schumann indicou, no entanto, que a parte da clarineta poderia ser executada também por uma viola ou um violoncelo.

Seus três movimentos são:

I. Zart und mit Ausdruck (Terno e expressivo): o começo é sonhador, um pouco melancólico, mas termina com firmeza e esperança.

II. Lebhaft, leicht (Vivo, leve): como o título indica, a peça é jocosa, alto astral, enérgica.

III. Rasch und mit Feuer (Rápido e fogoso): em tom maior, o final é exuberante e triunfal. Seu ritmo se eleva subitamente a um frenesi de paixão, de uma energia fogosa, alucinada. Schumann anota na partitura: schneller und schneller (mais rápido e mais rápido).

Aqui, a obra é interpretada pelo violoncelista Gautier Capuçon e a pianista Martha Argerich:

E, aqui, ouvimos a versão para clarineta, com Wenzel Fuchs, primeiro clarinetista da Filarmônica de Berlim, e o pianista Narihito Mukeda (o vídeo inclui ainda o primeiro movimento da Sonata Op. 120 de Brahms):

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As quatro notas são ASCH, que na nomenclatura alemã significam: A (lá), S (Es: mi bemol), C (dó), H (si). Todas as peças da composição, exceto o “Preâmbulo”, são baseadas no motivo de quatro notas ASCH.

Asch é também o nome da cidade natal da noiva de Schumann na época, Ernestine von Fricken, aluna de seu professor (e futuro sogro). Reordenadas, as letras formam SCHA, que fazem parte do nome de SCHumAnn.

O Carnaval é aqui apresentado como um baile de máscaras, com personagens reais e fictícios. Os reais são: Ernestine (Estrella), Clara Wieck, sua futura esposa (Chiarina), Chopin, Paganini e o próprio Schumann (representado por seus alter egos Eusebius e Florestan). E os fictícios são figuras da Commedia dell’Arte: Pierrot, Arlequin, Pantalon e Columbine.

Dois anos após escrever a obra, Schumann disse a seu amigo, o pianista Moscheles, que estava mais interessado nos estados de alma despertados pela música do que nas suas associações com os diversos personagens.

Estrutura da obra:

A composição é formada por 21 peças:

1. Préambule (Preâmbulo; Quasi maestoso): a fanfarra inicial se dilui no burburinho da baile;
2. Pierrot (Moderato): um palhaço triste e ingênuo da Commedia dell’Arte;
3. Arlequin (Vivo): palhaço e acrobata, é ágil e inescrupuloso (também da Commedia);
4. Valse noble (Valsa Nobre; Un poco maestoso): nenhum Carnaval (baile de máscaras) está completo sem uma valsa nobre;
5. Eusebius (Adagio): nome que Schumann dava ao lado solitário e sonhador de sua personalidade;
6. Florestan (Passionato): contrapartida de Eusebius, Florestan é extrovertido, afirmativo e  sociável;
7. Coquette (Vivo): palavra que se usa em também em português, é uma pessoa que chama atenção sobre si, sedutora;
8. Réplique (Réplica; L’istesso tempo): um jovem consegue tirar a coquete da multidão e tenta seduzi-la;
9. Papillons (Borboletas; Prestissimo): rápida como o bater das asas da borboleta;
10. A.S.C.H. – S.C.H.A: Lettres Dansantes (Presto): letras dançantes;
11. Chiarina (Clarinha; Passionato): virtuose do piano e futura esposa de Schumann;
12. Chopin (Agitato): Schumann era grande admirador de Chopin; essa breve peça captura a graça e a beleza de seu estilo;
13. Estrella (Con affetto): caracterização da sua noiva, na época, Ernestine von Fricken;
14. Reconnaissance (Reconhecimento; Animato): encontro – um casal dança e depois conversa fora do salão;
15. Pantalon et Colombine (Pantalon e Colombina; Presto): personagens da Commedia – Colombina, serva de uma dama, é apaixonada por Arlequim e amada em segredo por Pantalon;
16. Valse allemande (Valsa alemã; Molto vivace): na verdade, temos aqui uma valsa vienense suave, intercalada com uma valsa alemã mais dura;
17. Paganini (Presto): retrata o famoso virtuose do violino – a música é rápida e brilhante;
18. Aveu (Passionato): de acordo com Schumann, uma confissão de amor;
19. Promenade (Con moto): um passeio em volta do salão, no qual se ouve fragmentos de música; no final vem uma enérgica valsa vienense que se esvai na distância;
20. Pause (Vivo): pausa, seguida pela vibrande marcha:
21. Marche des “Davidsbündler” contre les Philistins (Non allegro): um grupo imaginário de defensores da boa música contra os Filisteus, reacionários e medíocres.

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• Até 1839, quase que exclusivamente, compôs obras para piano;
• 1840 – ano da canção –, mais de 140 compostas em um período de nove meses;
• 1841 – música orquestral – três sinfonias e o Concerto para Piano;
• 1842 – música de câmara – três quartetos de cordas, um quarteto e um quinteto para piano e cordas.

O Quinteto para Piano e Cordas em Mi Bemol Maior, Op. 44, é talvez sua melhor obra e uma das melhores no gênero. Representa também uma inovação: os poucos quintetos para piano e cordas, até então, eram escritos para piano, violino, viola, violoncelo e contrabaixo.

Schumann coloca um segundo violino no lugar do contrabaixo. Ao seu Quinteto se seguiram obras importantes nesse formato, como as de Brahms, Dvorák, Fauré e Shostakovich, entre outros compositores.

A obra foi influenciada pelo Trio nº 2, Op. 100, de Schubert, especialmente em seu segundo movimento, que também tem a forma de uma marcha fúnebre.

O primeiro movimento, Allegro brillante, é ousado e cheio de energia, mas também rico em melodias, como a do segundo tema apresentado no violoncelo.

O Scherzo: Molto Vivace retoma o caráter enérgico do primeiro movimento. Tem dois trios: o primeiro, um lírico cânon, e o segundo, mais afirmativo.

O final, Allegro ma non Troppo, tem uma construção muito elaborada. A dupla fuga que o encerra é magistral: combina seu tema principal com o tema de abertura do primeiro movimento, em uma digna conclusão para essa obra-prima.

Schumann – Quinteto para Piano e Cordas em Mi Bemol Maior, Op. 44 | Martha Argerich (piano) e membros da Israel Philharmonic Orchestra

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Mas foi só em 1841, um ano depois de seu casamento, que Clara conseguiu convencê-lo a tentar o gênero sinfônico. Data desse ano sua Sinfonia nº 1 em Si Bemol Maior, Op. 38, conhecida como “Primavera”. Veio depois uma Fantasia para Piano e Orquestra, composta para Clara, uma das maiores pianistas de seu tempo. Schumann resolveu depois acrescentar-lhe dois movimentos, criando assim seu Concerto para Piano e Orquestra, o único que compôs.

O Concerto segue a estrutura dos de Mozart e Beethoven, mas inova em vários aspectos. O mais notável é que se afasta do modelo da época, usado para exibir o virtuosismo do pianista.

Schumann tinha, aliás, escrito anos antes, em uma crítica à prática vigente: “E assim, devemos esperar o gênio que nos vai mostrar, de uma nova e brilhante maneira, como orquestra e piano podem ser combinados e como o solista pode mostrar toda a riqueza de seu instrumento e de sua arte, enquanto a orquestra, não mais apenas uma espectadora, pode entrelaçar suas diferentes facetas à cena”.

Foi ele mesmo quem realizou esse novo modelo. A crítica que Liszt fez à obra é reveladora: “É um concerto sem piano!”.

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“Talvez tenha sido um eco do que você uma vez me disse – que eu às vezes parecia uma criança; mas, seja como for, de repente me assaltou uma inspiração, e então rabisquei umas trinta pecinhas, das quais selecionei doze… Acho que você vai gostar, mas vai ter que esquecer que é uma virtuose.”

“Rabisquei pecinhas” não faz justiça a essas lindas peças cuidadosamente buriladas. Algumas delas são de fato simples e podem ser tocadas por uma criança talentosa, mas o conjunto é de recordações que um adulto tem da infância.

“Elas são autoexplicativas”, disse Schumann a Clara, mas deu-lhes títulos que sugerem diferentes climas emocionais.

Ritter vom Steckenpferd (Cavaleiro do cavalinho de pau), por exemplo, é exuberante. Hasche-Mann (Cabra-cega) é maníaca em seus volteios. Bittendes Kind (Criança suplicante) e Kind im Einschlummern (Criança adormecendo) estão entre os retratos mais tocantes.

Schumann cria, na verdade, um pequeno ciclo, que vai da beleza misteriosa de Von fremden Ländern und Menschen (De terras e povos distantes) à etérea magia de Träumerei (Sonhando) e à transcendental peroração de Der Dichter spricht (O poeta fala), que se dissolve em um sussurro nas notas graves do piano.

Schumann – Kinderszenen (Cenas infantis), Op. 15

1. De povos e terras distantes
2. Uma história curiosa
3. Cabra-cega
4. Criança suplicante
5. Totalmente feliz
6. Grande acontecimento
7. Sonhando
8. À lareira
9. Cavaleiro do cavalinho de pau
10. Quase sério demais
11. Assustador
12. Criança adormecendo
13. O poeta fala

Vamos ouvir o pianista Daniil Trifonov interpretar Träumerei:

E, a seguir, a pianista Martha Argerich interpreta o ciclo completo:

Imagem: Filhos de Robert & Clara Schumann

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