A obra é muito bem estruturada. A frase Beatus Vir (“Bem aventurado o homem que teme o Senhor”) se torna um refrão interpolado em certas passagens da peça; a música da abertura se repete no Gloria Patri. Estes recursos trazem unidade à composição.

São nove os movimentos, ou quatorze se contarmos as repetições do refrão.

O uso de uma dupla orquestra e coro traz uma dinâmica e um brilho adicionais à obra.

Vivaldi – Beatus Vir | Concerto Italiano, Rinaldo Alessandrini (regente)

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Seu pungente Adagio em sol menor é uma “reconstrução” (na verdade uma composição inteiramente nova) do musicólogo italiano Remo Giazzoto baseada, segundo ele, em um fragmento de seis compassos encontrado em um manuscrito de Albinoni na Biblioteca do Estado da Saxônia.

O “arranjo” de Giazzoto, publicado em 1958, contribuiu para o grande interesse pela música barroca surgido nos anos seguintes à Segunda Guerra Mundial e é atualmente uma das peças clássicas mais conhecidas.

Giazzoto nunca divulgou o manuscrito e, desde sua morte, em 1998, não se encontrou registro de sua existência. Há um consenso, hoje em dia, de que o Adagio é obra de Giazzoto, seja qual tenha sido a fonte de sua inspiração.

O belo Adagio não transporta o ouvinte à era barroca, mas a uma concepção romanceada do período.

Remo Giazzoto – Adagio em sol menor | The New York Classical Players, Dongmin Kim (regente), Josh Stafford (órgão), Kenneth Renshaw (violino)

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O Concerto para Bandolim em Dó Maior, RV 425, é um de seus melhores concertos. Escrito em 1725, é uma das peças mais conhecidas para o instrumento.

São três os seus movimentos: Allegro, Largo, Allegro.

O Allegro de abertura é bem-humorado e cheio de vida. Reparem nos pizzicatos (cordas dedilhadas) e em algumas passagens interessantes no alaúde.

O Largo é um Arioso cantado pelo bandolim acompanhado das cordas.

No Allegro final, o solista tem a oportunidade de mostrar seu virtuosismo.

Vivaldi – Concerto para Bandolim, Cordas e Contínuo em Dó Maior, RV 425 | Avi Avital (bandolim) e Arte Mandolinistica | 8º Festival Internacional de Bandolim de Osaka, Japão.

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É possível que estes períodos de “alheamento” a que se refere seu filho tenham ocorrido muitas vezes quando Bach estava junto a seu instrumento preferido: o órgão da capela da corte de Weimar, reconstruído segundo suas instruções, em 1712-14 (veja na ilustração, o órgão fica bem alto, no teto da capela).

Bach era conhecido em sua época como um supremo organista e improvisador. Compôs a maior parte de suas obras para órgão em Weimar (1708- 1717), inclusive as que vamos ouvir hoje.

J. S. Bach – Adagio, BWV 564; Coral Prelúdio Ich ruf’ zu dir (Clamo por ti, Senhor), BWV 639 | Marie Claire Alain (órgão)

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Enquanto as suítes de Bach seguem basicamente a sequência de danças das suítes francesas – Allemande, Courante, Sarabande e Gigue –, as de Händel são idiossincráticas: o número de movimentos é variável; há fugas, variações, movimentos em forma sonata e até uma Passacaglia. Vários comentaristas destacam seu caráter improvisatório (Händel era conhecido como um grande improvisador).

Ouviremos a seguir as Suítes nºs 3 e 5 de Händel com o pianista Sviatoslav Richter. Esta gravação data de 1979 e é famosa por sua concentração, simplicidade e pureza. É um dos pontos altos da história do disco.

Händel – Suíte nº 3 em Ré Menor

A mais longa e mais imponente das Suítes é a nº 3.

Ré menor é uma tonalidade grave e devota, diz um comentarista.

O coração da Suíte é seu quinto movimento, ária com cinco variações, uma meditação elevada e serena (tal como a ária das Variações Goldberg).

Contrariamente à prática normal do Barroco, diz Richard Wigmore, o tema é ricamente ornamentado e as duas primeiras variações o simplificam.

A quarta variação é uma jiga e a última, um presto virtuosístico, no estilo de uma toccata.

Händel – Suíte nº 5 em Mi Maior

Esta é uma das obras mais conhecidas de Händel por causa de seu último movimento, Ária com Variações, que tem o apelido de “The Harmonious Blacksmith” (O Ferreiro Harmonioso). Mas a Suíte é toda inspirada e bonita, e seus quatro movimentos são integrados, formando um todo harmonioso.

O Prelúdio é sério, introspectivo.

O segundo movimento, uma Allemande grave e devota, é muito especial.

Assim também a Courante, pensativa, quase melancólica, que cria o ambiente para a ária que se segue.

Alguns comentaristas atribuem o apelido do Final (O Ferreiro Harmonioso) às notas repetidas da ária ou da primeira variação. Mas eu gosto de ver o próprio Ferreiro ali, em seu ofício, produzindo  uma chuva de faíscas incandescentes.

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