Acompanhado pelo violinista Joseph Kotek, os dois rumaram para Clarens, na Suíça, levando uma pilha de partituras de música para violino, incluindo a Symphonie espagnole, de Lalo. Esta teria sido uma fonte de inspiração para o Concerto para Violino e Orquestra em Ré Maior, que Tchaikovsky começou a compor em 17 de março e terminou apenas duas semanas depois.

Mal sabia Tchaikovsky que estava criando uma tempestade de críticas, começando pela própria Nadezhda von Meck, que lhe escreveu expressando sua decepção. “Tenho esperança de que, com o tempo, a peça lhe dará prazer”, respondeu-lhe o compositor.

Leopold Auer, spalla da Orquestra Imperial, a quem o concerto havia sido dedicado, recusou-se a tocá-lo, dizendo ser ele “inapropriado ao caráter do instrumento”. Já Eduard Hanslick, um dos mais importantes críticos da época, escreveu uma verdadeira torrente de impropérios sobre a obra. Tchaikovsky recortou a crítica e a carregou em seu bolso por vários meses.

O concerto parecia destinado ao fracasso, quando as coisas começaram a mudar em dezembro de1881. O violinista Adolf Brodsky, a quem a peça também havia sido dedicada, fez a sua estreia em Viena e escreveu: “O concerto pode ser executado várias vezes sem ficar monótono”. O concerto tinha revivido!

Hoje em dia, a obra faz parte de uma trilogia de concertos para violino da era romântica que inclui ainda os de Mendelssohn e Brahms, sendo o de Tchaikovsky o mais popular. Isto não quer dizer que ela seja fácil.

Apesar de seu caráter lírico, o primeiro movimento termina com uma cadenza extremamente difícil composta por uma série de fogos de artifício técnicos. O segundo movimento, uma Canzonella, tem um sabor italiano, como seu nome implica: música simples, de profundo sentimento, com uma esplêndida transição que leva ao rondó final. Sobre este, diz um crítico: “O final tem de tudo: melodias inesquecíveis, drama, ternura e brilho.”

Tchaikovsky – Concerto para Violino e Orquestra em Ré Maior, Op. 35 | Maxim Vengerov (violino) e Filarmônica de S. Petersburgo regida por Yuri Temirkanov

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No entanto, a sua estreia, regida pelo compositor, foi recebida com alguma perplexidade. A música parecia, de alguma forma, “indefinida”. Sua segunda apresentação, porém, apenas três semanas depois, causou uma forte impressão. Por quê? 

Entre as duas primeiras apresentações, Tchaikovsky morreu inesperadamente. Que experiência desconcertante deve ter sido para os primeiros ouvintes desta peça surpreendentemente comovente, que termina com uma melodia que vai além de nossa audição.

A Sinfonia nº. 6 em Si Menor, Op. 74, também conhecida como Sinfonia Patética, foi a última sinfonia concluída por Tchaikovsky, escrita entre fevereiro e final de agosto de 1893. O compositor a intitulou “A Sinfonia Apaixonada”, empregando a palavra russa Патетическая (Pateticheskaya), que significa “apaixonado” ou “emocional”, então traduzida para o francês como pathétique, que significa “solene” ou “emotivo”.

A sinfonia segue um programa. Meses antes de pôr a pena no papel, Tchaikovsky já o tinha imaginado, recordando numa carta: “Chorei muitas vezes durante as minhas viagens, enquanto a compunha na minha cabeça”. Mas ele decidiu manter o texto do programa em segredo e apenas insinuar sua existência. 

Tendo enviado recentemente a partitura ao seu editor, o irmão do compositor lembrou:  “há muito tempo não o via tão alegre e cheio de vida”.

E, no entanto, a Sexta Sinfonia é sobre a morte. É o cumprimento e a transfiguração de um programa que Tchaikovsky havia esboçado para uma sinfonia em Mi Bemol Maior que descartou em 1892: 

“Primeira parte – todo impulso, paixão, confiança, sede de atividade. Deve ser curta (a morte final: resultado do colapso). Segunda parte, amor. Terceira, decepções. A quarta termina morrendo (também curta).” 

Embora essa não seja uma descrição precisa do que se tornou a Sexta Sinfonia, no sentido mais amplo de uma obra cuja imagem final é de colapso musical, emocional e físico (como no quarto movimento, Adagio lamentoso), há uma clara conexão. É também o mais próximo que temos de uma revelação do programa por trás da obra, sobre o qual Tchaikovsky tinha falado com seu amado sobrinho Bob.

Tchaikovsky – Sinfonia nº. 6 em Si Menor, Op. 74, “Patética” | Orquestra do Teatro Mariinsky regida por Valery Gergiev

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Dividida em quatro movimentos, seu primeiro é iniciado com um Andante sombrio tocado pelos clarinetes, que evolui para um jovial Allegro. Os trágicos compassos de abertura do segundo movimento (Andante cantabile con alcuna licenza) irrompem posteriormente em acordes brilhantes. O movimento que se segue (Allegro moderato) é uma valsa. Já o último movimento (Andante maestoso – Allegro vivace), em tom maior, termina em uma marcha triunfante.

“Se a Quinta de Beethoven é o Destino batendo à porta, a Quinta de Tchaikovsky é o Destino tentando sair”, afirmou um comentarista após a sua estreia.

“E quase o faz, em uma jornada que ameaça culminar em uma série de acordes cruciais em Si maior. Porém, apesar da frequente interrupção dos aplausos do público neste trecho, a aventura continua até uma conclusão que é, até certo ponto, ambígua: quatro acordes de encerramento em Mi maior que podemos ouvir como triunfantes, mas que podem facilmente soar sinistros.”

“A Sinfonia nº. 5 adere à forma clássica de quatro movimentos, mas estes são unificados até certo ponto através da referência comum a um leit motiv, uma espécie de ideia fixa à maneira de Berlioz [na Sinfonia Fantástica] anunciada pelos sombrios clarinetes no início. A maioria dos comentaristas concorda que isso representa a ideia de Destino à qual Tchaikovsky se referiu em um esboço datado de abril de 1888. Essa ideia reaparecerá frequentemente na sinfonia, às vezes consideravelmente retrabalhada, e certamente define o tom sombrio que domina grande parte da obra.” 

“E, no entanto, nem tudo é sombrio. Raios de sol muitas vezes cortam as sombras: melodias secundárias esperançosas, orquestração de brilho luminoso, vivacidade e variedade rítmicas, passagens que têm a graça de um balé.” (*)

Tchaikovsky – Sinfonia nº. 5 em Mi Menor, Op. 64 | Orquestra do Teatro Mariinsky regida por Valery Gergiev.

(*) Comentários de James M. Keller, escritor das notas de programa para a Filarmônica de Nova York e para a Sinfônica de São Francisco, nos EUA. 

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A Sinfonia nº. 4 em Fá Menor foi composta entre 1887 e 1888, no período turbulento que se seguiu ao fracasso do casamento de Tchaikovsky com Antonina Miliukova (que durou apenas um mês). Ele tentou o suicídio e se afastou de Antonina. 

Meses depois o compositor retomou o trabalho e, depois de terminá-lo, escreveu uma carta a sua patronesse Nadezhda von Meck comentando seus sentimentos íntimos sobre a obra.

Seguem trechos de sua carta:
“A essência é o Destino: uma força que assegura que não pode haver felicidade sem nuvens. Um doce sonho aparece, uma imagem feliz, radiante, humana. Mas não! O destino nos acorda. A vida é uma alternância da dura realidade com visões fugitivas de felicidade. Não há refúgio.”

“Uma expressão de melancolia, como uma noite sozinho com um livro. Aparecem lembranças: momentos felizes, quando sangue jovem corre nas veias. Mas há momentos dolorosos, perdas irreconciliáveis. É triste, mas doce estar imerso no passado.”

“Arabescos caprichosos, imagens vagas passam pela imaginação. Em algum lugar ao longe, uma parada militar.”

 “São imagens que passam pela mente ao adormecer: estranhas, selvagens e incoerentes.”

“Saia entre as pessoas. Veja como elas se divertem, entregando-se a sentimentos alegres. O destino aparece e lembra você de si mesmo. Outros não se importam – eles não perceberam que você está triste. Sua alegria é uma força simples, mas poderosa. Você deve se alegrar com a alegria dos outros. Viver ainda é possível.”

A Sinfonia nº. 4 em Fá Menor possui quatro movimentos:

I. Andante sostenuto – Moderato con anima
II. Andantino in modo di canzona
III. Scherzo – Pizzicato ostinato
IV. Finale – Allegro con fuoco

Tchaikovsky – Sinfonia nº. 4 em Fá Menor, Op. 36 | Orquestra do Teatro Mariinsky regida por  Valery Gergiev

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Ele escreveu à sua patronesse, Nadezhda von Meck: “A Abertura vai ser espetacular e barulhenta, mas não vai ter valor artístico porque eu a escrevi sem calor, sem amor. Mas, pelo contrário, a Serenata eu a escrevi por um impulso interior. Esta é uma peça que vem do coração”.

E mais adiante: “Eu me apaixonei perdidamente pela Serenata, mal posso esperar para vê-la executada”.

A composição foi estreada em São Petersburgo, em 1881, e foi um sucesso imediato.

ESTRUTURA

A Serenata é dividida em quatro movimentos:

I. Pezzo in forma di sonatina
II. Valse
III. Élégie
IV. Finale (Tema russo)

Mozart era um dos ídolos de Tchaikovsky e a Serenata foi inspirada nas de Mozart. Não é, todavia, uma peça clássica – é tão romântica quanto as outras obras de Tchaikovsky –, mas ele a pretendia clássica na forma e no espírito.

Isto é particularmente verdade do primeiro movimento, Pezzo in forma di Sonatina. Este começa com um empolgante Andante, com a indicação sempre marcatissimo, cheio de cordas duplas (duas cordas tocadas simultaneamente) nos violinos e nas violas, formando grandes estruturas de acordes. Esta introdução é repetida no fim do movimento. A Sonatina do título começa no Allegro Moderato que se segue, que apresenta uma forma sonata concisa.

“O primeiro movimento é minha homenagem a Mozart”, escreveu Tchaikovsky, “e eu ficaria muito feliz se se tivesse, de alguma forma, me aproximado de meu modelo”.

O segundo movimento é uma das mais graciosas das muitas valsas de Tchaikovsky, especialmente quando a melodia passa às partes mais graves e os violinos tecem sobre ela um bordado quase como o de um balé.

A Élégie, suavemente dissonante, é muito bela. O ouvido de Tchaikovsky para as sonoridades das cordas é realmente especial.

O Finale é marcado como Tema Russo e, tanto a melancolia da melodia do violino na introdução (uma canção dos barqueiros do Volga), como o primeiro tema, dançante, do Allegro con Spirito, são de inspiração folclórica.

Tchaikovsky – Serenata para Cordas, Op. 48 | Orquestra Saito Kinen, Seiji Ozawa (regente)

Nota: Comparei várias interpretações da Serenata e esta, de Seiji Ozawa com uma orquestra japonesa, pareceu-me a mais próxima à “peça do coração” de que fala Tchaikovsky, na citação inicial.

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Na verdade, Tchaikovsky pretendia que seu Concerto fosse apresentado primeiramente em Moscou por Nicolay Rubinstein, pianista e diretor do Conservatório de Moscou, a quem dedicaria a composição. Quando mostrou a obra a Rubinstein, porém, ele fez severas críticas e disse que não iria apresentá-la se não fossem feitas revisões substanciais.

Tchaikovsky não quis modificá-la. Entrou em contato com o célebre pianista e regente alemão Hans von Bülow, que gostou da obra e veio a estreá-la em uma turnê em Boston, como mencionado acima. Bülow incluiu o Concerto nº 1 em seu repertório e o executou muitas vezes. Tchaikovsky, agradecido, lhe dedicou a composição, que, desde então, tem sido um de seus trabalhos mais populares.

O primeiro movimento abre com uma chamada das trompas, que anunciam uma série de acordes do piano. Este início, muito original, virou uma espécie de assinatura da peça. As cordas apresentam uma longa e esplêndida melodia, que é depois retomada pelo piano. A exposição começa com um tema folclórico ucraniano baseado em uma melodia que Tchaikovsky ouviu de um camponês cego, em um mercado perto de Kiev.

Os dois movimentos seguintes são mais breves.

O Andantino é parte movimento lento, parte Scherzo. É leve e suave.

O final é em forma de Rondó, com várias melodias que se alternam, terminando com a mesma propulsão e energia da abertura.

Tchaikovsky – Concerto para Piano e Orquestra nº 1, Opus 23 | Martha Argerich (piano) e Orcheste de la Suisse Romande, com Charles Dutoit (regente).

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Em quatro atos, o balé conta a história de Odette, uma princesa transformada em cisne pelo perverso feiticeiro Rothbart, que desejava se casar com ela e dominar o seu reino. Odette e todo seu cortejo estão aprisionados às margens de um lago no reino do feiticeiro, e conseguem recuperar sua aparência humana apenas por algumas horas, à noite. Para quebrar o feitiço, a princesa precisa encontrar alguém que lhe jure amor eterno.

A “Dança dos Pequenos Cisnes”, apresentada no segundo ato, é uma das coreografias mais emblemáticas do balé. Executada por quatro bailarinas que se movimentam em perfeita sincronia para os lados, com seus braços entrelaçados, esse belo e desafiador pas de quatre exige enorme precisão técnica e trabalho em conjunto.

Tchaikovsky – O Lago dos Cisnes: Dança dos Pequenos Cisnes | Balé da Ópera Nacional de Paris | Orquestra da Ópera de Paris, Vello Pähn (regente)

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Outros críticos ouvem, em seu ritmo, uma frase do rito funeral russo: “E com santos dá-nos o repouso.” Seria uma homenagem a uma irmã de Tchaikovsky, que havia falecido há pouco tempo.

Seja como for, é uma música de mágica beleza.

Tchaikovsky – O Quebra Nozes: Pas de Deux | The Royal Ballet

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Um pas de trois (coreografia para três bailarinos) é executado em uma dança pastoral cheia de graciosidade, representando o refinamento e o rococó da cultura francesa.

Vamos assistir a essa dança interpretada por três jovens dançarinos:

Tchaikovsky – O Quebra-Nozes: Dança dos Mirlitons | Kirov Ballet e Orquestra do Teatro Mariinsky

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A “Dança Chinesa” representa o chá. Com passos precisos, os bailarinos vestem figurinos de influência oriental, em tecidos sedosos, de cores vibrantes e com ornamentos delicados. Eles seguram sombrinhas e leques típicos.

Vamos assistir a essa coreografia dançada por pequenas bailarinas:

Tchaikovsky – O Quebra-Nozes: Dança Chinesa | Kirova Ballet Academy

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A “Dança Espanhola” representa o cacau. Sua música e coreografia têm influência da dança flamenca e dos sons das castanholas. As bailarinas se vestem com trajes característicos e seguram leques.

Vamos assisti-la na interpretação de um grupo de jovens bailarinas:

Tchaikovsky – O Quebra-Nozes: Dança Espanhola | Peninsula School of Performing Arts

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Nos dois outros balés escritos pelo compositor – O Lago dos Cisnes e A Bela Adormecida –, as valsas têm um papel importante, mas a Valsa das Flores, tão cheia de graça e de elegância, é a sua incursão mais inspirada no gênero.

Vamos ouvir uma versão da Valsa das Flores para dois pianos, interpretada por Martha Argerich e Nicolas Economou, como trilha sonora de um vídeo com uma montagem de imagens de bailarinas pintadas por Edgar Degas (1834-1917).

Mais de metade das obras de Degas retratam bailarinas. Eis o que o próprio artista disse sobre o assunto:

“Dizem que sou um pintor de bailarinas, mas o que quero é capturar o movimento em si.”

A música e a montagem ajudam as imagens de Degas a dançar.

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