Há uma variedade de iniciativas, sem uma escola ou um estilo dominantes. Diversos movimentos surgiram (uma coleção de “ismos”): Simbolismo, Expressionismo, Atonalismo, Serialismo, Neoclassicismo, Pós-Modernismo, Medievalismo, Minimalismo, Futurismo, e assim por diante.

Na Itália, os principais compositores desse período são Ottorino Respighi (1879-1936), Luigi Dallapiccola (1904-1925), Luigi Nono (1924-1990) e Luciano Berio (1925-2003).

Vamos ouvir, de Respighi, Os Pinheiros de Roma

Gimnazija Kranj Symphony Orchestra, sob a regência de Nejc Beča

De Luciano Berio, Magnificat

Minot State University Symphony Orchestra

E, em homenagem a Niccolò Paganini, as Variações sobre um Tema de Paganini, do compositor polonês Witold Lutoslawski (1913-1994)

Nelson Freire e Martha Argerich (pianos):

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A música romântica é marcada por muitas características:

– o triunfo da intuição e da emoção sobre a razão – Dionísio triunfa sobre Apolo;

– o artista expressa suas emoções pessoais, subjetivas – valorização do indivíduo;

– as obras possuem um caráter de introspecção, melancolia, tristeza, transitoriedade e morte;

– há uma reação à Revolução Industrial, ao Iluminismo e à racionalização da natureza (física de Newton);

– a transgressão de regras e limites – reação às regras do Classicismo;

– o amor à natureza, o respeito pelo primitivo – “nobre selvagem”;

– o interesse pelo passado e pelas antigas lendas: Idade Média, folclore, contos de fadas, sobrenatural, místico, “gótico” e exótico.

Na música italiana, o Romantismo teve como grande destaque os compositores de ópera, como: Gioachino Rossini (1792-1868), que excepcionalmente era mais ligado à ópera-bufa (cômica); Vincenzo Bellini (1801-1835); Gaetano Donizetti (1797-1848); Giuseppe Verdi (1813-1901) – a grande figura da história da música italiana; e Giacomo Puccini (1858-1924), considerado o maior melodista da música italiana, que inicia sua carreira no período romântico e faz a ponte para a música do século XX.

Vamos ouvir, de Puccini, duas árias:

“O mio Babbino Caro”, da ópera Gianni Schichi | Anna Netrebko (soprano)

“E lucevan le stelle”, da ópera Tosca | Jonas Kaufmann (tenor)

E de Verdi:

“Libiamo ne’ lieti calici” (Valsa do Brinde), da ópera La Traviata | Anna Netrebko (soprano), Rolando Villazón (tenor) e Plácido Domingo (tenor)

Ouça também duas peças de Verdi, já comentadas no site:

“Va’ Pensiero”, coro da ópera Nabucco

https://classicosdosclassicos.mus.br/obras/verdi-va-pensiero/

“Marcha Triunfal”, da ópera Aida:

https://classicosdosclassicos.mus.br/obras/verdi-aida-marcha-triunfal/

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Algumas de suas principais características são:

– a volta aos ideais da antiguidade clássica, especialmente da cultura grega;

– os patronos eram principalmente os nobres;

– o gosto do público pela ópera cômica, gênero que surge em Nápoles e depois se estende à Itália inteira, cujas composições enfatizavam uma só linha melódica, com acompanhamento;

– as formas musicais como o concerto e a sonata definidas com maior rigor;

– a forma sonata é extremamente importante: dois temas, exposição, desenvolvimento, recapitulação e coda (cauda);

– a criação da sinfonia (geralmente associada a Haydn).

Os principais compositores do classicismo na música italiana são Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), Domenico Cimarosa (1749-1801), Luigi Cherubini (1760-1842) e Niccolò Paganini (1782-1840).

Vamos ouvir primeiramente o Trio Sonata nº 1 de Pergolesi e, na sequência, a Suíte Pulcinella de Igor Stravinsky, que usou o tema do Trio de Pergolesi para compor a música do balé Pulcinella, encomendado por Sergei Diaghilev para os Ballets Russes.

Pergolesi – Trio Sonata nº 1 | Kathrein Allenberg (violino), Shannon Steigerwald (violin), Roland Martin (cravo) e Jonathan Golove (cello)

Stravinky – Pulcinella Suite, 1º movimento | Los Angeles Chamber Orchestra, Jaime Martín (regente)

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Esse novo domínio da melodia, seguindo a harmonia em detrimento do texto, ocasionou grandes mudanças, incluindo a expansão e a invenção de novos instrumentos musicais, entre estes os fabricados por Stradivarius e pela grande indústria de Cremona.

 A música instrumental começou a desenvolver um caminho próprio, muito diferente de seu papel de acompanhamento da voz. Surgiram as formas instrumentais como a sonata e a fuga. O concerto assume grande importância entre compositores como Arcangelo Corelli (1653-1713) e Antonio Vivaldi (1678-1741), cujas obras se tornaram conhecidas em outros países, influenciando compositores como Johann Sebastian Bach (1685-1750), na Alemanha, que se inspira em Vivaldi, e Georg Friedrich Händel (1685-1759), na Inglaterra, que compete com Corelli.

A ópera séria, estilo da ópera italiana do século XVIII, surgiu no fim do século XVII, principalmente a partir do trabalho de Alessandro Scarlatti (1660-1725) e outros compositores de Nápoles – daí ser chamada de Ópera Napolitana. A ênfase da ópera era o solo vocal no bel canto, o estilo florido do período. A música e o texto eram divididos em recitativos (que narram a ação) e árias (que exprimem as emoções decorrentes). As árias eram em geral na forma da capo ABA (a primeira seção A era repetida após a seção B).

Outros compositores de destaque desse período, além dos citados acima, são Domenico Scarlatti (1685-1757, filho de Alessandro Scarlatti) e Benedetto Marcello (1686-1739). Os centros mais importantes eram as cidades de Nápoles e Veneza.

Do barroco italiano, destacamos as seguintes obras:

Vivaldi – L’Estro Armonico, Op 3, nº 8, RV 522 | Fabio Biondi e Europa Galante

Vivaldi – Beatus Vir, RV 795, Salmo 111 | Rinaldo Alessandrini (regente)

Corelli – Concerto in F Major Op. 6 No. 2 | Voices of Music

Händel – Grand Concerto nº 4 (o compositor era um feroz adversário de Corelli)

https://classicosdosclassicos.mus.br/obras/handel-grand-concerto-no-4-op-6-caravaggio/

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Este foi o mais revolucionário período da música europeia, com o desenvolvimento da harmonia e o surgimento da ópera.

As primeiras óperas, cantadas em italiano, consistiam em melodias e harmonias relativamente simples. A primeira ópera que se tem registro é Dafne, de Jacopo Peri (1561-1633), de 1597. Já a ópera Orfeu, de Claudio Monteverdi (1567-1643), foi composta em 1607.

Deste período, destacamos as seguintes obras:

Kyrie da Missa Papae Marcelli, de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), com o Coro da Capela Sistina regido por Massimo Palombella:

Trechos de Selva Morale e Spirituale, de Monteverdi, com o Coro musicAeterna e Le Poème Hamonique, sob regência de Vincent Dumestre:

Madrigal Moro, lasso, al mio dolo, de Carlo Gesualdo (1566-1613), com a Compagnia del Madrigale:

Conheça outras obras da Renascença italiana:

Abertura e Prólogo da ópera Orfeu de Monteverdi

“Pur ti miro, pur ti godo”, dueto final da ópera L’Incoronazione di Popeia, de Monteverdi

Miserere de Allegri

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Até o início do ano 1000, não havia uma escrita musical sistematizada, apenas alguns sinais que orientavam a leitura e interpretação das obras. Nesse período, o padre italiano Guido D’Arezzo (992-1050) idealizou um sistema de notação para memorizar os tons, nomeando as notas musicais a partir das sílabas iniciais dos versos do Hino a São João (em latim).

A música do Trecento (1300-1400) trouxe inovações, como a canção secular cantada em italiano. Antes de 1500, a música secular era principalmente cantada por trovadores e em jograis.

As elaboradas polifonias da chamada Ars Nova surgiram entre os anos de 1400 e 1500.

Os madrigais se tornaram muito populares, usando várias camadas de melodias diferentes cantadas ao mesmo tempo, uma verdadeira inovação nas percepções musicais.

Vamos ouvir uma peça de canto gregoriano interpretada por monges beneditinos:

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