Considerado por todos os comentaristas como um dos maiores Lieder de todos os tempos, é uma canção de êxtase nupcial, simbolizado pela união entre o Céu e a Terra. 

Sua magia encantatória só se revela plenamente quando ela é cantada com uma espécie de impassividade, de imobilidade, sem nuances. Somente ao final da canção há uma mudança de clima, quando a magia cede a vez ao sentimento humano.

Vamos ouvir três interpretações:

Andrew Goodwin (tenor) e Daniel de Borah (piano)

Julian Prégardien (tenor) e Michael Gees (piano)

Christoph Prégardien (tenor) e Michael Gees (piano)

The post Schumann – Mondnacht (Noite de Lua), Op. 39 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Formada por composições não publicadas – por terem sido recusadas em coleções anteriores ou simplesmente porque Schumann não tinha a intenção de divulgá-las –, as peças tinham suas capas em diferentes cores, daí o nome Folhas coloridas.

O musicólogo Ernst Herttrich, em seu prefácio para a edição da coleção, comenta que o critério para seleção das peças é desconhecido. Organizadas das mais fáceis às mais difíceis, a coleção está dividida em três seções:

I- Drei Stücklein (Três peças)
1. Nicht schnell, mit Innigkeit (Não rápido, com sensibilidade)
2. Sehr rasch (Muito rápido)
3. Frisch (Fresco)

II- Fünf Albumblätter (Cinco folhas de álbum)
1. Ziemlich langsam (Bem devagar)
2. Schnell (Rápido)
3. Ziemlich langsam, sehr gesangvoll (Bem devagar, muito cantábile)
4. Sehr langsam (Muito devagar)
5. Langsam (Devagar)

III-
Novellette
Präludium (Prelúdio)
Marsch (Marcha)
Abendmusik (Música noturna)
Scherzo
Geschwindmarsch (Marcha veloz)

Schumann – Bunte Blätter, Op. 99 | Grigory Sokolov (piano)

The post Schumann – Bunte Blätter, Op. 99 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

O exemplo clássico deste tipo de obra é O Cravo Bem Temperado de Bach, composto mais de cem anos antes, na década de 1720.

Chopin conhecia de cor todos os prelúdios de Bach e os usava frequentemente em suas sessões de prática e também como material de estudo para seus alunos.

Bach tinha composto prelúdios e fugas abrangendo todas as tonalidades, maior e menor, resultando em 48 peças. Chopin compôs apenas prelúdios, em um total de 24 peças, sendo 12 em tom maior e 12 em tom menor.

Os Prelúdios Op. 28 são peças autocontidas, cada uma com sua personalidade própria.

Liszt, sempre disposto a reconhecer inovações ousadas, teceu elogios:

“Esta composição é única em sua espécie: prelúdios poéticos que deleitam a alma com sonhos dourados e a transporta para regiões ideais. Admiráveis em sua diversidade, revelam um trabalho e conhecimento que só podem ser apreciados com um estudo cuidadoso. Tudo está cheio de espontaneidade e élan. Eles têm os recursos que caracterizam as obras de gênio.”

Já o crítico musical Reinhard Schulz afirmou:

“O propósito de um prelúdio tem sido o de estabelecer o clima do que se segue. Cada um dos Prelúdios de Chopin deve ser entendido como contendo a essência de todo um mundo de sentimentos – cabe ao ouvinte completar a pintura em sua mente.”

Chopin – Prelúdios Op. 28 | Yuja Wang (piano)

Ouça outras interpretações dos Prelúdios de Chopin aqui:

Chopin – Prelúdios, Op. 28 – Seleção

The post Chopin – Prelúdios Op. 28 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

As valsas estão entre as mais conhecidas e queridas obras do compositor polonês Frédéric Chopin (1810-1849). Ele começou a compô-las em 1824, aos 14 anos, e continuou até 1849, ano de sua morte, escrevendo um total de 36 valsas, das quais 20 foram numeradas e oito publicadas.

O desejo de Chopin era o de que suas obras não publicadas fossem queimadas. Todavia sua irmã Ludwika decidiu publicar as valsas numeradas de 9 a 13. Outras seis valsas, de 14 a 19, foram publicadas posteriormente.

Costuma-se distinguir entre “valsas de concerto” e “valsas de salão”, porém, para os ouvintes em geral, esta divisão faz pouco sentido. Embora escritas no compasso de 3/4, característico do gênero, as valsas de Chopin são muito diferentes das vienenses. Chopin se inspirou pela forma da dança, porém suas peças foram concebidas para serem apresentadas como “valsas de concerto”.

Sobre a interpretação dessas peças, o musicólogo Artur Bielicki, do Instituto Fryderyk Chopin, afirma: 

“Cativados pela magia das valsas de Chopin, seguimos a inspiração do compositor. Tal é o efeito quando ouvimos, por exemplo, a gravação das valsas na maravilhosa interpretação de Dinu Lipatti.” 

Assim, vamos ouvir as Valsas de 1 a 14 interpretadas pelo pianista romeno, além de algumas outras peças de Chopin a seguir:

Chopin – Valsas nºs. 1 a 14; Barcarolle Op. 60; Noturno Op. 27 nº. 2; Mazurca Op. 50 nº. 3 | Dinu Lipatti (piano)

Já falamos também das Valsas de Chopin aqui :

Chopin – Valsas

The post As Valsas de Chopin appeared first on Clássicos dos Clássicos.

A peça para piano solo é inspirada por uma antiga lenda da Bretanha. Para punir o povo por seus pecados, a Catedral da Ilha de Ys foi afundada no mar. Em algumas manhãs, quando o tempo está claro e a água transparente, a catedral se eleva do mar por um curto período de tempo. Ouvem-se os sinos tocando, os padres cantando e, ao fundo, o som do órgão, antes que ela volte ao fundo do mar.

Esta é a obra de Debussy que mais se aproxima de música programática, descritiva. Ela evoca o fenômeno miraculoso da catedral que surge do mar, remetendo ao canto gregoriano, às harmonias medievais e ao toque dos sinos.

Mas Debussy só mencionava o nome de seus prelúdios no final da partitura, afirmando: “A beleza de uma obra de arte deve permanecer sempre misteriosa. Devemos manter a todo custo a magia própria da música, pois de todas as artes ela é a mais suscetível à magia… Em nome dos deuses, não vamos tentar destruí-la ou explicá-la.”

Aqui, ouvimos o próprio compositor interpretar a peça, em uma gravação de piano roll:

Debussy – A Catedral Submersa

Saiba mais sobre o Primeiro Livro de Prelúdios de Debussy :

Debussy – Prelúdios: Livro I

The post Debussy – A Catedral Submersa appeared first on Clássicos dos Clássicos.

A composição pode ter sido escrita por um pedido de Durand, que queria uma peça acessível a pianistas amadores avançados, em contraste com as obras modernistas que Debussy estava compondo naquela época.

Seus quatro movimentos são:

• En bateau(Navegando): Andantino
• Cortège(Cortejo): Moderato
• Menuet: Moderato
• Ballet: Allegro giusto

Debussy – Petite Suite | Martha Argerich e Cristina Marton (piano a quatro mãos)

The post Debussy – Petite Suite appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Debussy sentia uma relação muito estreita entre a música e a pintura. O título “em branco e preto” não se refere apenas às teclas do piano, mas também tem outro sentido. O compositor o explica em carta a seu amigo Robert Gode:

“Estas peças precisam tirar (extrair) sua cor, sua emoção, simplesmente do piano, como os cinzentos de Velásquez, se você me entende.“

Velásquez, pintor espanhol do século XVII, obtinha nuances de cinza “sombreando” o preto e o branco. Debussy usava uma técnica semelhante com “cores” orquestrais representadas, neste caso, nos dois pianos.

Os movimentos da suíte são:

1. Avec emportement (com exaltação)
2. Lent sombre (lento sombrio
3.  Scherzando (Brincando)

Debussy – En blanc et Noir, Suite para Dois pianos | Martha Argerich e Iddo Bar-Shai (pianos)

The post Debussy – En Blanc et Noir appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Debussy reutilizou, mais tarde, seis movimentos desta obra e os transcreveu para piano a quatro mãos.

Seus movimentos são os seguintes:

• Para invocar Pan, deus do vento de verão
• Para um túmulo sem nome
• Para que a noite seja propícia
• Para a dançarina com címbalos
• Para a egípcia
• Para agradecer a chuva da manhã

(*) Poeta grega fictícia criada por Pierre Louÿs

Debussy – Six Épigraphes Antiques | Lucas & Arthur Jussen (piano)

The post Debussy – Six Épigraphes Antiques appeared first on Clássicos dos Clássicos.

A palavra “esquecidas” foi acrescentada ao título para que as peças não fossem confundidas com outras duas composições muito conhecidas de sua autoria intituladas Imagens.

A primeira peça do ciclo, Melancólica e doce, é seguida por uma Sarabanda – Debussy instruiu que esta fosse tocada “com elegância lenta e digna, como um velho retrato, uma lembrança do Louvre”.

A terceira, Quelques Aspects (Alguns aspectos), vigorosa e humorística, é baseada na canção popular francesa Nous n’irons plus au bois (Nós não vamos mais ao bosque).

Debussy – Images Oubliées | Alain Planès (piano)

The post Debussy – Images Oubliées appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Para Debussy, um arabesco era uma linha curva, tal como as formas da natureza. Sobre os arabescos na música barroca, ele escreveu: “Aquela foi a época do ‘maravilhoso arabesco’, quando a música estava sujeita às leis da beleza, inscritas nos movimentos da própria Natureza”.

Debussy – Arabesques 1 e 2 | Nikolai Lugansky (piano)

The post Debussy – Arabesques 1 e 2 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

A peça é uma exploração exótica e sonhadora das texturas e harmonias que o compositor desenvolveria mais adiante em suas obras.

Rêverie logo se tornou um sucesso comercial e de crítica. É frequentemente citada como uma influência no desenvolvimento da harmonia do jazz.

Debussy – Rêverie | Alain Planès (piano)

The post Debussy – Rêverie appeared first on Clássicos dos Clássicos.

O ano de 1825 foi muito fértil para Schubert, que tinha escrito o Quarteto “A Morte e a Donzela”, o Octeto e várias outras obras. Marca também seu interesse renovado em compor para o piano, com as Sonatas D. 840, D. 850, e a D. 845, escrita no início da primavera de 1825. Seguiu-se um ano terrível para Schubert, ao se confirmar que ele havia contraído sífilis.

O estilo cantábile é a chave para a essência da escrita para piano de Schubert: um tema muito desenvolvido revela a melodia acima de um acompanhamento ondulante. Depois de uma execução do Andante de sua Sonata D. 845, Schubert disse: “Várias pessoas me asseguraram que minhas mãos transformavam as teclas do piano em vozes cantando”.

Dois temas contrastantes assinalam o clima mutável do primeiro movimento, Moderato: o primeiro, reservado, ao qual se segue um outro, assertivo e desafiante, lançado por oitavas descendentes.

O movimento lento, Andante, poco motto, tem cinco variações sobre uma melodia simples. Destas, as tensões dramáticas perturbam a terceira variação, mas o clima sereno volta com a final.

O Scherzo em Lá menor é marcado por passagens repetidas seguidas por frases flexíveis e uma mudança para tom maior. O Trio traz um alívio em um ondulante Fá maior.

O agitado Rondó final conduz ao brilhante encerramento desta fascinante obra.

Schubert – Sonata em Lá Menor, Op. 42, D. 845 | Alfred Brendel (piano)

The post Schubert – Sonata em Lá Menor, Op. 42, D. 845 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

O subtítulo Wanderer vem de uma canção homônima composta por Schubert aos 19 anos, que se tornou uma das mais populares do século XIX. Seu tema é usado no Adagio da Fantasia.

Wanderer possui muitas traduções: peregrino, andarilho, caminhante, itinerante. Nenhuma delas, porém, capta o sentido da palavra na poesia romântica alemã. O poema usado na canção nos dá uma descrição melhor: fala de tristeza, melancolia, solidão, alienação e, claro, de perambular. Mas melhor que falar da canção é ouvi-la:

Schubert – Der Wanderer, D. 769 | Andre Schuen (barítono) e Daniel Heide (piano)

A Fantasia Wanderer começa com o motto (padrão melódico-rítmico usado em toda composição) em ritmo dactílico – longo-curto-curto –, que continua em toda a composição. O segundo tema, em tom lírico, mantém o ritmo, enquanto o terceiro reverte o padrão.

O Adagio, que usa o tema da canção Wanderer, é seguido de sete variações, algumas brilhantes.

A terceira seção é em ritmo triplo. A passagem em forma de canção do Trio é derivada do segundo tema do primeiro movimento.

O final, além de suas excepcionais exigências técnicas, é um raro exemplo de fuga na música de Schubert. O tema da fuga também é em ritmo dactílico.

Schubert – Fantasia em Dó Maior, “Fantasia Wanderer”, D. 760 | Julius Katchen (piano), em gravação histórica de 1967

The post Schubert – Fantasia em Dó Maior, “Fantasia Wanderer”, D. 760 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

No entanto o termo Impromptu não se aplica aqui, pois estas obras não são improvisações. Cada peça explora um clima de poesia tonal definido no início.

A estrutura do primeiro Impromptu combina elementos de sonata e rondó. Emocionalmente, vai da sombria melancolia da abertura a passagens muito excitadas mais adiante. As características flutuações entre tom maior e tom menor estão em evidência aqui também.

O segundo tem a forma de Minueto e Trio. A música lembra muito o clima, o andamento, o perfil melódico e as progressões harmônicas da abertura da Sonata Op. 26 de Beethoven, na mesma tonalidade (Lá bemol maior).

O terceiro é um tema com cinco variações. Schubert toma emprestado o tema idílico e encantador de sua música incidental da peça Rosamunde, Princesa de Chipre. Ele também usa este tema no Quarteto nº 13, D. 804, Rosamunde.

O Impromptu final agrada muito com seu ritmo jocoso, seu clima de dança e passagens virtuosísticas. Perto do fim, surge uma nota de mistério velado, mas isto se resolve no ritmo furioso do final.

Schubert – Impromptus, Op. 142, D. 935 | Alfred Brendel (piano)

Referência: Donald Gislason & Robert Markow – Notas de Programa

The post Schubert – Impromptus, Op. 142, D. 935   appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Começando com um fortíssimo seguido de um pianíssimo, o tema que se segue contrasta mais em textura do que em temática. O final traz a resolução da tensão dramática acumulada no tom maior da recapitulação.

O Impromptu nº 2 em Mi Bemol traz um par de emoções contrastantes, justapondo passagens de escalas rápidas no início com a seção central, dominada por vigorosas explosões de emoção.

O Impromptu nº 3 em Sol Bemol apresenta uma melodia vocal lírica sobre um acompanhamento suave, mas sempre em movimento.

O Impromptu nº 4 em Sol Bemol começa em tom menor e termina em tom maior. São necessários trinta compassos para que o ondulante tom menor seja transformado em maior e outros dezesseis até que a melodia latente emerja na mão esquerda. A seção central, com seu acompanhamento pulsante, consiste em um longo tema de dolorosa expressividade.

Schubert – Impromptus, Op. 90, D. 899 | Kristian Zimerman (piano)

The post Schubert – Impromptus, Op. 90, D. 899 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Vamos ouvir uma seleção destas peças interpretadas pelo próprio Volodos:

Mozart/Volodos – Marcha Turca | Arcadi Volodos (piano)

Mozart/Volodos – Marcha Turca | Montagem de vídeo com interpretações alternadas de Yuja Wang e Arcadi Volodos

Mendelssohn/Liszt/Horowitz/Volodos – Marcha Nupcial | Arcadi Volodos (piano)

Tchaikovsky/Volodos – Berceuse em Tempestade, Op.54 nº 10 | Arcadi Volodos (piano)

Rachmaninov/Volodos – Andante da Sonata para Violoncelo, Op.19 | Arcadi Volodos (piano)

Bizet/Volodos – Valsa Espanhola, da ópera Carmen | Arcadi Volodos (piano)

Saint-Saëns/Volodos – Dança Macabra | Arcadi Volodos (piano)

The post Transcrições para Piano de Arcadi Volodos appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Liszt/Horowitz – Rapsódia Húngara nº 2 | Arcadi Volodos (piano)

Liszt/Volodos – Rapsódia Húngara nº 13 | Arcadi Volodos (piano)

Liszt/Horowitz – Rapsódia Húngara nº 15 (Rakoczy March) | Arcadi Volodos (piano)

Liszt/Volodos – Balada nº 2 | Arcadi Volodos (piano)

Liszt/Volodos – Sonata Dante | Arcadi Volodos (piano)

The post Liszt – Obras transcritas por outros pianistas appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Bach/Rachmaninov – Partita nº 3, BWV 1006 | Daniil Trifonov (piano)

Bach/Rachmaninov – Gavotte da Partita para Violino nº 3 | Daniil Trifonov (piano)

Bach/Liszt – Prelúdio e Fuga para Órgão em Lá Menor | Jorge Luis Prats (piano)

Bach/Saint-Saëns – Abertura, BWV 29 | Nadejda Vlaeva (piano)

Bach/Kurtág – Cantata, BWV106, Gottes Zeit: Sonatina | Víkingur Ólfasson & Halla Oddný Magnúsdóttir (piano)

Bach/Stradál – Sonata para órgão nº 4, BWV 528: Adagio | Víkingur Ólfasson (piano)

Bach/Hess – Cantata, BWV 147: Jesus, alegria dos homens | Daniil Trifonov (piano)

Bach/Corsellis – Passacaglia e Fuga em Dó Menor, BWV 582 | Yves Corsellis (piano)

Bach/Vivaldi – Siciliano, BWV 596 | Arcadi Volodos

The post Bach – Transcrições de diversos autores appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Schumann se referia à Tocatta como “a peça mais difícil jamais escrita” – e até hoje é “uma das peças mais ferozmente difíceis do repertório do piano” [nível de dificuldade 9, o mais difícil, na Escala Henle (*)].

A Tocatta tornou-se uma peça importante do repertório de Clara Schumann e impressionou Mendelssohn quando este visitou sua família em 1834.

Uma comparação de pianistas (Henle) destaca a interpretação de György Cziffra, músico húngaro naturalizado francês.

 Schumann – Toccata em Dó Maior, Op. 7 | György Cziffra (piano)

(*) Nota: Em 2010, a editora de partituras G. Henle Verlag encomendou ao músico Rolf Koenen uma escala de avaliação de peças clássicas que vai de um a nove, de acordo com a dificuldade de sua execução.

The post Schumann – Toccata, Op. 7 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Duas influências pairam sobre a obra. A primeira é a música para piano de Schubert, em particular suas peças de dança e variações, que intrigavam Schumann por sua “conexão de ideias psicologicamente inusitada”. A segunda é uma obra do romancista alemão Jean Paul Richter, cujos escritos fantasiosos e humorísticos fascinavam o jovem Schumann.

É de fato a cena final – um baile de máscaras – de seu romance Flegeljahre (Adolescência travessa) que serve de cenário para Papillons. Dois irmãos apaixonados pela mesma mulher disputam o coração dela, no ambiente alegre de um baile.

Suas breves peças, a maioria valsas, são, apesar de sua brevidade, incrivelmente contrastantes. Este é o reflexo das personalidades dos dois irmãos rivais no romance de Jean Paul – um sonhador e introspectivo; o outro apaixonado e impetuoso –, um paralelo da personalidade musical dividida de Schumann, seus alter egos Eusebius e Florestan.

Na peça final de Papillons, Schumann cita a Grossvatertanz (Dança do Avô), tradicionalmente usada no fim de um baile, e a combina com a valsa, que é primeira peça de Papillons, como que para ilustrar em música a visão que tinha de que o término do romance de Jean Paul parece ser um novo começo.

Ouviremos a peça na interpretação de dois pianistas, Alfred Cortot e Wilhelm Kempff:

Schumann – Papillons, Op. 2 | Alfred Cortot (piano)

Schumann – Papillons, Op. 2 | Wilhelm Kempff (piano)

The post Schumann – Papillons, Op. 2 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

“A Kreisleriana – Fantasias para o Pianoforte, tem oito movimentos contrastantes, tocados sem interrupção, com exceção do último. Foi escrita em apenas quatro dias, em abril de 1838; uma versão revisada foi publicada em 1850. Pouco depois de publicá-la, em 1839, Schumann disse que esta era sua obra favorita. O título da obra foi inspirado pelo personagem Johannes Kreisler, das obras de E. T. A. Hoffmann. Kreisler era um violinista excêntrico, maníaco depressivo, relembrando assim os alter egos de Schumann – Florestan e Eusebius –, que indicavam os traços contrastantes de sua personalidade: Florestan, impulsivo; Eusebius, sonhador.”

Os movimentos da Kreisleriana de Schumann são:

1. Äußerst bewegt(extremamente animado);
2. Sehr innig und nicht zu rasch(muito íntimo e não muito depressa). Este movimento é em forma de rondó – A-B-A-C-A, com um tema principal lírico e dois intermezzos contrastantes;
3. Sehr aufgeregt(muito agitado);
4. Sehr langsam (muito lento);
5. Sehr lebhaft (muito vivo);
6. Sehr langsam (muito lento)
7. Sehr rasch (muito rápido)
8. Schnell und spielend(rápido e jocoso)

Schumann – Kreisleriana, Op.16 | Daniil Trifonov (piano)

The post Schumann – Kreisleriana, Op.16 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

Mas não veio de mãos abanando: Schumann tinha composto várias obras para piano, entre as quais o Arabesque, Op. 18, e o Humoresque, Op. 20.

Schumann não deu, a princípio, grande importância ao Arabesque, uma peça escrita para ganhar dinheiro e não para satisfação artística. A composição provou-se, no entanto, um marco em sua obra, introduzindo uma sutileza e uma graça em sua linguagem e resistindo ao estilo de salão, em voga na época.

O Arabesque tem o formato de um rondó em três partes, A, B e C, na sequência A-B-A-C-A. A seção A é gentil e lírica. Os episódios B e C são mais intensos. Segue-se um belo e inesperado postlúdio.

Schumann – Arabesque, Op. 18 |Emil Gilels (piano)

The post Schumann – Arabesque, Op. 18 appeared first on Clássicos dos Clássicos.

O Concerto foi estreado pelo próprio Poulenc ao piano dois anos mais tarde, em 6 de janeiro de 1950. A obra foi recebida “com mais simpatia do que com entusiasmo”. Poulenc atribuiu esta reação ao fato de a audiência ter ouvido Sibelius demais.

Em minha opinião, o concerto é enérgico, cheio de belas melodias e de uma brilhante orquestração.

O primeiro movimento evoca, segundo alguns comentaristas, temas de Rachmaninov.

No Andante, Rachmaninov retorna com o suave primeiro tema, mas o desenvolvimento rejeita grandes erupções de emoção.

No último movimento – um efervescente Rondeau à la Française –, Poulenc, curiosamente, incorpora ritmos de maxixe brasileiro.

Poulenc – Concerto para Piano e Orquestra | Maroussia Gentet (piano); Orchestre Philharmonique de Radio France, Mikko Franck (regente)

The post Poulenc – Concerto para Piano e Orquestra appeared first on Clássicos dos Clássicos.

A Rapsódia tem uma história interessante. Em 1924, Ira Gershwin mostrou a seu irmão George uma notícia de jornal em que Paul Whiteman, líder de uma banda de jazz, afirmava que Gershwin estava compondo um jazz concerto.

Isto era novidade para Gershwin, que entrou em contato com Whiteman para desmentir a notícia do jornal. Porém Whiteman acabou convencendo o compositor a aceitar a tarefa, que ele concluiu em três semanas.

O fenomenal talento de pianista de Gershwin empolgou a plateia na estreia, surpresa também ao ouvir o jazz como música clássica. Outro ponto alto da estreia foi o sensacional solo de clarineta que abre a Rapsódia, que se tornou a “peça de assinatura” do clarinetista Ross Gorman.

“Os ritmos pulsantes, sincopados do início”, afirma a musicista Elizabeth Schwartz, “dão lugar, mais adiante, a uma melodia quente e expansiva que Rachmaninov poderia ter escrito”.

Gershwin – Rhapsody in Blue | Yuja Wang (piano) e Camerata Salzburg regida por Lionel Bringuier

The post Gershwin – Rhapsody in Blue appeared first on Clássicos dos Clássicos.