Desta vez, a ênfase é no cotidiano dos músicos – seja de uma orquestra sinfônica, ou de um quarteto de cordas – como ponto de partida para abordar os relacionamentos humanos e a sociedade.

Em nossa seleção, apresentamos ainda a história de um grande compositor – Richard Wagner – cuja vida foi retratada em uma série televisiva monumental.

Ensaio de orquestra (1978)

Ensaio de orquestra (Prova d’orchestra), do cineasta italiano Federico Fellini, é uma sátira mordaz à sociedade e à política, representada pela conturbada relação de poder entre um maestro e seus músicos. Uma homenagem de Fellini à arte da música, uma das paixões de sua vida, o filme tem a última das muitas trilhas sonoras que o genial Nino Rota compôs para o diretor italiano.

Uma orquestra se reúne para ensaiar em uma capela medieval romana quando uma equipe de TV aparece para entrevistar seus integrantes para um documentário. As competições internas e hierarquias entre eles são postas em evidência quando cada um defende apaixonadamente que o seu instrumento é o mais importante. Já o maestro é retratado como uma figura autoritária e ranzinza que luta para manter a ordem perante a indisciplina e as reivindicações sindicais dos músicos.

Até que vem a ruptura: os músicos se insurgem contra o maestro, que assiste impassível à sua substituição por um grande metrônomo. Uma bola de aço coloca abaixo a sala de concerto. Ruínas e caos reinam, mas o regente sacode a poeira e a música domina a cena. 

O último concerto (2012)

O último concerto (A Late Quartet) é um filme do roteirista e diretor Yaron Zilberman. O drama conta a história de um renomado quarteto de cordas que está às vésperas de seu aniversário de 25 anos, quando o violoncelista (Christopher Walken), diagnosticado com o Mal de Parkinson, anuncia que o primeiro concerto da turnê será o seu último.

Com o futuro do grupo ameaçado, os quatro integrantes preparam sua última apresentação, trazendo à tona os amores e desafetos criados na trajetória de sua longa parceria. Brigas, lágrimas, traições e batalhas de egos emergem nesse processo. Somente o vínculo profundo entre os integrantes e o poder da música podem preservar o legado do grupo. 

O tempo e sua efemeridade são os temas centrais da trama. O Quarteto nº. 14 em Dó Sustenido Menor, Op. 131, de Beethoven, tem destaque no filme, que faz uma homenagem à música de câmara e ao mundo cultural de Nova York.

Wagner (1983)

Esta monumental minissérie biográfica em dez capítulos, dirigida por Tony Palmer e estrelada pelo ator Richard Burton, conta a trajetória do compositor alemão Richard Wagner. Da sua participação nas jornadas revolucionárias de 1848 até a sua consagração final em Bayreuth, em 1876, passando pela amizade com o Rei Ludwig II da Baviera e por fatos de sua conturbada vida pessoal, a produção dá ênfase à personalidade poderosa de Wagner, seu ego gigantesco, sua visão artística revolucionária e seu nacionalismo germânico exacerbado.

De estrutura wagneriana, a longa produção mostra como a visão artística do compositor impulsionou o drama musical ocidental em uma nova direção. O uso da música também tem seu precedente wagneriano, com leitmotivs associados a eventos e personagens recorrentes. A trilha sonora dirigida por Sir Georg Solti foi gravada especialmente para o filme.

Assista a seguir uma cena em que Wagner ensaia a ópera Tannhäuser com o pianista Hans von Büllow e o tenor Albert Niemann:

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Destacamos mais três filmes: Delírio de amor, sobre a vida de Tchaikovsky; Rhapsody in Blue, sobre George Gershwin; e Todas as manhãs do mundo, sobre os compositores franceses Marin Marais e Jean de Sainte-Colombe.

Delírio de amor (1970)

Paixão criativa, desejo reprimido e muitos excessos dominam esta controversa cinebiografia do compositor russo Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-93), dirigida por Ken Russell. O filme britânico (cujo título original é The Music Lovers) une drama e romance para contar a trágica história do artista, interpretado pelo ator Richard Chamberlain.

Inseguro emocionalmente e depressivo, Tchaikovsky batalha para que sua música seja aceita. Enquanto cria obras imortais, sua vida pessoal desmorona em um turbilhão de paixão, repressão e tragédia. No filme, ele vive uma conturbada relação amorosa com o Conde Chiluvsky (Christopher Gable), mas tenta reprimir seus desejos aceitando um casamento de conveniência com Antonina (Glenda Jackson), ex-aluna instável e obsessiva.

Na cena a seguir, vemos a estreia do Concerto para Piano nº. 1, com Tchaikovsky ao piano, tocando o final do último movimento:

Rhapsody in Blue (1945)

Dirigido por Irving Rapper e estrelado por Robert Alda, Rhapsody in Blue é a cinebiografia do compositor norte-americano George Gershwin. A dramatização de sua carreira meteórica e sua morte trágica aos 38 anos resultou neste filme altamente ficcionalizado, mas que apresenta várias de suas obras de concerto, além de algumas de suas canções mais populares, como Summertime.

Várias figuras do círculo de Gershwin interpretam a si mesmas, entre elas o pianista e humorista Oscar Levant (é dele os solos de piano de Rhapsody in Blue e do Concerto em Fá, no filme).

Com ambição de se tornar um compositor clássico, Gershwin escreveu peças sinfônicas, concertos e uma ópera. A cena a seguir recria a estreia histórica de Rhapsody in Blue no Aeolian Hall. O maestro é Paul Whiteman, que regeu a obra em sua estreia real.

Todas as manhãs do mundo (1991)

Este filme (em francês, Tous les matins du monde), dirigido por Alain Corneau, revisita as figuras de Marin Marais e Jean de Sainte-Colombe, compositores franceses muitas vezes ofuscados por Lully. Além de obras desses compositores, a trilha inclui obras de Rameau e Couperin, todas dirigidas e interpretadas pelo músico Jordi Savall.

Marais (Gérard Depardieu), prestigiado violista de Luís XIV, foi aluno de Sainte-Colombe (Jean-Pierre Marielle). Ao final da vida, conta a história de seu aprendizado com esse mestre da viola da gamba, austero e severo com o seu jovem aluno (Guillaume Depardieu), e de sua ascensão à corte real. O som da viola de gamba, ao longo do filme, desempenha um papel importante na definição do clima.

Na cena a seguir, o jovem Marais, aos 17 anos, visita Sainte-Colombe e toca viola da gamba:

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Destacamos aqui os filmes Impromptu (1991), Chevalier: a verdadeira história nunca contada (2022) e Shine (1996).

Impromptu (1991)

Escrito por Sarah Kernochan e dirigido por James Lapine, Impromptu mistura drama histórico com humor ao narrar o romance entre a escritora francesa George Sand (Judy Davis) e o compositor Frédéric Chopin (Hugh Grant) na Paris do século XIX, centro da arte e da cultura da época. 

Conhecida por sua ousadia, personalidade forte e estilo andrógino, George Sand nutre uma profunda admiração por Chopin, compositor genial, de comportamento retraído e saúde frágil. Ela decide criar uma oportunidade para conhecê-lo. 

Embora inicialmente resista às investidas da escritora, Chopin fica intrigado com uma bela carta de amor que lhe é dirigida. Ao longo da trama, diversos obstáculos aparecem, como rivais, amantes e duelos. O filme aborda também a amizade entre Chopin, Liszt e Delacroix.  

Na cena a seguir, Chopin toca sua Balada nº. 1 em Sol Menor, Op. 23, quando o escritor Félicien Mallefille entra na sala, agitado, e joga um vaso de porcelana na parede. Chopin para de tocar e descobre, chocado, que Sand estava escondida embaixo do piano.

Chevalier: a verdadeira história nunca contada (2022)

O filme é baseado na história real de Joseph Bologne, o primeiro músico negro a receber aclamação da crítica na Europa no século XVIII, desafiando os padrões sociais de seu tempo. Com direção de Stephen Williams e roteiro de Stefani Robinson, a produção traz no elenco Kelvin Harrison Jr. no papel de Bologne.

Filho ilegítimo de uma escravizada africana e um fazendeiro francês, Bologne nasceu em 1745 na colônia francesa de Guadalupe, Caribe. Ainda criança, foi levado por seu pai para a França, onde teve sua educação formal. Se formou em literatura e matemática, praticou hipismo e esgrima. 

Durante sua graduação na Academia, foi nomeado por Maria Antonieta oficial do guarda-costas do rei, ficando conhecido como Chevalier de Saint-Georges. Também liderou o primeiro regimento totalmente negro da França, lutando na Revolução Francesa. Como compositor, sua produção inclui concertos para violino e orquestra, quartetos de cordas, sinfonias concertantes, sonatas e óperas.

Na cena a seguir, Mozart está em um concerto em Paris quando Bologne adentra o teatro e pede para acompanhá-lo na execução do Concerto para violino nº. 5. Os dois travam uma batalha de cadenzas e Bologne triunfa ao final.

Shine (1996)

Dirigido por Scott Hicks, Shine é um drama biográfico sobre o pianista australiano David Helfgott, que, na casa dos 40 anos de idade, retoma sua brilhante carreira interrompida duas décadas antes por causa de um colapso nervoso. O ator Geoffrey Rush, no papel de David adulto, ganhou o Oscar por sua interpretação.

Menino-prodígio, David enfrenta um pai dominador e suas próprias dificuldades para alcançar a perfeição. O roteiro é baseado em flashbacks desde a infância do pianista na Austrália dos anos 1950, sua evolução musical, seu encontro com a loucura, com a música de Rachmaninov, até sua restauração e relativa adaptação psicológica graças ao amor de Gillian, com quem casa, voltando a tocar.

Na cena a seguir, o pianista chega em um bar e interpreta o Voo do besouro, de Rimsky-Korsakov, arrancando aplausos do público.

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As vidas de três personagens de épocas distintas e suas inspiradoras histórias ligadas ao universo musical são abordadas nas tramas dos filmes O pianista (2002), Antonia, uma sinfonia (2018), e Minha amada imortal (1994).

O pianista

Baseado no romance homônimo autobiográfico do pianista e compositor Wladyslaw Szpilman, O pianista (2002) foi dirigido por Roman Polansky e conta como seu protagonista sobreviveu à perseguição nazista, durante a Segunda Guerra Mundial, nas ruínas de Varsóvia da Polônia ocupada. Indicado a sete Oscars, o filme foi premiado nas categorias de Melhor Diretor, Melhor Ator e Melhor Roteiro Adaptado.

Vivido pelo ator Adrian Brody, Szpilman tocava peças clássicas em uma rádio da cidade quando iniciaram as restrições impostas pelos nazistas, incluindo o confinamento em uma área vigiada e cercada por muros, que deu origem ao Gueto de Varsóvia. Durante a perseguição, sua família foi capturada e enviada para os campos de concentração. Ele conseguiu escapar, refugiando-se em prédios abandonados da cidade, até que a guerra terminasse.

Na cena a seguir, o músico é descoberto em seu esconderijo por um oficial alemão. Ao dizer que é um pianista, este pede que ele toque algo. Szpilman interpreta, então, a Balada nº.1 de Chopin: 

Antonia, uma sinfonia

Com roteiro e direção de Maria Peters, Antonia, uma sinfonia (2018) traz uma reflexão sempre atual: a mulher que luta contra os preconceitos e enfrenta os padrões sociais de sua época. Baseado em uma história real, o filme retrata a vida de Antonia Brico (1902-1989), que se tornou a primeira musicista a reger a Filarmônica de Nova York em 1938. 

Christanne de Bruijn, no papel de Antonia, protagoniza a trajetória da menina que aprendeu a tocar piano ainda pequena, imigrando da Holanda para os Estados Unidos na década de 1920. Com o sonho de conduzir uma grande orquestra, ela encontra vários empecilhos em sua jornada. Determinada, procura os melhores mestres para sua formação, precisando, para isso, demonstrar grande conhecimento técnico e teórico.

Assista ao trailer do filme:

Minha amada imortal

O filme Minha amada imortal (1994), dirigido por Bernard Rose e tendo no papel principal o ator Gary Oldman, aborda, de forma romanceada, o misterioso amor de Ludwig van Beethoven. 

Quando o compositor morre, em 1827, seu grande amigo Anton Felix Schindler (Jeroen Krabbé) decide cumprir seu último desejo: deixar, em testamento, tudo para a “Amada Imortal”, sem especificar seu nome. Schindler empreende então uma jornada para tentar descobrir esta misteriosa musa depois de encontrar as cartas de amor que ambos trocaram.

Destacam-se na trama alguns dos principais momentos da vida de Beethoven, como o processo de sua surdez, a rejeição social e a sua relação paternal com o único sobrinho, Karl. Pela intensidade dos sentimentos e pela força da música do compositor, o filme extrapola os limites do melodrama.

Na cena a seguir, Schindler relembra sua conversa com Beethoven sobre o poder da música, durante o ensaio da Sonata a Kreutzer, interpretada por George Bridgetower (violino) e Ignaz Schuppanzigh (piano):

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Nesta semana, destacamos três filmes que abordam artistas de diferentes períodos musicais do Romantismo, passando pelo Modernismo, e até os dias atuais.

Acompanhe a seguir as tramas cinematográficas baseadas nas vidas do violinista Niccolò Paganini, do compositor Igor Stravinsky e de uma regente contemporânea polêmica.

Paganini: The Devil’s Violinist (2013)

A história do violinista e compositor italiano Niccolò Paganini é contada neste filme com roteiro e direção de Bernard Rose, tendo no papel principal o violinista alemão David Garrett.

Paganini foi um grande virtuose que viveu no início do século XIX, cuja mítica figura e virtuosismo estavam relacionados à lenda de que ele havia feito um pacto com o diabo. Famoso em toda Europa, com exceção de Londres, no filme, ele se prepara para sua estreia londrina quando se apaixona pela filha de um empresário inglês, despertando a ira de seu agente.

Assista a uma cena em que Paganini interpreta o Capricho nº. 24, uma de suas composições mais conhecidas, que inspirou compositores como Johannes Brahms e Sergei Rachmaninov:

Coco Chanel & Igor Stravinsky (2009)

Baseado no livro de Chris Greenhalgh, o filme, dirigido por Jan Kouen, retrata a frenética Paris do início do século XX, colocando em primeiro plano duas célebres personalidades da época: a estilista francesa Coco Chanel (Anna Mouglalis) e o compositor russo Igor Stravinsky (Mads Mikkelsen). 

Em 1913, na noite de 29 de maio, Chanel vai ao Théatre des Champs-Élysées para assistir à estreia do balé A sagração da primavera, de Stravinsky, com coreografia de Nijinsky.

A longa abertura do filme reencena essa revolucionária montagem que causou um dos grandes escândalos da história da música, provocando reações violentas do público. Logo no início da performance, começaram as vaias, resultando em um verdadeiro tumulto:

Tár (2022)

Indicado ao Oscar 2023 em seis categorias, incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Atriz, este drama psicológico, escrito e dirigido por Todd Field, tem Cate Blanchett como a fictícia regente e compositora Lydia Tár.

Em uma indústria da música clássica dominada por homens, ela é a primeira mulher a reger a Filarmônica de Berlim, e se prepara para fazer uma histórica gravação ao vivo da Quinta Sinfonia de Mahler. No entanto, sérias acusações sobre sua trajetória vêm à tona, abrindo caminho para uma investigação sobre abusos de poder e privilégio. Autoritária no trato com os músicos ou em suas relações pessoais, Lydia vive, então, uma tragédia pela qual será duramente cobrada.

Para Cate Blanchett e Todd Field, Tár é um filme, e não um documentário sobre o mundo da música clássica. A atriz afirmou que o longa é sobre o poder, e o poder não têm gênero: “Não é um filme sobre regência, e acho que as circunstâncias da personagem são totalmente fictícias. Olhei para tantos maestros diferentes, mas também olhei para romancistas, artistas visuais e músicos de todos os tipos.”

Assista a um trecho em que a protagonista ensaia com a orquestra a Quinta de Mahler:

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O cinema tem retratado vários personagens fascinantes da história da música, sejam compositores, regentes, cantores ou instrumentistas. Suas trajetórias são uma fonte inesgotável de inspiração para a sétima arte. 

Ao combinar história e drama, as produções revelam não apenas o talento, mas também as dores, os conflitos e as paixões dos grandes nomes da música, que ganham vida nas telas e têm sua memória preservada, além de sensibilizar novos públicos sobre sua importância e contribuição artística.

Vamos apresentar, nesta nova edição da série, alguns dos filmes mais interessantes sobre essas inesquecíveis personalidades da música.

Maria

O filme Maria, de 2024 (Maria Callas, no Brasil), dirigido pelo chileno Pablo Larraín, traz a atriz Angelina Jolie no papel de uma das mais icônicas vozes da história da ópera.

O drama biográfico mostra a grande artista em busca de sua identidade, retratando o período em que a soprano greco-americana se refugia na Paris dos anos 1970, após uma vida pública marcada pelo glamour e pela turbulência. 

O filme revisita os últimos dias de Callas e faz uma investigação psicológica da protagonista, enquanto aborda suas memórias e amizades, seus traumas e amores.

Assista a uma cena em que a personagem interpreta a ária Vissi d’arte, da ópera Tosca de Puccini:

Maestro

Dirigido e protagonizado por Bradley Cooper, o longa Maestro, de 2023, mostra a vida e a carreira do compositor, pianista e regente norte-americano Leonard Bernstein, que dirigiu a Orquestra Filarmônica de Nova York por 18 anos, e compôs trilhas para aclamados musicais da Broadway, como West Side Story e Candice. 

Carey Mulligan vive a sua esposa, a atriz de TV e teatro Felicia Montealegre. A complexa relação dos dois é o fio condutor do roteiro.

Para a crítica de cinema do New York Times, Manohla Dargis, “o uso mais poderoso da música é uma incrível sequência estendida em que Bernstein rege a Sinfonia nº. 2 de Gustav Mahler com um fervor exultante. É como se ele fosse tocado por Deus”.

Para gravá-la, Cooper recebeu a orientação do maestro Yannick Nézet-Séguin, diretor da Orquestra da Filadélfia e do Metropolitan de Nova York. Assista à cena:

Amadeus

Amadeus, de 1984, dirigido por Miloš Forman foi vencedor de 8 Oscars. A produção reimagina a vida do compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart a partir da perspectiva de seu rival, Antonio Salieri. Nos papeis dos protagonistas estão F. Murray Abraham, como Salieri, e Tom Hulce, como Mozart.

O filme não busca a precisão histórica, mas um retrato emocional e teatral do gênio musical. O Mozart que vemos na tela é irreverente, infantil e genial, em contraste com o amargurado Salieri, que reconhece o talento do jovem compositor e se consome em inveja. 

As atuações dos dois atores principais, a dramaticidade e o dinamismo das cenas, a maquiagem e os figurinos premiados, além, é claro, da música deslumbrante, são pontos altos do longa.

Assista ao trailer:

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Uma paródia dessa cena, com a mesma trilha sonora, pode ser vista no filme Barbie (2023), dirigido por Greta Gerwig e estrelado por Margot Robbie. A icônica boneca vive no “mundo cor-de-rosa” da Barbieland, mas sofre uma crise existencial, embarcando em uma jornada ao mundo real na companhia do seu namorado Ken. O trailer do filme mostra um grupo de meninas brincando com suas bonecas quando surge em cena a figura da Barbie em tamanho gigante. Ao vê-la, as garotinhas começam a quebrar suas bonecas em vários pedaços, jogando-as para o alto.

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Na verdade, foi o que os franceses chamam de “um sucesso de escândalo”, o que contribuiu para aumentar a popularidade de seu autor.

O filme Coco Chanel & Igor Stravinsky (Jan Kounen, 2009) mostra a cena com propriedade, logo no início:

Kounen – Coco Chanel & Igor Stravinsky | Stravinsky – A Sagração da Primavera

Saiba mais sobre A Sagração da Primavera:

Música e Dança | Stravinsky – A Sagração da Primavera

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Com sua dignidade triste e contemplativa, o Adagio tem servido para comemorar ocasiões trágicas, como os funerais de Franklin Roosevelt, Albert Einstein e do Príncipe Rainier de Monaco, assim como a cerimônia no local do atentado de 11 de setembro de 2001. Também foi usado como trilha sonora de vários filmes, entre os quais El Norte, Lorenzo’s Oil, O Homem Elefante e Platoon.

No filme Platoon (1986), de Oliver Stone, Chris (Charlie Sheen) é um jovem idealista que se alista voluntariamente para lutar na Guerra do Vietnã. Recém-chegado a um batalhão norte-americano, ele convive com os demais recrutas e oficiais e, aos poucos, passa a experimentar toda a violência de uma carnificina sem sentido. A música destaca a tragédia da destruição e da morte que a guerra traz.

Platoon (trechos do filme) | Barber – Adagio para Cordas, Op. 11 | Philharmonia Orchestra, Geoffrey Simon (regente)

É interessante notar que Barber não tenha composto o Adagio com o sentido de luto ou lamento. Marcado Molto adagio espressivo cantando, ele o pretendia uma meditação íntima, inspirada por um poema breve e apaixonado da Eneida de Virgílio:

“A Onda

Assim como longe, muito longe, no meio do oceano,
Uma onda orna de espuma seu seio
E se ergue e desliza, crescendo,
Até chegar à praia e estourar, gigante, sobre as rochas…
Assim também, na primavera, todo tipo de gente
E todas as criaturas, na terra ou na água, correm
E se atiram ao fogo que os consome:
É o amor que os move.”

A forma de arco do Adagio captura a imagem poética da onda que se expande do poema de Virgílio. A onda é uma metáfora para a nova vida que a primavera traz.

Como são diferentes estas duas interpretações: a nova vida da Primavera e a morte que a guerra causa!

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No filme, Nicholson interpreta Robert Dupea, um ex-pianista clássico que que rejeita seu estilo de vida anterior e acaba trabalhando em uma refinaria de petróleo. Ele mora num trailer com Rayette (Karen Black), sua namorada, que trabalha como garçonete.

Quando descobre que seu pai está morrendo, Robert decide voltar para casa com sua namorada. Lá, conhece Catherine (Susan Anspach), noiva de seu irmão, e se envolve com ela.

Na cena de “Cada um vive como quer” que vamos assistir, Robert toca o Prelúdio Op. 28 nº 4, de Chopin. Catherine o elogia e diz que se emocionou com a música. Cínico, ele diz então: “eu escolhi essa peça porque era a mais fácil de que me lembrava. Toquei pela primeira vez quando tinha oito anos de idade, e melhor do que agora”.

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O protagonista, interpretado por Jack Nicholson, consegue um emprego de zelador em um hotel nas Montanhas Rochosas do Colorado, fora da estação de esqui. Ele vai com a esposa e o filho pequeno para o hotel, que está vazio. O que acontece na sequência está sujeito a várias interpretações, mas as cenas de horror são impressionantes.

Kubrick usa na trilha sonora do filme trechos de obras de Bartók, Berlioz, Ligeti e Penderecki, entre outros compositores.

Vamos assistir à cena em que o menino passeia com seu triciclo pelos corredores do hotel. A trilha é a Música para Cordas, Percussão e Celesta, de Bartók.

O Iluminado | Bartók – Música para Cordas, Percussão e Celesta | Orquestra Filarmônica de Berlim, Herbert von Karajan (regente)

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Ray (Colin Farrell) e Ken (Brendan Gleeson) são dois matadores enviados à cidade por seu chefe, Harry Waters (Ralph Fiennes), para descansar antes de seu próximo trabalho. O que eles não imaginam é que o chefe planeja que um mate o outro.

A trilha sonora usada na cena a que vamos assistir é Der Leiermann (O Homem do Realejo), última canção do ciclo Winterreise (Viagem de Inverno), de Schubert. Esta é a mais estranha das canções do ciclo.

O peregrino, no fim da viagem, chega a uma cidade e encontra um homem em andrajos e descalço na neve. Ele toca seu realejo (tradução usual, mas incorreta: o instrumento é uma viela de roda). O clima é de desesperança, de uma trágica viagem que chega a seu fim.

A escolha dessa canção, uma obra-prima, mas quase sem melodia e pouco conhecida, parece-me muito original.

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Vamos assistir a um clipe do filme que usa como trilha sonora um arranjo de Carl Orff para a música Gassenhauer, antiga obra do alaudista Hans Neusliedler, de 1536.

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Vamos assistir a um clipe de “Entre Dois Amores” que usa como trilha sonora o Adagio do Concerto para Clarineta de Mozart, último trabalho instrumental do compositor, terminado em outubro de 1791, poucas semanas antes de sua morte. Seu Adagio é o coração da obra; sua tristeza e melancolia são suavizadas por uma serenidade distante.

Sidney Pollack – Entre Dois Amores | Mozart – Adagio do Concerto para Clarineta

Saiba mais sobre o Concerto para Clarineta e Orquestra de Mozart:

Mozart – Concerto para Clarineta e Orquestra

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O filme Solaris (1972), baseado no romance do escritor polonês Stanislaw Lem, conta a história de Kris Kelvin (Donatas Banionis), um renomado psiquiatra que é enviado a uma estação espacial no planeta Solaris para investigar o estado mental de seus tripulantes. Com o passar do tempo, ele mesmo passa a ter problemas psicológicos.

A escolha do Coral Ich ruf zu dir Jesu Christ (Rogo a ti, Senhor Jesus Cristo), um dos mais belos e elevados de Bach, une-se ao clima desta cena e reflete o sentimento existencial do personagem:

Já comentamos uma outra cena do filme Solaris aqui no site, que utiliza a mesma obra de Bach como trilha sonora:

Música no Cinema: Tarkovsky – Solaris | Bach – Prelúdio do Coral Ich ruf’ zu dir

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O filme Call me by your name (Me chame pelo seu nome, 2017), do diretor italiano Luca Guadagnino, é baseado no romance homônimo de André Aciman e narra uma temporada de férias na vida do adolescente Elio (Timothée Chalamet), que acontece na casa de campo de sua família. Lá, seu pai recebe o acadêmico Oliver (Hammer), para trabalhar com ele. No decorrer da história, Elio e Oliver vão se aproximando um do outro.

Na cena a que vamos assistir a seguir, Elio toca para Oliver quatro versões de um trecho do Capriccio (Ária da trompa da diligência): primeiro, alguns acordes no violão; depois, no piano, como Liszt a teria arranjado; em seguida, como Busoni teria alterado o arranjo de Liszt; e, finalmente, como o jovem Bach a teria executado originalmente.

Agora, vamos ouvir a versão de Rosalyn Tureck, grande intérprete de Bach:

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Seu filme O Novo Mundo (The New World, 2005) conta a história da relação amorosa entre o inglês John Smith (Colin Farrell) e a nativa Pocahontas (Q’orianka Kilcher) durante a fundação da colônia de Jamestown, nos Estados Unidos, em 1607.

A escolha do celestial Adagio do Concerto para Piano nº 23, K.488, de Mozart, é perfeita para o mundo de liberdade, paz e amor que a cena a seguir descreve:

Terrence Malick – O Novo Mundo | Mozart – Concerto para Piano nº 23, K.488 (Jenõ Jandó e Concentus Hungaricus)

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Em uma fazenda isolada, Luís (Fernando Rey) e Elisa, sua filha (Geraldine Chaplin), se encontram depois de 20 anos de separação.

Luís escreve o que parece ser um diário ou um romance. O livro fala de lembranças do passado. A trama se mistura com fantasias da vida adulta de Elisa.

Na cena a que vamos assistir, Luís escreve ouvindo a evocativa e sonhadora Gymnopédie nº 1, de Erik Satie, seguida por Papa, mon amour, da ópera Pygmalion, de Jean-Philippe Rameau.

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Philippa (Cate Blanchett) é professora de inglês em Turim, na Itália. Seu marido e alguns de seus estudantes morrem, vítimas das drogas.

Ela sabe quem é o traficante e quer se vingar. Para tanto, põe uma bomba em seu escritório. Todavia, a faxineira remove o explosivo junto com o lixo. A bomba explode no elevador e mata a faxineira e mais três pessoas.

Philippa é presa e, durante o interrogatório, o jovem policial Filippo (G iovanni Ribisi) faz a tradução de seu depoimento do inglês para o italiano. Ele se interessa por Philippa e acaba se apaixonando por ela.

Os dois fogem, perseguidos pela polícia. Essa decisão mudará para sempre suas vidas.

Assistam a uma colagem das lindas cenas finais do filme. A trilha sonora é Für Alina, do compositor estoniano Arvo Pärt (1935), interpretada pelo pianista David M. Arden.

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Solaris é um pequeno planeta cujos habitantes começam a apresentar problemas mentais. Um psicólogo é enviado ao local para avaliar a situação e buscar soluções. Mas será que os fenômenos estranhos reportados pelos habitantes são de fato reais?

A cena da levitação, a que assistiremos a seguir, é belíssima em sua complexidade: uma nave espacial, uma sala com móveis antigos e um grande quadro de Pieter Bruegel faz um contraponto à cena inicial.

Começa então uma experiência de levitação (real ou imaginária?). O ambiente de mistério e de “sonho acordado” e as cenas superpostas do passado e do futuro são uma maravilhosa criação de Tarkovsky.

A música escolhida pelo diretor como trilha para a cena é o Prelúdio do Coral Ich ruf’ zu dir, de Johann Sebastian Bach: 

Solaris: Cena da Levitação | Bach – Prelúdio do Coral Ich ruf’ zu dir

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O príncipe Aleksandr de Novgorod (que recebera o título de Aleksandr Nevsky por derrotar os invasores tártaros em uma batalha à beira do rio Neva) comanda um grande exército que enfrenta os teutônicos no episódio conhecido historicamente como a Batalha do Lago Peipus, ou Batalha no Gelo.

Nessa batalha, os guerreiros alemães são levados a combater sobre a superfície de um lago congelado. Quando a camada de gelo mais fina se rompe, os guerreiros se afogam nas águas geladas. Foi maior derrota do exército alemão nas chamadas Cruzadas do Norte.

O príncipe Alexander Nevsky foi posteriormente canonizado pela Igreja Ortodoxa Russa.

Eiseinstein dirigindo Alexander Nevsky

Um dos grandes destaques do filme é sua impressionante produção: na época, milhares de soldados do Exército Vermelho foram postos a serviço de Eisenstein para participar das cenas de batalha.

Sua trilha original foi escrita especialmente pelo compositor russo Sergei Prokofiev, em íntima colaboração com Eisenstein – ora Prokofiev acompanhava a ação do filme, ora Eisenstein seguia sua música.

Rodado em 1937 e lançado em 1938, às vésperas da Segunda Guerra, o filme também serviu como um alerta aos soviéticos ante o perigo nazista.

Vamos assistir à cena culminante do filme, a Batalha no Gelo, seguida pela cena do Campo dos Mortos:

Alexander Nevsky: Batalha no Gelo e Campo dos Mortos | Filarmônica de São Petersburgo regida por Yuri Temirkanov; Ketevan Kamoklidze (mezzo soprano)

Para quem quiser assistir ao filme completo, sugerimos o vídeo a seguir (com legendas em inglês):

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O enredo trata da história de Candelas, uma bela jovem cigana que é impedida de corresponder ao amor de Carmelo, seu namorado, pelo fantasma de seu antigo amante, um homem infiel e devasso que lhe aparece toda vez que ela se aproxima de Carmelo. Candelas então executa a Dança Ritual do Fogo para atrair o fantasma, dançando com ele em rodopios cada vez mais rápidos, até que este, tragado pelas chamas, desaparece para sempre.

Além de danças flamencas, Falla usa o Cante Jondo (Canto profundo), parte também da tradição cigana do Flamenco. Na cena seguinte à Dança Ritual do Fogo, Candela entoa a Canção do Fogo Fátuo nesse estilo, em que ritmos cruzados se opõem ao acompanhamento da orquestra que imita uma guitarra.

O diretor espanhol Carlos Saura escreveu o filme El Amor Brujo a partir da obra de Falla, com coreografia de Antonio Gades, porém o filme não segue o enredo do balé.

Vamos assistir a seguir duas de suas cenas:

Manuel de Falla – Do filme El Amor Brujo: Dança Ritual do Fogo e Canção do Fogo Fátuo | Dançarinos solistas: Antonio Gades e Cristina Hoyos; Cantora: Rocio Jurado.

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As protagonistas são duas irmãs, Justine e Claire. Na primeira parte, o filme trata de Justine, melancólica e depressiva, do fracasso de sua festa de casamento e do próprio casamento. Na segunda parte, trata de Claire, a irmã mais velha e “normal” de Justine, e a contagem regressiva para o fim do mundo, com a colisão da Terra com o planeta Melancolia, que se aproxima.

Melancolia remete a outros filmes, como O Sacrifício, de Andrei Tarkovski, Gritos e Sussurros, de Ingmar Bergman, 2001: Uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick, e Morte em Veneza, de Luchino Visconti.

Tem em comum com eles o fato de que é impossível imaginar qualquer um destes sem as músicas que seus autores escolheram para sua trilha sonora – música escolhida, não composta expressamente para os filmes.

O Prelúdio de Tristão e Isolda é o Leitmotiv de Melancolia. A ópera é uma composição revolucionária, que marca o fim da música tonal e abre caminho para compositores como Richard Strauss (Assim falou Zaratustra, em 2001: Uma Odisseia no Espaço), Gustav Mahler (Adagietto da Sinfonia nº 5, em Morte em Veneza) e Schoenberg.

O grande tema de Tristão e Isolda, por sua vez, é Liebestod (amor-morte), título da ária final da ópera, cantada por Isolda sobre o cadáver de Tristão. Seus últimos versos são:

Ertrinken,                     Afogar-se,

Versinken,                    Afundar,

Unbewusst,                  Inconsciente,

Höchste Lust!                Suprema alegria!      (tradução literal)

Melancolia – Prólogo | Wagner – Prelúdio de Tristão e Isolda | Orquestra Filarmônica de Praga sob a regência de Richard Hein.

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O “Aquário” é uma das partes mais criativas do Carnaval, cheia de magia e mistério, evocados pela sonoridade iridescente dos pianos e da celesta.

A peça foi usada como trilha sonora da abertura do filme Days of Heaven (Cinzas no Paraíso), de 1978, do cineasta norte-americano Terrence Malick. Além de ser a trilha dos créditos iniciais, que assistiremos no vídeo abaixo, ela é intencionalmente referenciada em um dos três temas (o principal), que Enio Morricone escreveu para a trilha sonora do filme. O trabalho foi indicado ao Oscar de “Melhor Trilha Sonora” e venceu o BAFTA de “Melhor Música”.

A história se passa no início do século XX. Bill (Richard Gere) e Abby (Brooke Adams) formam um casal que vive em Chicago, fingindo serem irmãos. Eles vão trabalhar em uma fazenda no Texas, onde o proprietário (Sam Sheppard) se apaixona por Abby, pedindo-a em casamento. O casal descobre que o fazendeiro está doente, com pouco tempo de vida, e resolve, então, tirar proveito disso. Mas o fazendeiro não morre e a situação começa a fugir do controle.

Saint-Saëns – Carnaval dos Animais: Aquário – Wurttenberg Chamber Orchestra

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