A segunda das quatro canções, Ging heut Morgen übers Feld (Fui Passear no Campo Hoje de Manhã) é a mais alegre do conjunto, cantando a bela natureza em palavras simples: Blum’ und Vogel, Gross und Klein! Guten Tag! Ist’s nich eine shöne Welt? (Flores e pássaros, grandes e pequenos! Bom dia! Vocês não acham este mundo maravilhoso?).

Só ao final dos versos é que o viajante se lembra de que não poderá mais ser feliz, agora que seu amor se foi.

Mahler e Klimt

O pintor Gustav Klimt (1862-1918) e Mahler eram contemporâneos (Mahler é dois anos mais velho). Ambos moravam em Viena, na virada do século, um período de grande efervescência cultural. Klimt namorou Alma Schindler, com quem Mahler se casou mais tarde, e era um admirador da obra do compositor.

A montagem do vídeo a que vamos assistir a seguir é feliz na escolha das imagens de Klimt, que reforçam a visão de encantamento com a natureza do poema.

Vamos ouvir Ging heut Morgen übers Feld, de Mahler, com Frederica von Stade (mezzo  soprano) e a Orquestra de Cleveland, sob a regência de Andrew Davis. A canção dura 5 minutos.

O autor da montagem, na certa orgulhoso de seu trabalho, estende-se outros 5 minutos nos créditos. O bom disto é que, neste tempo, ele apresenta outra bela canção de Mahler: Urlicht (Luz Primordial), interpretada por Jessye Norman.

Mahler – Ging heut Morgen übers Feld, com Frederica von Stade (mezzo soprano) e Orquestra Sinfônica de Cleveland regida por Andrew Davis | Mahler – Urlicht, com Jessye Norman (mezzo soprano) e Irwin Gage (piano).

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Dardano lamenta seu amor não correspondido por Oriana, a fiel amada de seu melhor amigo Amadeu.

“Dor tirânica sinto no coração
E nem espero mais encontrar compaixão”

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É bem verdade que ele se imitou muito – talvez seja um dos maiores “Lavoisiers” da música.

Compositor vocal, como Mozart e Schubert, é notável a intensidade e dramaticidade de suas óperas e oratórios.

Vamos ouvir um dueto da ópera Teseo (Teseu).

Händel – Addio mio caro bene

“… Parto, mas parto com dor, 

Meu coração será sempre teu…”

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Pergolesi já estava gravemente enfermo com tuberculose, internado no convento dos Capuchinhos, em Pozzuoli, e terminou a obra nos últimos dias de sua vida.

Stabat Mater é composta para soprano e contralto solistas, violinos, viola e baixo contínuo (violoncelo e órgão). São doze seus movimentos – árias e duetos.

O texto é um hino medieval do século XIII, atribuído ao beato Jacopone da Todi. Seus primeiros versos são:

Stabat mater dolorosa
juxta Crucem lacrimosa,
dum pendebat Filius.

(Estava a mãe dolorosa ao pé da cruz, lacrimosa, da qual pendia seu filho.)

A obra fez grande sucesso desde que foi composta, apesar das críticas de que fora escrita em estilo galante (*) e operístico.

Uma resposta definitiva a essas críticas consiste no fato de o próprio Bach ter escrito uma cantata com a melodia do Stabat Mater, compondo uma versão em alemão dessa obra – Tilge, Höchster, meine Sünden, BWV 1083 –, que certamente era desconhecida dos críticos da época.

O significado de Stabat Mater vai, com certeza, muito além de questões menores de forma e estilo. Temos aqui um retrato comovente, profundamente humano, do sofrimento de uma mãe diante da agonia de seu filho.

Vamos assistir, a seguir, a duas versões da obra: a primeira cantada por uma soprano e um contratenor e, a segunda, por uma soprano e uma mezzo soprano:

Philippe Jaroussky (contratenor) e Emöke Barath (soprano) | Nathalie Stutzmann (regente) |  Orfeo 55

Sabina Puértolas (soprano) e Vivica Génaux (mezzo soprano) | Christophe Rousset (regente) | Les Talens Lyriques

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(*) Apesar de o ano de 1750 ser considerado o marco final do estilo barroco (ano da morte de J.S. Bach), antes dessa data havia surgido o estilo galante – uma transição para o estilo clássico de Haydn e Mozart. Carl Philipp Emanuel Bach (um dos filhos de J.S. Bach), por exemplo, compunha nesse estilo.

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Grande parte da Itália estava sob domínio da Áustria quando sua ópera Nabucco foi composta. A obra narra a história do povo judeu sob o jugo de Nabucodonosor, rei da Babilônia. Os acontecimentos históricos são usados como pano de fundo para uma trama de cunho político.

O coro Va’ Pensiero é o lamento dos judeus, escravizados e exilados de sua pátria:

“Vai, pensamento de asas douradas,

De nossa doce terra natal.

Vai e pousa nas encostas, nas colinas

……………………………………

Ó, minha pátria tão bela e perdida!

Ó lembrança, tão cara e fatal!”

A ópera, e o coro em particular, ganharam uma conotação patriótica naquela época difícil que precedeu a unificação da Itália. Mais de uma vez foi proposto que Va’ Pensiero se tornasse o hino nacional do país.

Verdi, muito querido como compositor e patriota, foi enterrado ao som de Va’ Pensiero, cantado pelo povo que seguia o cortejo fúnebre.

No vídeo a que vamos assistir, ao final, o maestro Riccardo Muti se dirige ao público e diz que os cortes nos orçamentos da área de cultura ameaçam fazer da Itália a “patria sì bella e perduta” de que falam os versos. Diz que vai apresentar o bis, mas quer que todos cantem junto. Rege então voltado para o público: uma cena comovente em que muitos do coro e da plateia estão chorando.

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O que é estranho, chocante talvez, é que seus dois protagonistas, o imperador Nero e sua recém coroada imperatriz, Popeia, são dos mais perversos e corruptos personagens da história de Roma. Na verdade, Popeia será executada pouco depois, por ordem de Nero.

Sabendo disso, Monteverdi dá à peça um tom sombrio, dissonante. Assim, por exemplo, quando Nero e Popeia cantam um outro trecho da ópera, Più non peno, più no moro (Não sofro mais, não morro), suas vozes se chocam.

Isto, porém, não torna o dueto menos bonito – pelo contrário, adiciona-lhe uma dimensão trágica.

(O papel de Nero, que era originalmente cantado por um castrato, atualmente é cantado por uma contralto ou um contratenor, enquanto que o de Popeia, é cantado por uma soprano.)

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Esse é o primeiro exemplo de dueto vocal acompanhado por uma chacona.

O poema é uma ode pastoral rapsódica dedicada a Zéfiro, o vento do Oeste, que traz a primavera e, com ela, as oportunidades de um novo amor.

Diz um comentarista:

“A figura cativante e repetida da chacona, os ritmos marcados e as linhas vocais graciosas e floridas dão à peça uma exuberância contagiante.”

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A Cantilena começa com pizzicatos que lembram um violão. O soprano entoa uma melodia sedutora, que os violoncelos acompanham em uníssono, antes de assumirem, eles próprios, a melodia. Segue-se uma seção central mais dramática. O vocalise retorna no fim.

O segundo movimento, Dança (Martelo) é sobre versos de Manuel Bandeira que falam do canto de vários pássaros. É um verdadeiro tour de force para a soprano por seu andamento acelerado e a colocação de notas agudas sobre vogais, o que dificulta a sua emissão, como o “i” da palavra “cariri”, que encerra a peça.

Villa-Lobos – Bachiana Brasileira nº 5 | Orquestra Filarmônica de Berlim | Ana Maria Martínez (soprano). Gustavo Dudamel (regente)

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Na Inglaterra, sua atividade pode ser dividida na fase das óperas e na dos oratórios. Extremamente prolífico, compôs 42 óperas, 29 oratórios, 120 cantatas e muita música instrumental e de câmera.

Rinaldo (HWV 7), de 1711, foi a primeira ópera em italiano escrita para o público de Londres. É uma história intrincada baseada no poema Jerusalém Libertada de Torquato Tasso. Como era seu costume, Händel reutilizou, em várias partes da ópera, música composta anteriormente durante sua estada na Itália.

Lascia ch’io pianga / Mia cruda sorte (Deixe-me chorar / Por meu destino cruel), por sinal também adaptada, é uma das árias favoritas da ópera e é também executada como peça de concerto.

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