Satie compôs os Embriões dissecados em 1913. O “tema” das pequenas peças são crustáceos.

O compositor escreveu um prefácio em que descreve os pequenos animais:

– Holotúria: “Alguns o chamam de pepino do mar; ele ronrona, tece fios e detesta a luz do sol.”

– Edriophtalma: “Crustáceos de olhos grandes, têm um ar melancólico.”A música é uma paródia da “Marcha Fúnebre” da Sonata Op. 35 de Chopin. Satie diz, no entanto, que esta citação se refere à célebre Mazurka de Schubert – obra que, na realidade, não existe. Escreve na partitura que “os camarões estão chorando”.

– Podophtalma: Satie começa dizendo que as lagostas e os caranguejos são caçadores incansáveis. A música imita o chamado de uma trompa de caça e uma ária de opereta que diz: “Não se preocupe, vamos pegá-los”.

Satie – Embriões dissecados | Tamae Kanai (piano)

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Escrita no inverno de 1956-57 por encomenda da Fundação Elizabeth Sprague Coolidge da Biblioteca do Congresso Americano, a obra foi estreada em junho de 1957 pelo flautista Jean Pierre Rampal, a quem a peça foi dedicada, com o próprio Poulenc ao piano, durante o Festival de Strasbourg. 

O compositor a escolheu também para o sexagésimo concerto de suas obras favoritas, em 1959.

A sonata reflete os sentimentos contrastantes de melancolia e alegria de Poulenc. São três seus movimentos:

O primeiro, um Allegro malinconico, é triste, mas a melancolia intermitente é contrastada pela seção central, mais bem-humorada.

O segundo, Cantilena, merece destaque. É um daqueles adágios serenos de Poulenc que descendem de Mozart e Ravel; todavia, o resultado é puro Poulenc, inconfundível. É uma longa canção para a flauta – lenta, porém mais introspectiva do que deprimida. 

O final é muito vivo e espirituoso, com referências ao tema principal do primeiro movimento e sua figura rítmica. 

Felizmente, há um belo registro em vídeo da sonata interpretada por Rampal à flauta e Robert Veyron-Lacroix ao piano. Ei-lo:

A seguir, apresentamos uma interpretação mais recente da Sonata, com Magali Mosnier, na flauta, e Catherine Cournot ao piano:

E, aqui, a “Cantilena”, com James Galway na flauta, e Phillip Moll ao piano:

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Suas Improvisações para Piano, compostas entre 1932 e 1959, estão entre as peças para piano mais brilhantes e mais populares de sua produção.

Homenagem a Edith Piaf é a última dessas 15 improvisações e data de 1959, sendo dedicada à grande cantora francesa, que era amiga de Poulenc.

Depois de uma introdução, Poulenc cita o tema “c’est une chanson qui te ressemble” (é uma canção que se parece com você).

A peça é curta, dura pouco mais de três minutos, mas recria a melancolia e a paixão da música de Piaf.

Poulenc – Improvisação nº 15: Homenagem a Edith Piaf | Hsiu-Ping Chang (piano).

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Em 1932, a Princesa solicitou a Poulenc que compusesse um concerto para dois pianos, assim, ele e o pianista Jacques Février, seu amigo de infância, teriam algo para tocar em conjunto. Poulenc completou o trabalho em três meses.

A estreia deu-se em 5 de setembro de 1932, na Sociedade Internacional de Música Contemporânea, em Veneza. Poulenc e Février tocaram juntos, como solistas, acompanhados pela Orquestra do La Scala de Milão. Poulenc comentou: “Tenho que afirmar, sem falsa modéstia, que a estreia foi perfeita… Foi um tremendo sucesso porque a obra é alegre e sem complicação”.

No Concerto, Poulenc procura recriar a atmosfera do elegante Salon da Princesa. A peça é uma obra de transição, combinando o humor travesso da juventude com a crescente vulnerabilidade da fase madura do compositor.

No primeiro movimento, Allegro ma non troppo, os pianistas estão ligados em uma relação intrincada, cheia de referências a canções populares parisienses e em geral de joie de vivre. A coda é especialmente interessante por evocações da música gamelan de Bali, que Poulenc tinha ouvido na Exposição Colonial de Paris em 1931.

O crítico musical Roger Dettmer comentou a respeito deste movimento: “O Allegro ma non troppo tem uma exposição e recapitulação em forma sonata entremeadas por pedaços de canções populares (como croutons em uma salada), que complementam os temas animados do compositor. A seção central, lenta e lânguida, substitui o desenvolvimento antes que Poulenc volte aos boulevards e às boîtes”.

Do segundo movimento, Larghetto, diz Poulenc: “Eu me permiti no primeiro tema retornar a Mozart, porque aprecio a linha melódica e prefiro Mozart a todos os outros compositores”.

O final abre com o rufar da percussão, que se mistura com interlúdios românticos. A orquestra é contida, claramente subserviente aos pianos. Poulenc certa vez disse que este final era de “alegre bravura”, e tinha razão.

Felizmente, temos um registro histórico de Francis Poulenc e Jacques Février acompanhados pela Orquestra Nacional da Rádio e Televisão Francesa sob a regência de George Prêtre:

– 1º Movimento

– 2º Movimento

– 3º Movimento

A seguir, assistiremos a uma interpretação mais atual do Concerto para Dois Pianos, com as pianistas Martha Argerich e Shin-Heae Kang à frente da NDR Radiophilharmonie sob a regência de Andrew Manze:

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Um bom exemplo de sua música de salão da Belle Époque é a Pavane, Op. 50. Fauré escreveu a Pavane “com prazer”. “Este é o aspecto divertido de minha música. É elegante, mas não importante”, afirmou.

A princípio, ele a pensava como uma composição orquestral, para ser tocada em uma série de concertos leves, de verão. Depois, resolveu dedicá-la a sua patronesse, a Viscondessa Greffulhe. Então, por sugestão dela, Fauré acrescentou um coro. Robert de Montesquiou, primo da Viscondessa, escreveu versos triviais para o texto. Fauré os classificou como “deliciosos, uma encantadora verborreia”.

Desde o início, a Pavane foi imensamente popular. Até uma versão para balé foi feita, com coreografia de Léonide Massine, incorporada ao repertório dos Balés Russos de Diaghilev, em 1917.

Vamos assistir a seguir a dois vídeos: primeiro com sua versão orquestral  e, em seguida, uma versão coreografada.

Fauré – Pavane, Op. 50 | Orquesta Filarmônica de Requena; diretor: Francisco Melero Belmonte

Fauré – Pavane, Op. 50 | Repertory Dance Theatre

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Hélène era tão pequena ao nascer que lhe deram o apelido de Dolly (Bonequinha). Ela era uma criança encantadora de cabelos louros. Fauré mandava as peças para a menina nos seus aniversários e em outros eventos.

Berceuse (Allegretto moderato) foi escrita para o primeiro aniversário de Dolly. A suave melodia sobre um acompanhamento ritmado sugere uma canção de ninar. Já Le Pas Espagnol, peça que finaliza a suíte, é uma dança espanhola inspirada em uma estátua equestre de bronze que ficava em cima da lareira da casa de Emma, da qual Dolly gostava muito. É cheia de ritmo e fogo: um grand finale.

Fauré gostava de tocar a suíte com crianças, filhas de amigos seus. A foto que ilustra este texto mostra o compositor tocando com a pequena Srta. Lombard, filha de seus anfitriões em Trevano, Lago di Lugano, 1913.

Fauré – Suíte Dolly, para Piano a Quatro mãos, Op. 56 – 1. Berceuse; 2. Mi-a-ou; 3. Le Jardin de Dolly; 4. Le Pas Espagnol | Arthur e Lucas Jussen (piano a quatro mãos).

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